This memorial presents the creative process of the video art A Conquista da Floresta made by based on fragments of documentaries produced in the Amazon region, such as No paíz das Amazonas (1922) by Silvino Santos, and Luz Verde, (1984) Águas de Março (1984) and Tucuruí 1984 (1984) by Jean Romain Lesage. The Conquest of the Forest proposes as a structure narrative a fictional return to this region - so dear to the artist/the Amazonians and, at the same time, time, so unknown, guided by excerpts from the report of a space mission 2,000 years ago in front of us. To create this film, I established a dialogue with the field of Film experimental/Video art, in addition to having procedures in the genres of Essay Film and Found Footage, especially the works of filmmaker Carlos Adriano. I use it as a contribution theoretical, about image and montage, the work of Didi-Huberman (2017). The process of creation of the work was theoretically nourished, also, by some critical scholars on the history of colonial and non-colonial discourses about the Amazon in different fields of knowledge, such as Neide Gondim, Alfredo Wagner and Renan Freitas Pinto. The result is a audiovisual poetic process that seeks to sensitively understand the historical process and regional social issues, as well as reflecting on the remaining images of the Amazon.

This research deals with the poetic establishment of the notion of Artistic Ancestry based on the crossed dimensions between Zé Pelintra – the great streetwise ancestor of Umbanda – and the Mestre-sala, an emblematic character of the Brazilian carnival of the samba school, in the mythical, sacred and artistic relationship of the ancestral spectacularity of samba. It is a crossroads-research of Afrocentric epistemological construction and decolonial guerrilla that proposes deconstructions of framed and hierarchical perspectives established to the body. Exu is the great epistemological ancestor, a transgressive and moving force, the crossroads as a motive power for the crossings and the streetwiseness as a philosophy and poetics of the researched streetwise-men. Zé Pelintra and Mestre-sala are enchanted bodies, men of the street, from the terreiro and samba, so called by the observation of the diverse and deep relationships of these spaces-territories in their poetics. The research presents its own iconography, with specific symbols and meanings linked to the fundamentals of Umbanda's Sacred Writing, the riscado signs, and the danced riscado of the mestres-salas Nando Elegância, Bené Brito and Fábio de Cássio, three “entities”, black, afro-religious, famous masters of the carnival of Pará, subjects-protagonists of the research that evidence the spectacularity of the riscado in the Amazon. The Ethno-Crossed-Methodology is an authorial creation of the research, based on the process of sensitive listening to the phenomenon, supported by Ethnocenology as the main theoretical-methodological basis and by the ancestral immersions and artistic creations of the exuistic researcher as a woman, mother-artist-flag bearer.

The research focuses on museum education processes experienced in several public museums in Belém/PA by me - artist, teacher, researcher, manager and cultural technician. It takes place in a cartography of these experiences, placing me as a museum professional, in various museum spaces in Belém/PA over thirty years, especially at the Belém Art Museum (MABE), where in addition to working as a technician in cultural matters , as a researcher, I worked in its management from 2017 to 2021. Theoretically and methodologically, the cartographic processes treated by Deleuze; Guattari (1995; 1997; 2012) and Rolnik (2016), in addition to other authors, are referenced, using the mobilizing notions of rhizome, memory device, territory and ritornello that make up their vocabulary. I raise three questions that guide the research paths: In the unveiling and tightening of the structuring and organization policies of public museums, especially MABE, what is the place of education in the museum? What experiences can support an educational practice in museums, capable of facing the hierarchization of the fields of knowledge of professionals in these spaces? How to decolonize this museum space in museum education processes? The memory-image of the mythical bird sankofa and the force-image of Klinger Carvalho's vessel, a work of art entitled “Between two banks” that makes up the MABE collection, are the imaginary lines of agency that displace, guide, and anchor the processes cartographic navigation of the thesis, mixtures of my readings and museological experiences in composing a map of these practices in their developments and becomings.

This thesis arises from the desire to unveil the field of teachers and the images of their representations of their educational practices and ethnic-racial relations. Thus, it aimed to analyze the representations of the teachers of the Degree in Visual Arts about their educational practices centered on the theme of ethnic-racial relations in teaching/learning and its implications in the initial training of students. We sought to answer the following central question: What are the representations of the teachers of the Visual Arts Degree course about their educational practices centered on the theme of ethnic-racial relations in teaching/learning and its implications in the formation of students at the Federal University of Pará. It is a research with multimethodologies, the following were used: qualitative, descriptive; bibliographic study; state-of-the-art, case study and field research. Content analysis with Bardin (2016) and the analogy and imbrication of the Triangular Approach by Ana Mae Barbosa (2014; 2010) and the methodological poles of Chartier (1990). Structuring concepts for this thesis were addressed in the areas of Arts and Education, Anthropology, as well as Sociology and Cultural Studies. In Art Teaching, the theoretical basis with Barbosa (2002, 2014, 2010,). To support the analyses, the authors Ferraz and Fusari (2009); Pimenta (2009), Nóvoa (1997, 2016), Coelho (2009); Paulo Freire (2009), Magalhães (2019) and Veiga (2009); Gomes (2005), Guimarães (2004, 2008), Walsh (2005, 2009), Munanga (2004, 2002), Schwarcz (2008, 2012); Pimenta and Anastasiou (2014), Masetto (2003); Bourdieu (2009); Chartier (1990, 1991) among others were essential. The official documents of the Ministry of Education; Pedagogical Project of the Degree in Visual Arts (2007, 2019); the Teaching Plans of the teachers and the questionnaires applied to the teachers and students of the Visual Arts Degree course/FAV, were relevant. We considered as results of the analysis and reflections of the categories in the triangulation of the teachers' representations methodology elaborated in this research, with regard to the teaching field, the professional identity of the investigated is diversified, with training in other areas of knowledge, but 69% sought theoretical foundations in continuing education in the area of Art/Visual Arts and in education; there is a lack of research in the field of Arts, more specifically in the Degree in Visual Arts, especially research on the theme concerning training in Visual Arts and ethnic-racial relations; The approach to ethnic-racial relations still happens punctually, in some disciplines in the course curriculum; the representations of the documents dimension, revealed contradictions, that is, a mistake in the impression projected in the analyses of the 2007 and 2019 PPCs, in the comparative process with the Teaching Plans and the teachers' dictum about educational practices and ethnic-racial relations; in the training dimension, there is a lack of discussions on educational legislation, BNCC, "New High School, Resolution 02/2019"; in the practical educational dimension, the curriculum defended in the 2019 PPC has advanced, but does not comply with a good part of the Teaching Plans of the Disciplines. Based on the contradictions, it was evident the need to expand spaces for dialogue in the formations. It is necessary to review the documents and educational practices of teachers in order to propose new paths, other strategies, so that the theme of ethnic-racial relations is in detail present in the curriculum, in the pedagogical/artistic/aesthetic/cultural narratives of teachers/students in the degree course in Visual Arts. 

Viajante K - Notes on a journey invented is a research on the relationship of the word, image and literature in contemporary art, where it is proposed, in an artistic process, the blurring of the borders that separate these languages from each other, thus generating the construction of a book of self-fictional artist constituted in a work from a trip in an invented territory. It is an experience in visual arts where there is a fine limit with literature, or, better said, it is a writing by a visual artist who introduces the word as a form, its imagery element.

O “projétil” da pesquisa é o encontro-confronto entre uma menina que engole lágrimas pelos olhos e uma mulher em fuga do hospital de bonecas, elas representam minha existência de vida-morte-ressureição. A tese é acompanhada por conceitos-chave: dramaturgia pessoal, violência contra mulher, arte feminismo, teatro movente e estado de bonequice. Os dois últimos são conceitos criados no processo. Os outros três são dialogados com algumas mulheres, como: Ana Flávia Mendes (2008), Anna Marieta (2018), Chimamanda Adichie (2017), Bell Hooks (2021, 2020a, 2020b, 2019), Louise Beaugeois (1998), Ingrid Gomes (2023), Márcia Kambemba (2020, Thalia Santos (2020), Tarsila Maquiavel (2023), Suzi Lacerda (2023), Wald Lima (2004) e outras. Recorro ao método cartográfico e acredito, assim como (Sandra Rey, 1996) que o “objeto” é um projétil, ou seja, é um alvo carregado de incertezas e movências. Por conseguinte, parto da escrivivência (Conceição Evaristo, 2015), mergulhada em esquizoescritura Deleuze e   Guatarri (2011), fractacionalizada e remendada com interstícios de lembranças da “realidade” Annie Ernaux (2007) - autoficção de Doubrovksy (1977) e Sequeira (2020). A tese é estruturada primeiramente em três sessões, divididas em dois ensaios, quais sejam: a menina que engole lágrimas pelos olhos e a mulher em fuga do hospital de bonecas. Os 2 ensaios possuem uma narradora: Charlotte Gomes Berbié, ma petite que virou carcaça-cadáver, antes de nascer, em terra estrangeira. A terceira sessão é uma constelação de aparições de 7 personagens baseadas nas “mortas” e nas “vivas” da minha ancestralidade e agregam-ajuntam também trabalhos de artistas que me carregam em mãos de nuvens cuidadosas. Acredito que a pesquisa, sobre ancestralidade e violência contra mulheres, possui densa dimensão artística-política (arte feminismo), além de cooperativa, dialógica e pedagógica Paulo Freire (1987, 1989).

ABSTRACT

The artistic-cultural paths and paths along the Icoaraci-Belém and Belém-Icoaraci transit, provided the Afro-Amazonian female body, immersed in relationships with dance and capoeira, with the construction of the Dancaeira epistemological praxis. In these paths, memories were triggered from childhood in backyards, streets, schools, artistic-cultural experiences with dance and capoeira, following a trajectory of girl-woman-mother-educator-teacher-researcher, revealing then, the “living ancestry” that is present through the ancestral women who live within me. I summon three sisters who wield the berimbau, alongside me, and decolonize power in dance in the Amazon with their poetics of “RE-existences”. I present possibilities of decolonial theoretical-methodological paths in contemporary dance, following an autoethnographic flow, by Fortin, supported by NOS-NÓS in which the “knots tied” with the world around, with the doings, knowledge and powers are realized from the perspective of trickery. Capoeira songs, poems and authorial song-poetry, photo images and video prints of

immersions during the research, authorial drawings emanate reflections of the process and the striking presence of the berimbau, which drives the voice of the female body with its sounds and touches , endorse the methodological approach of the research. The interplay of dançaeirantes dialogues welcomed contributions from Freire, Pedagogical Praxis; Santos and Menezes, the Epistemologies of the South and; Costa, Torres and Grosfoguel, Decoloniality, which embody the non-hierarchical methodology, which reveals symbolisms and meanings of the seven elements of Dançaeira to awaken it in you, from the Amazon to the world.

These writings and their annexes address three different and complementary perspectives: the first on reflections on method and artistic creation in the academy; the second on the theoretical conceptions derived from the artistic creation of electronic games; the third on the sub-processes and hazards of game development; in addition to these, the thesis is also composed of the game itself. Taking these perspectives, the thesis proposes to experiment with the image, in the abstract sense, using a dynamic of building constellations to incite the projection of images by connecting stars; and the virtual with its interactive possibilities within a three-dimensional space.

 Keywords: Game; experience; creation; virtual; constellation.

Esta pesquisa pretende investigar o corpo em fluxo e seus procedimentos criativos
realizados sob uma materialidade chamada “espumas siliconadas”. Este corpo foi responsável por
desenvolver procedimentos criativos que fomentou explosões de formas e não formas de se
experimentar a materialidade em processos criativos nas artes. Um corpo em fluxo, mas também
um corpo experimentador, que provocou a imersão de um experimentos com a materialidade
(espumas) se multiplicando nas diversas formas de se experimentar em processos criativos.
Objetivo da pesquisa propõe, experimentar os limites criativos que se pode haver nas
experimentações para criar formas e não formas de procedimentos criativos com a matéria e
construir um repertório de possibilidades experimentais. Em vista aos experimentos
desenvolvidos, o projeto Mofo, um álbum música/visual que reproduziu experimentos, cujo as
tentativas em materializá-lo acidentou em novos experimentações que reverberam em outros
projetos, como Fragilizada, Casulo, Proliferação, Casamento e entre outro, assim montando uma
cartografia que fábulou-se em produções para esta pesquisa.

Investigating the teaching-learning of the cello in public music institutions can be important to understand the formation of an instrumental tradition established by generations of cellists. The aim of this paper is to investigate the teaching-learning process of cello in public music institutions in Belém do Pará. The research was developed through a qualitative, descriptive and exploratory approach. There was a bibliographic and documentary survey, followed by semi-structured interviews. We used theoretical reference on the historical context of public musical institutions in Belém do Pará (SALLES, 1995; VIEIRA, 2001; BARROS; GOMES, 2015), aspects of musical learning in formal public education (LOPES, 1981; SILVA, 1999; LIBÂNEO, 2010) and about research on teaching-learning of the musical instrument cello (FRANÇA, 2000; MACIENTE, 2008; SUETHOLZ, 2011). The research results in a description of the historical context of cello teaching in Belém do Pará, in the identification of the programmatic content used at each level of education in public music institutions in Belém and its relationship with cello learning, and in the analysis of cello teaching-learning in public music institutions in Belém today, pointing out relevant aspects for the development of students. The conclusion is the importance of stimulating the democratization of instrument learning and counteracting stigmas about public institutions with new pedagogical perspectives, in order to establish a qualified reference for teachers, researchers and artists, guiding the construction of curricula and other documents related to the institutional sphere.

Cette thèse cherche à comprendre le processus créatif d'une autoethnographie performative dissidente, appelée “Fleurs pour Pietá”, basée sur l'analyse de schémas symboliques/réels, afin de côtoyer les territoires que le corps homosexuel expérimente. Pour cela, l'approche donnée part de deux biais d'analyse, à savoir: la sexualité et la religion, même si l'étude imprègne d'autres territoires, tels que le territoire intra-familial (le domicile), le territoire subjectif (le corps) et le territoire (l'urbain). Une telle discussion découle de la question-problème suivante: à quels territoires appartiennent les corps homosexuels ? Afin d'atteindre l'objectif général, je fais appel aux auteurs/auteurs suivants pour valider les propositions de cette étude: pour le débat autoethnographique j'utilise les préceptes de RAIMONDI; MOREIRA; BRILLANT; BARROS, (2020) et DENZIN (2015), concernant les discussions sur l'Identité, je recourt à ALMEIDA (2010) et CASTELLS (2001), se référant aux discussions des études gay, j'analyse les concepts de PRECIADO (2003), FOUCAULT (1999, 2012, 2013, 2018) et BUTLER (2000, 2011). En ce qui concerne le corps dévot, j'adopte la vision de JANSEN (2004), concernant l'histoire de la sexualité et le concept de biopouvoir, j'analyse les études de FOUCAULT (1985), en association avec le concept de nécropolitique, de MBEMBE (2018). En ce qui concerne le concept d'art de la (re)performance, je considère les discussions d'ABRAMOVIC (2010, 2018) et de PHELAN (2013). Et sur le concept de territoire je me réfère à CAIAFA (20020), ROSENDAHL (2002), entre autres. Je choisis l'autoethnographie (re)performative comme démarche méthodologique, partant de mes souvenirs, de mon devenir, en tant qu'artiste-chercheur-enseignant, pour guider un cheminement réflexif sur et à partir des corporéités, pour comprendre le corps et ses (re)performances en tant que territoire puissant pour la production de l'épistémologie. Pour la construction de ce travail, il était stratégique d'explorer les approches dissidentes liées aux questions de sexualité et de religiosité. De cette manière, cet écrit indique que le discours religieux a une grande influence sur le tissu des relations sociales, de plus, l'État et la société prennent ce qui se dit et se fait dans les domaines des églises comme un paramètre pour justifier les attitudes et les décisions préjudiciables contre les homosexuels. corps. Par conséquent, le processus de réflexion provoqué dans cet écrit signale que la désapprobation et la coercition au corps LGBTQIAP+ est récurrente entre et dans les territoires religieux et que le corps gay marginalisé, dans cette perspective, tente de trouver un territoire possible pour (re)signifier ces maux historiquement imposés.

The memorial presents the poetic creation process of the audiovisual installation "Studio Som Jolie", where I investigate the sound collection, photographs, writings and childhood memories found in the studio of my father, Aldemário Abreu, in memory. The research-collection is divided into two chapter-blocks: Side A and Side B, combining a repertoire of striking and authorial songs that dance through time, the 70s and 80s. Voices of Raul Seixas, Caetano Veloso, Fafá de Belém, Chico Buarque, compose dialogues with Bergson, Hélio Oiticica, Cecília Salles, José Cirillo, which reverberate beyond the last chord of an experience in the field of art.

A temática explorada neste texto, incide em encontrar nas narrativas de artistas de Abaetetuba, referências de gerações diferentes, mostrando como a arte em seu movimento de mudanças e incorporações, apresenta uma relação com o tempo e o lugar. Sobre o tempo há diferentes ritmos e acentos marcando a dinâmica da “vida abaeteuara”, assim como em outros lugares na Amazônia. Nas paragens ribeirinhas quando ainda ouviam-se os “tiradores” das fofoias, a passagem do tempo era marcada pela maré enchendo e abaixando, na lançante e vazante; tempo no qual a oportunidade era marcada pela canoa indo de proa. Tempo sentido qualitativamente em tempo bom e tempo ruim. Era o tempo da natureza com seus ciclos, e do trabalho coletivo e artesanal de fazedoras de cuias, dos paneiros e das panacaricas.

As transformações históricas trouxeram a devastação e a paisagem, no início sutilmente,  para em seguida, drasticamente, se modificar, e um outro tempo vai sendo sentido, o tempo líquido da modernidade, o avesso gerando uma trama, na qual o elo estético existente entre homem e natureza vai, progressivamente, sendo rompido. E o declínio da cena cabocla é percebida, paralelamente, ao aparecimento de um cenário social com graves problemas. Se a modernidade vai apagando gradualmente, pelas forças desestabilizadoras, certos traços daquela cultura cujos contornos eram refletidos na cena cabocla,  há por outro lado, um movimento de resistências e enfrentamento, protagonizado por vários artistas, e é neste sentido que, um recuo, o ato de revisitar suas práticas, abre possibilidades de uma oposição a essa tendência em curso, divergindo do discurso do progresso e da deformação dos modos de vida construídos coletivamente  na história dos povos amazônidas.

A presente pesquisa de doutorado, desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Artes da Universidade Federal do Pará, sob a orientação da Profa. Dra. Bene Martins, realizou estudo sobre contextos sócio-político-culturais engendrados a partir da instauração do Território Federal do Amapá (TFA), com foco no Cineteatro Territorial de Macapá, entre os anos de 1944 e 1949. A pesquisa, intitulada: O Cineteatro Territorial de Macapá e a Criação de uma Política Cultural Janarista. Os objetivos são os de evidenciar, e refletir sobre a criação de uma política cultural, disseminada pelo Governador Capitão Janary Gentil Nunes e suas possíveis influências no processo de formação identitária amapaense. Esta pesquisa justifica-se pela insuficiência de trabalhos que contemplem o tema e a necessidade de abordagens mais aprofundadas sobre a memória artística, cultural e teatral amapaense e seus contextos sociais e políticos, que podem ter influenciado na sua formação identitária e cultural, além de contribuir, como aporte teórico e crítico para pesquisas futuras, possibilitando condições para o crescimento do Teatro no/do Norte e no/do Brasil. O ponto central do estudo é o movimento artístico e cultural oportunizado (ou não) pelo Cineteatro Territorial de Macapá, espaço oficial de difusão política e cultural do TFA. No processo de construção desta pesquisa, conforme objetivos propostos, é investigada a formação do TFA, desde sua fragmentação do estado do Pará (1943), a escolha da capital territorial e o Jornal Amapá, como fonte documental, a inauguração do Cineteatro Territorial de Macapá (1944) e suas atividades político-culturais, a criação de uma política cultural janarista e o possível diálogo com o movimento cultural amapaense. O estudo alia-se à linha de pesquisa: Memórias, histórias e educação em artes, do Programa de pós-graduação em artes (PPGARTES-UFPA). As metodologias de apoio são as do campo artístico-cultural, estudos culturais, em diálogo com outras referências, a partir de uma análise qualitativa das fontes. Inicialmente, com leitura sistemática das bibliografias sobre política cultural, contextos teatral e audiovisual estabelecidos entre 1944 e 1949. Os materiais consultados são de filmes, espetáculos, artistas e companhias teatrais registrados em Macapá-AP. Caracteriza-se como pesquisa documental, por priorizar o levantamento e análise das fontes que possibilitem a interpretação dos órgãos e documentos oficiais, como o Jornal Amapá e Relatório de Atividades do Governo do Território Federal do Amapá.

The doctoral thesis Musician Wrens: the historical legacy and the artistic-musical practice of the opera singers from Pará Helena Nobre (1888-1965) and Ulysses Nobre (1887-1953) proposes to reflect on the historical legacy of these artists, identifying their artistic-musical practice from the public and private collections of Belém. As public collectins there are: Museum of The State of Pará, Arthur Vianna Library (Sections of Rare Works, Microfilms and Newspapers); Museum of Federal University of Pará (Vicente Salles Collection); Theater of Peace; Carlos Gomes State Institute; Santa Izabel Cemetery and Music Academy of Pará. And, as private collections, the ones of: Maria do Céo Nobre Gomes; Helena Maia; Maria Gilda Nobre; Maria Helena Nobre; Jorge Nobre de Brito; Vicente Salles; Gilda Maia; Lenora Brito; e Urubatam Castro. The thesis still proposes: 1) check the status of these files and the curent accessibility to the historical and artistic of Helena Nobre and Ulysses Nobre; 2) investigate who Helena and Ulysses were, their trajectory, their artistic-musical activity and performance Spaces; 3) highlight the compositions, the interpretative repertoire of Helena and Ulysses and the network of relationships – the Society of their era – that kept them active, helped them to spread their artistic-musical work and enabled their artistic trajectory, despite theis social and health disavantages; 4) propose the mapping, the virtual meeting and the dissemination of this legacy, contributing to the accessibility, the rememorization and to the appropriation of this history by the actual Society: by living memory. The search references authors such as: V. Borges (2006) and K. Oliveto (2007), in the field of biographical genre in music, through the collection and interpretation of historical documentary, bibliographicand oral sources; S. Freitas (1983) and E. Bosi (1994), in Oral History; R. Laraia (2001), C. Geertz (1975) and J. Blacking (2006. 2021), in the field of Music as Culture; P. Castagna (2004, 2006, 2008, 2016), L. Oliveira (2012) and L. Heymann (1997, 2012), in the field of Music Archival Science; E. Santos (2004), J. Santos (1996), J. Ferreira (1983), D. Silva (2009) and C. Batista (2005), in the field of Cultural Heritage, Memory and Identity; P. Nora (1993), in the field of Place of Memory; M. Sant’Anna (2006), L. Lévi-Strauss (2006) and F. Maia (2003), in the field of Living Memory; P. Bourdieu (1974, 1996, 1998, 2007), in the field of Cultural and Social Capital. It’s concluded that giving accessibility to what is kept in a museu, or in a library – place of memory – is to reach the actual Society, showing – from the artistic-musical work of Helena Nobre and Ulysses Nobre – part of cultural production of the first Half of twentieth century in Belém, contributing to future academic investigations.

This research was developed in the research line of Epistemic Theories and Interfaces in Arts and it aims to analyze how the music teaching is being developed in public schools of basic education in the county of Soure-Marajó-Pa, in a instance study of Stella Maris Institute, taking into account some features such as the implementation of the legislation, the use of regional musicality aspects in teaching as well as interdisciplinary way and the elaboration and implementation of public policy about the music teaching. From an ethnomusicological perspective, it is intended to observe whether regional musical expressions, although the musical experiences of students, are taking in consideration during the process of music teaching. It was used in the theoretical framework authors in the field of ethnomusicology such as Blacking (1981; 1995), Netll (1983), Lühning; Tugny (2016) and Queiroz (2004; 2020). The experimentation is descriptive and exploratory in nature and it uses both primary data, through fieldwork activities and conducting interview, and secondary data, through bibliographic and documentary research. It is expected that the research results can offer a diagnosis of music teaching in schools in the countryside of Soure from this case study and can lead to reflection and evaluation of public policies aimed at music education in this county.

_{Esta pesquisa se propõe a compreender os processos de constituição da Elf Galeria no sistema da Arte local e suas ressonâncias na formação de colecionadores e coleções de artes visuais, na dimensão privada, no período de 1981-1999, em Belém, Pará. Para tanto, parte-se dos registros materiais do galerista e idealizador da Elf, Gileno Müller Chaves (1943-2006), a fim de construir a sua trajetória de vida associada ao processo de constituição e atuação da Elf Galeria. A pesquisa caracteriza-se como um estudo de caso de natureza qualitativa, abordagem teórico-empírica que tem os acervos do galerista como fonte primária. No desenvolvimento da pesquisa de campo e pesquisa bibliográfica, o eixo conceitual adotado são os estudos sobre memória, com base em Maurice Halbwachs e Pierre Nora. Recorro, ainda, a Ulpiano Bezerra de Meneses, para aprofundar questões sobre patrimônio cultural na relação público e privado e a François Dosse para a abordagem Biográfica. Realizou-se entrevista semiestruturada com a viúva de Gileno Chaves. Nas considerações finais apresenta-se a trajetória da Galeria, inter-relacionada ao seu idealizador e sua contribuição ao sistema da arte local.}

This thesis-testimony is the work of experimental creation plotted by threads, lines and fibers of fragments and essays that stage poetic acts and rites of artistic creation, offered in favor of ancestral and existential healing through testimonies of life and artistic residence. Written tissue arising from affectations and memories, lived or invented, resulting from experimentation stems from experimentation and creation processes of the actress-psychologist-artist-creator with the dadivosas poetics of healing, as powers of self-care and other. We plot that part of the transformative metaphor of the life cycle of butterflies transmuted into poetic reveries, which produce meanings about the act of researching and creating artistically Braided in cocoon spaces and crossed by other voices, of those who came before and produced other plots, presented through the folds, corners and female crossroads through which the research in art passes and which constitute the confluence of methodological paths experiences between poetic devices. Witness writing that aims to contribute to the deterritorialization of the act of caring for certain fields-power of knowledge, at the same time territorializing meanings of ritualized powers of care in scenic productions of dadivosas poetics that establish lines of contact with other areas of knowledge, scientific and non-scientific, which trigger political, ethical-poetic and spiritual dimensions.

The present thesis “Timeless dialogues between Music and Image: Resignifying Clemente Ferreira Junior's work (1864-1917)” aims to establish a transdisciplinary dialogue involving musical and imagetic composition, throughout an approach amongst multi-languages in a historical musicology bias. We look for unveiling the music compositional language of the composer Clemente Ferreira júnior, through the analysis of his pianistic work, under the musical and imagetic semiology stance, objecting to comprehend creative (poietic) and perceptive (esthesic) aspects. Consequently, the study seeks to develop a musical product inspired in Clemente Ferreira’s work, to be incorporated in the “Imaginary Landscapes” work, presenting the author’s artistic processes, involving the “Pictoscore” concept, throughout a music memorial.

The view built, over time, about the representations of the deficient body in art, has sometimes been associated with the notion of stigma, which normally puts the disabled person in the place of someone who is considered incapable, invalid, discriminated, possessing a condition of suffering - above all, by the patterns and forms as they are represented in the means of artistic expression. As a central theme of this research, we present new forms of analyzing  this relationship, which are not limited to conventional notions, but, on the contrary, can encompass a broader and at the same time deepened field of investigation and debate, when confronting themes such as "body", "art", "language", "disability", "cinema", all guided, precisely, by the idea of representation. With this research, we prioritize analyzing the deficient body, with its symbolic aspects and multiple meanings, especially when this body is brought as a central element, which takes place in the film narrative. For this, our study is based, primarily, on a comparative analysis between two films, with very similar contexts: 'Feliz Ano Velho', in Brazilian cinema, and 'Intouchables', in French cinema. Both films are inspired by literary works, more precisely in autobiographies.  Their central characters, Mário, in the Brazilian film ‘Feliz Ano Velho’, Phillipe di Borgo in ‘Intouchables’, have live similar life situations. The option for this type of analysis occurs, precisely because we consider the possibilities of confronting symmetries, or not, in the contexts of these works, precisely because of the similarities between the stories that are experienced by their protagonists:  both of them are victimized in accidents, they are disabled to walk and translate their experiences into literature. According to the perspective of analysis and approach of the relationships that we seek to understand here, the possibilities of this research are complex and endless. In this sense, a more specific study about the body in the cinema became necessary as an indicator of the place and the look assumed in the construction of our narrative.

Esta pesquisa derivou a construção de uma tese dividida em quatro partes ou quatro atos. A princípio, a feitura da composição do arquivo sobre grupos teatrais, induziu-me para o método cartográfico e, possivelmente, ao etnográfico. Para início dos estudos, foi necessário conhecer e escrever sobre o panorama do teatro amapaense, com a finalidade de lançar um olhar crítico e sócio-político-cultural sobre os cenários do teatro no Amapá. Observei que havia uma quantidade enorme de material sobre teatro em geral, mas sobre grupos teatrais do Amapá nenhuma ou poucas referências. Comecei por referências bibliográficas: Elderson, MELO. Teatro de Grupo: Trajetória e prática do teatro acriano – 1970 a 2010. 2006. Samantha Agustin, COHEN. Teatro de grupo: Trajetória e relações. Impressões de uma visitante., 2010. Um autor específico é, constantemente, utilizado por quaisquer pesquisas, no que diz respeito às atividades teatrais amapaenses, o professor-pesquisador, Romualdo Palhano, da Universidade Federal do Amapá. Esse autor serviu como suporte bibliográfico principal, para uma pesquisa que até então, estava no lusco-fusco, pois, apesar de saber que havia trabalhos teatrais no Estado do Amapá, eu os desconhecia. Assim, decidi mudar o foco principal do trabalho e me dedicar a um objeto: os grupos de teatro do Amapá. Ou seja, a pesquisa deixou de ser exclusivamente bibliográfica e passou a ser in loco. A cartografia é uma ciência que, tradicionalmente, refere-se à habilidade de elaborar mapas, cartas e outras formas de representar e descrever, detalhadamente, ou expressar objetos, fenômenos físicos e socioeconômicos. É, também, uma demarcação, ou territorialização; uma determinação de espaços com a finalidade de orientação e de conhecimento a respeito dessas mesmas porções espaciais. Amparado por essas características, deixei que a pesquisa seguisse seu processo, explorando cada parte que se sobressaía, seus desdobramentos, porém, com o cuidado de não perder de vista o objetivo principal: registrar, quantificar, qualificar, quando for preciso, sem esquecer seu caráter libertário. Percebi que minha pesquisa também possuía um caráter etnográfica. Afinal, a etnografia, é um método das ciências sociais, mas não apenas, principalmente da antropologia, em que o principal foco é um estudo das culturas e o comportamento de determinados grupos sociais. No primeiro ato, faço um breve panorama histórico das atividades de cunho teatral desenvolvidas no Estado do Amapá. Passeio pela cronologia mais ou menos fiel de imagens selecionadas que contam como o teatro, seja com o primeiro prédio ou nas primeiras atividades teatrais, vem sendo apreciada, vivenciada, constituída no Estado. No segundo ato, piso o terreno movediço, por assim dizer, das políticas públicas de incentivo às artes cênicas. De todos os atos, esse é aquele ao qual dediquei cuidado especial, por tocar em questões conflituosas, por dialogar com temas caros às instituições públicas governamentais e não governamentais, e por descortinar situações visíveis, porém mudas, caladas por uma opressão conveniente. O terceiro ato é dedicado aos espaços teatrais ou aos lugares de teatro. A cidade de Macapá possui poucos espaços institucionais, constituídos como lugar de teatro, o que leva muitos grupos teatrais a buscarem alternativas para o desenvolvimento de suas atividades. Destaco, com essa evidência, que não apenas os lugares de teatro são necessariamente espaços teatrais. Surgem outros territórios, ditos aqui como “alternativos”.  O quarto ato, eu considero a alma do projeto de pesquisa. É nele que dedico e concentro esforços para construir uma espécie de narrativa, que expresse todos os anseios, alegrias, lutas dos grupos teatrais para fazerem arte, para se fazerem existir, em um lugar em que a valorização artística é tão incipiente. A cada conversa, a cada descrição dos grupos e suas atividades, era o descortinar de um perfil apaixonante. Independentemente, das farsas e dos disfarces, dos dissonantes discursos, das máscaras e maquiagens, busquei descrever e reverberar vozes que gritam, choram, lamentam, suplicam para se fazerem ouvir, mas também riem e trazem e sentem felicidade.

Teatro del teatro de animación. Teatro miniatura.

Proceso creativo.

In Amazon everyone is an Indian, except those who are not. And who is not? Those who colonial sorcery turned into poor just those who did not find their People again. From this ethnogenic ethnography, layers of ethnic self-understanding and knowledge paths are created about the Uroxilocal matrilineal ancestry of the Mebengokre-Kayapó indigenous ethnicity located in the south and southwest of the Pará Amazon at the confluences of the Tocantins-Araguaia, Xingu and Rio Fresco rivers. Until they have turned all the world's indigenous people into poor people, we will have bewitched all the poor people into indigenous people.  

A insatisfação experenciada ao abrir livros dedicados à escrita dramatúrgica e encontrar um número reduzido de nomes femininos foi o mote inicial para o desenvolvimento da presente pesquisa. Notar que, dentre tais nomes, os de dramaturgas paraenses são majoritariamente ignorados, solidificou o desejo de destacá-los. Tendo em vista que eu, pesquisadora, também sou uma dramaturga paraense, tratar desse tema na Academia tornou-se um imperativo. Este trabalho – que integra o projeto Memórias da Dramaturgia Amazônida: Construção de acervo dramatúrgico, coordenado pela professora Bene Martins – objetiva refletir sobre o contexto de silenciamento da figura feminina no decorrer dos séculos, examinando importantes momentos históricos até o advento das dramaturgas brasileiras. A partir deste cenário, buscamos aprofundar questões relacionadas às dramaturgas paraenses, apontando especificidades de suas composições textuais para cena. Optamos por uma abordagem criativa de desenvolvimento, que combina a forma tradicional de escrita acadêmica com diálogos em formato dramatúrgico que transformam as escritoras estudadas em personagens de uma trama teatral, entremeada por conceitos de autoras da área. Os dados foram coletados por meio de pesquisas bibliográficas em livros, revistas especializadas, artigos acadêmicos e dissertações que versam sobre temáticas afins; além disso, informações reunidas a partir de entrevistas diretas com dramaturgas paraenses foram fundamentais para o desenvolvimento da pesquisa. Como referenciais relevantes, destacam-se as obras de Gerdal Lerner, bell hooks, Hannah McCann, Simone Beauvoir, Angela Davis, Angela Saini, Mary Wollstonecraft, Virginia Woolf, Heloísa Buarque de Hollanda, Naomi Wolf, Valéria Souto-Maior e Elza Cunha de Vincenzo. Por fim, pretendo contribuir para os esforços de mapeamento dos trabalhos artísticos femininos, buscando reunir trabalhos dramatúrgicos produzidos por escritoras amazônidas, de modo que não sejam relegados ao ostracismo.

Esta dissertação apresenta reflexões sobre como os processos educativos em Artes Visuais podem ocorrer por meio de procedimentos curatoriais, mediações culturais informais e práticas educativas digitais, sendo estas ocorridas no contexto de pandemia. Para isto, analiso três exposições ocorridas nos anos de 2019 e 2021, nas quais participei ativamente dos processos curatoriais e  pude analisá-los de dentro para fora. Para tal análise fiz uso do método de Estudo de Caso com viés interpretativo, tendo como procedimentos metodológicos a pesquisa bibliográfica em fontes diversas e a coleta de dados via observação participante, o que possibilitou a interpretação das experiencias por meio das entrelinhas dos fatos vivenciados. Para o diálogo compartilhei dos ensinamentos teóricos de Éder Chiodetto (2013), Felipe Scovino (2016), Caroline Ruoso (2019), Ana Amélia Bulhões (2014) e Mariza Morkazel e Rosangela Britto (2020) os quais dialogam comigo sobre processos curatoriais e sistema da arte em seu contexto nacional e local. Djamila Ribeiro (2019), bell hooks (2017; 2019), Homi K. Bhabha (2001), John Fletcher (2020)  e Rafael Bqueer (2020) para discutir sobre revisões identitárias no sistema da arte brasileiro, com Ana Mae Barbosa (2002), Inês Ferreira (2014), Tereza Scheiner (2003), Teixeira Coelho (2004) para analisar a mediação cultural através da própria obra de arte e por fim Paulo Freire (1980, 2003), Carlos Rodrigues Brandão (2007), Timoty Ingold (2000) e Jorge Lorrosa Bondía (2002) para discutir sobre os diferentes tipos de educação e seus modos diversos de aprendizagem. Compreendo esta dissertação como uma análise autocritica de experiencias profissionais que possibilitaram discutir outras perspectivas, locais e conhecimentos para arte educação, assim desejo ter contribuído para ampliar os processos educativos em Artes Visuais e com isto ter ajudado a promover a diversificação do pensamento local sobre o papel das Artes Visuais e de sua importância como formadora de perspectivas socioculturais.

Os amigos que desconheço é um processo de criação artística e poética concebido como uma performance caminhante em que o caminhar é composto como um fundamento e qualidade de guerrilha e posto em prática como um cuidado de pensamento e ação em relação à emergência e a permanência do Antropoceno. Se o Antropoceno, a época geológica do homem, o homem tornado força geológica, indica um tempo inexorável de intensificação das catástrofes em todo o planeta, como é possível caminhar-viver por entre catástrofes? E o que o caminhar pode nos fazer ver e criar como linha de fuga e deserção em relação ao modo como temos vivido, sobretudo, frente às estruturas de colapso que são os grandes centros urbanos? Assim, este caminho artístico é pronunciado através dos impactos e das metamorfoses que afetam o performer-caminhante em um mundo que rapidamente e violentamente se atropela de novas premissas à vida. Os calçados, nesse sentido, se situam como o ponto de partida que o orientam na trama deste processo-caminho. Aparecem como imagens espectrais que insinuam tragédias. Calçados nas ruas: que dizem da falência do mundo e o que podem sugerir de histórias e ou situações que suscitem sensibilidades e/ou cuidados que nos fortaleçam e/ou apontem outros caminhos? Para pensá-los nestes termos, performei um modo de ir e de me fazer ao encontro deles; sou seu amigo, eu lhes disse. Junto a eles é que esse processo foi se alargando – dando origem, inclusive, a séries performativas consequentes – e sendo esculpido através de inúmeras linhas de escrituras e densidades literárias, entre enxertos e estratos de pensamento, fragmentos poéticos e insinuações teóricas e ou imagéticas, que especulam e discorrem, à sua maneira, acerca dos modos e das possibilidades de caminhar e, portanto, de existir, em um mundo cada vez mais hostil ao corpo e aos corpos.

Esta pesquisa para ter como possível resultado de uma poética performativa. desenvolveu-se por meio do processo de experimentação. A partir da palavra força “queda”, buscou- se experienciar no meu corpo as sensações por quais ele passou quando parte da parede de minha casa, feita de barro caiu. Esse experienciar foi atravessado por múltiplos intercessores, processos anteriores meus que tem em comum a substância barro. A pandemia da COVID 19 confluiu com a pesquisa, fazendo emergir de uma das linhas de fuga do experimento a arte em vídeo, pois o que seria um trabalho performativo presencial, tornou-se em um teatro performativo pandêmico filmado. Meus objetivos a saber eram: capturar minhas sensações do corpo no momento da queda, trans criando-as em um dispositivo poético, o panôcorpo; transmutar a poética do panôcorpo em ações performadas como traços de uma autobiografia cênica; performar um acontecimento de desabamento como um devir que mundia o barro-corpo. O Panôcopo foi o dispositivo poético que cartografei com o desejo de tatear o processo e perceber as aberturas possíveis para a poética “Visagenta e o Desabamento do Mundo” resultado desse estudo. Meu procedimento metodológico foi a cartografia. Nessa espiral criativa, artistas de Belém contribuíram com essa fabulação, assim como Ana C Colla, Ana F Mendes, Cecilia Almeida Salles, Gilles Deleuze e Félix Guattari, Janaina Fontes Leite, Josette Fèral, Iara Regina da Silva Souza, Karine Jansen, Valzeli F Sampaio, Virgínia Kastrup dentre outros.

Palavras Chaves: Panôcorpo, cartografia, barro corpo, autobiografia, teatroperformativopandêmicofilmado 

The vast work of the photographer from Pará, Luiz Braga represents the construction of the gaze of an artist who develops an identity based on a visual aesthetic that dialogues with different fronts, such as photography, cinema, plastic arts, publicity and advertising, among others. In this sense, Luiz Braga over 40 years sought and developed a visual production about the Amazon that represents a perception of this space beyond the stereotypes already constructed in other images. However, making the Pará-Amazonian periphery a place of visual power, mainly due to the intervention made by these characters portrayed by the photographer with the use of color and their relationship with the landscape. In this way, these visual manifestations captured by Luiz Braga create a broad dialogue that ranges from anthropology as a method to create relationships with the ones to be photographed, as well as from the visual arts in relation to the montage of scenes, the capture of light and color and image subversion through Nightvision. In the exhibition "Retumbante Natureza Humanizada", the anchoring point for understanding this trajectory developed by the photographer and seeking in it those points of singularity that make him a reference in the field of authorial photography. As a methodological aspect we resorted to interviews with the photographer, friends, work partners, curators. People who are somehow related to the artist or the exhibition itself. Research was also carried out in the photographer's archives and in people who had some connection with the artist who could contribute to the narrative construction around the exhibition and the images. Due to the COVID-19 pandemic, Luiz Braga started to participate in Lives on Instagram channels, talking about his trajectory with curators and critics. As a theoretical point, Walter Benjamin, João de Jesus Paes Loureiro, Roland Barthes, François Soulage, Roberto Signorini and others were sought as a way to understand the narrative process of the photographer's trajectory, as well as the understanding for reading his images. This research was funded by the University of the State of Pará through a training incentive grant.

The quality of music education in the early grades and the challenges of inclusion reveal the importance of providing training opportunities. This study aimed to build a training proposal for Music teachers to teach students with Autism Spectrum Disorder (ASD) in Early Childhood Education and, to this end: (a) to format a training proposal for Music teachers with a focus on Teaching Music for children with ASD in Early Childhood Education; (b) apply training for music teachers working in Castanhal/PA; and, (c) evaluate its impact on the course participants' practice during the research. This is an experimental study with a technical-scientific basis, cross-sectional and with a theoretical-practical focus, within the methodological parameters of action research. The sample obtained by the non-parametric sampling technique includes 3 teacher trainers and 13 course participants. Five modules were formatted (Autism Spectrum Disorder and human development in childhood; MUSICAL EDUCATION AND AUTISM: materials and techniques for teaching music and inclusion; Edwin Gordon's Music Learning Theory applied to Autism; MUSICAL EDUCATION AND INCLUSION: Planning and evaluation; and, Supervised Practice in Teaching Music to Children with ASD). A website and six protocols were developed for data collection: Socio-demographic questionnaire and survey of the student's knowledge; Structural assessment of the MusiTEA training modules; Questionnaire for validation of the MusiTEA website; Form for evaluating and adjustment of the MusiTEA training modules; Lesson plan evaluation sheet (Supervised Practice); and, Supervised Practice Assessment Sheet (MusiTEA) – Recorded MLT Activity. The modules, protocols and website were validated by pairs of independent judges until obtaining a minimum of 80% agreement. The collected data on the use of exploratory analysis,  descriptive analysis, as well as the Wilcoxon Test with null and alternative hypothes: H0=0.5 and 0.5 and 0.5 and 0.5, &&&&& = 0 05 (adopted 5%) and significance level of 95%. The Excel program was used for descriptive statistics, creation of tables, graphs and data cleaning. The good performance of the course participants was observed between the application of modules 1 and 2 (T ⁺ = 46.5 > T(tabled) = 5, rejects H0). However, there were no improvements between modules 1 and 3 (T ⁺ = 17.5 > T(tabled) = 0, does not reject H0); registering a “fall” between the application of modules 2 and 3 (T ⁺ = 10 > T(table) = 2, does not reject H0). In comparison with modules 1 and 4, the latter showed better performance (T ⁺ = 37 > T(tabled) = 8, rejects H0). The performance oscillations support that H0 should not be rejected in favor of H1, and it cannot be said that the course improved the course participants' performance, although the descriptive data reveal the substantial scope of the training. The return of participants to teach classes in a hybrid format during the occurrence of module 3 proved to be one of the impacts of the Pandemic scenario. It is suggested to replicate the study with a larger n and review the modules.

RESUMO

O objetivo deste estudo é analisar metodologias sensoriais de ensino e aprendizagem aplicadas a um processo de criação em dança desenvolvido com bailarinos que possuem deficiência visual. Os conceitos que balizam a pesquisa são: o háptico a partir de Ingold (2015) e Deleuze e Guattari (1997) e a fenomenologia da percepção de Merleau-Ponty (2011). O processo de criação poética ocorreu nas dependências da Escola de Teatro e Dança da Universidade Federal do Pará (ETDUFPA), com a execução de laboratórios de experimentação e criação em dança em dois grandes eixos: 1. A dança háptica e 2. O corpo sonoro, ambos pautados em vivências em dança com a exploração dos sentidos remanescentes dos sujeitos da pesquisa, bem como a aplicação das metodologias advindas desses laboratórios no espetáculo Corpus Sensorialis. A análise conta com dois sujeitos, quais sejam um bailarino cego e uma bailarina com baixa visão. O método de abordagem é o fenomenológico-hermenêutico. A pesquisa de campo é alicerçada pelo procedimento de estudo de caso, e tem como técnicas de coleta de dados o uso de registros audiovisuais e fotográficos, entrevistas semiestruturadas e depoimentos verbalizados gravados em áudio durante os laboratórios e o espetáculo.  A pesquisa poética e teórica, base deste estudo, ao investigar metodologias sensoriais no processo criativo em dança para pessoa com deficiência visual, trouxe como possibilidade a dança pensada e executada a partir da percepção háptica e sonora. Os laboratórios de criação mostram a urgência de se pensar nas especificidades, necessidades reais do sujeito. Emergiram dessas experiências algumas metodologias sensoriais no fazer dança para pessoa com deficiência visual, pautadas nas experiências corporais dos sujeitos bailarinos desta pesquisa. As proposições metodológicas experimentadas nos laboratórios de criação, ao serem aplicadas no processo de criação do espetáculo Corpus Sensorialis, evidenciaram uma forma de pensar e fazer a dança que contempla os sentidos remanescentes dos sujeitos bailarinos com deficiência visual. Propiciaram, também, um estar em cena de forma autônoma por parte dos bailarinos e despertaram nesses corpos percepções sensoriais no ato de dançar, significativas.

Palavras-chave:  Dança. Deficiência visual. Processo de criação. Háptico. Sensorialidade.  

Between memories of childhood, fear of funeral rituals and enchantment with the theme of death in literature, the artist-researcher-affected went to walk in the cemetery and experience the alterity in a cross between Affections with the corpus of the research of Enlightenment in Curuçá. PA. The physical body of the cemetery and the preparation of the manicuera, the work of the biscateiros and the making of flower wreaths, elements of the tradition from the nineteenth century of Curuçá that relate to the contemporaneity between social media, selfies and drone. The epistemological body in the lens of Ethnocenology when visiting the cemetery as the home of deceased loved ones comprises the spectacular Neighbors of Grave, Fashion Cemetery and Affectionate Relations, presenting a spectacular festive uniqueness at São Bonifácio cemetery and The Grove of Equality on All Souls Day. The artistic body, the affection of the relations with the theme of death that came in the Autos of Círio of 2017 with NSra de La Muerte - the Holy of Death in Mexico; 2018 with Luzias - reflection on the fire of the National Museum (RJ) and the partial loss of the skull of Luzia, the first Brazilian; 2019 with NSra da Amazônia and Oxóssi fighting the fire and death of the Amazon. Walking through the cemetery, lighting candles on the cruise, talking with participants of the Lighting of the Dead contextualize the time, conditions and wholeness of the phenomenon in the history of Curuçá where Moving Field created path to the historic citie of Sabará in Minas Gerais to visualize the possible first cemetery of Curuçá that was in the church of NSra do Rosário. Between Reflections on Tamed Death and Wild Death (Philipp Àriès), Aesthetics of Death (Jorge Salomão), Brevity of Life and Building for Death (Seneca), Fashion in a Comprehensive Perspective (Renata Pitombo Cidreira), Rites of Passage (Van Gennep), Spectacularity and Theatricality (Armindo Bião), Poetic of the Imaginary (João de Jesus Paes Loureiro), Jesuit Mission in the Amazon (Karl Arenz) and History of Curuçá (Paulo Henrique dos Santos Ferreira), the artist-researcher-affected Burying fears and illuminating their ways.

A presente pesquisa-criação filia-se à linha de pesquisa Poéticas e Processos de Atuação em Artes do programa de Pós-graduação em Artes da Universidade Federal do Pará (PPGARTES/ICA/UFPA). Seu objetivo principal é realizar experiências de imersão e emersão (EIEs) a partir do encontro entre a dança imanente (Mendes, 2010), as encantarias (Loureiro, 2008) e a noção de poesia (Cotê, 2015). Propondo-se a sublinhar interações teórico-artísticas emergentes no processo de criação, as EIEs são a metodologia da pesquisa de onde nascem os procedimentos de experimentação, criação e reflexão, assim como as próprias poéticas em dança. Os processos de criação artística tomam como inspiração os mundos mágicos submersos nos rios amazônicos: as encantarias, espécie de dimensão transcendental onde habitam os seres encantados poetizadores da existência desses rios. A ideia de uma profundeza encantada no rio encontra-se nesta pesquisa com a dança imanente, fundando como proposição teórico-prática principal a noção de encantaria-corpo, a qual fora aplicada junto ao coletivo Companhia Moderno de Dança, visando o estímulo de processos criativos. Os resultados da pesquisa são a obra cênica Na Beira, as vídeo-danças Poesia Submersa, Vamos falar de poesia?, Nas águas do invisível, Onde estará o além das coisas?, Dar-se em Vertigem, Ecos das Entranhas e Seres de Si e, ainda, este texto memorial.

Escritos Vagalumeantes. São ações presente na vivência-memória-criação deste pesquisador durante sua fase criança, reverberadas ao longo dos anos até a atualidade. Sob(re) a observação dos voos dos vaga-lumes no escuro da mata, essa (vivência-memória-criação) se apresenta nas proximidades do rio Xingu, no município de Altamira, no interior do Estado do Pará-Brasil. Dessa observação surge a provocação de refletir sobre processo de transcriação vagalumeante e potencializar as interpretações do que seria luz, breu, trajeto, encanto, mistério, frustração, mo(vi)mento, imaginação e (trans)criação no meu fazer artístico, da minha dança. Para tanto, o momento atual atravessa esse processo, pois estamos em tempos de busca de uma cura mundial devido à COVID-19, onde busca-se também curas individuais da saúde mental pelas reflexões e ações, sendo estas pessoais e sociais. Acredito que tais ações e reflexões de cura podem ser acionadas diretamente pelo âmbito artístico, mas, paradoxalmente, a Arte vive um momento de desvalorização ainda maior, social e individualmente, diria até mesmo por parte de nós artistas, que não enxergamos em muitos momentos a relevância da Arte na cura da humanidade historicamente reconhecida, pois nos cegamos ao buscar a sobrevivência por meios que nos põem em um estado alheio ao corpo artístico e presos em um corpo biológico, e assim buscamos sobreviver e nos curar por outros meios que não o fazer-pensar a Arte do/para/no corpo. Não aceitar as mudanças, as diferenças e os mo(vi)mentos coletivos diante de uma doença adoece tanto quanto a contaminação por um vírus no sangue. Escritos Vagalumeantes são mo(vi)mentos, observAções, são infinitas luzes e breus em meio ao caos das incertezas apresentadas pelo meu processo-vida. Isso em um coletivo artístico chamado Companhia Moderno de Dança, se instaura na corporificação do coletivo artístico em seu fazer-pensar o corpo múltiplo e uno, sob o nome Etá para esta pesquisa atravessada pelas possibilidades midiáticas e afetivas. Gerando como resultados o memorial composto por seis livretos e uma poética denominada de Vagalumear, essa composta de quatro vídeos.

RESUMO

Esta pesquisa enfocará a história do cineclube da Associação Paraense de Críticos Cinematográficos (APCC), pela importância do registro, análise e divulgação dos trabalhos desenvolvidos, desde a criação aos dias atuais e estabelecer relações e propostas educacionais de interação do cinema com os sujeitos inseridos no mundo. Todos os trabalhos são fontes para a revisão e criação de conceitos, função e importância do cineclubismo, como espaço para exibição de filmes e estímulo a estudos sobre a evolução do cinema como arte e suas variadas alternativas de criação e comunicação com os espectadores. Um dos objetivos é valorizar o trabalho dos Cineclubes e atualizar, na contemporaneidade, sua importância como elemento de ação cultural e de educação cinematográfica. Visa, ainda, documentar e analisar as ações realizadas pelo Cineclube da APCC, no período de 1967 a 2020, por meio da investigação bibliográfica e documental (artigos de jornais, entrevistas e anúncios), tal como das atividades exercidas, dos agentes culturais envolvidos, dos parceiros que colaboraram com sua atuação e dos espectadores das programações realizadas, nesse movimento cineclubista de Belém-PA. Ao pesquisar o histórico de um cineclube que compartilhou experiências fílmicas com diversos espectadores, entende-se que a evolução da arte cinematográfica precisou de várias tentativas para criar linguagem própria com a contribuição de diversos artistas. Mas, a extensa trajetória de experimentações precisou de outros meios de inserção para o público como os cineclubes, estes criados nos anos de 1920, na França. Estes cineclubes foram fundamentais para o entendimento e valorização de outras estéticas cinematográficas. A partir do estudo da atuação de um cineclube localizado na Amazônia, com maiores adversidades operacionais que em outros centros urbanos, ressalta-se o intenso despertar da cinefilia de seus agentes e a importância de compreender sua história para manter ideais cineclubistas em atividade. Com vistas a manter e ampliar as ações de cultura cinematográfica praticadas por esse cineclube, é preciso pensar em uma cinefilia ampliada que inclua uma maior relação entre o cinema como arte e sua relação com o mundo em propostas que desenvolvam e explicitem seu potencial como meio artístico- educacional. 

The threads that weave the writing of this Thesis are intertwined with threads of experiences lived by the artist-researcher/focuser-dancer Ana Cláudia Pinto da Costa, in the context of the collective UBUNTU, a movement of Sacred Circular Dances in the city of Belém/PA. The work is the result of an ethnographic research in the field of Arts, about the twelve Corporal Prayers, inspired by Kabbalah by dancer and choreographer Frida Zalcman. Such dances correspond to the danced “translation” of the prayers sung in the synagogue. The research is part of a broader study about the so-called bodily prayers, guided, in this specific case, by the precepts of Kabbalah, the Tree of Life, taking into account its four worlds and their energetic emanations (sefirót). These bodily prayers are a way of experiencing, through dance, the liturgical rituals of Judaism, favoring the practitioner's contact with the worlds of Kabbalah, where supposedly the encounter with the Creator takes place. The study seeks to understand the sense and meaning that the precepts of Kabbalah give to dance, as it was organized and systematized by its creator, implicit in the context of the ritual performance of Corporal Prayer Mode Ani Lefanecha, based on the dancers' cosmovision. The research falls into three theoretical-methodological fields: 1. Anthropology of Dance, a field that makes it possible to observe, experience, and understand "dance" - movements, steps, rhythms, gestures, symbolism, ritual, among other elements - in their relationship with the context in which it is transmitted and practiced; 2. Merleau-Ponty's Phenomenology of Perception, with studies focused on the aesthesiology of the body; 3. Dance Therapy by Andrea Bardawil, which constitutes the experience with dance, from the dialogue with somatic education, body awareness and improvisation.

Esta pesquisa apresenta reflexões sobre a poética de quatro artistas visuais negras/negre da Amazônia, sendo ume da cidade de Manaus, uma de Porto Velho e duas de Belém, a partir de temas que emergem de suas obras, como ancestralidade, corpo, funcionalidade da arte e construção da imagem. Para adentrar o universo de cada artista, foi necessário contextualizar o território, a autodefinição de cada ume e as discussões sobre imagem e racialidade na Amazônia. Para refletir sobre essas questões abordarei o pensamento des própries artistas Rosilene Cordeiro, Marcela Bomfim, Kerolayne Kemblim e Maria Luiza Nunes registrados por meio de conversas, entrevistas e vivências em atelier e exposições. Estes estarão em diálogo com a base teórica, composta por autoras como bell hooks, Zélia Amador de Deus, Grada Kilomba, Rosana Paulino, Naiara Eugenio, Azoilda Loretto Trindade e Lélia Gonzales. Percebo que o trabalho des artistas compreende um processo individual e coletivo de fazer e refazer, contar e recontar histórias e narrativas interrompidas, são maneiras de fazer arte que interligam a Amazônia a África.

The research consists of analyzing and understanding aspects of traditional japanese music (focusing on works from the repertoire of traditional japanese classical music - works for koto by the composer Tadao Sawai - and works from the repertoire of traditional japanese folk music - min'yô, specifically the style Tsugaru shamisen). These aspects are organically constituted as elements of multiplicity and diversity that inhabit various cultural nippon domains (ethical-aesthetic principles present in the tea ceremony, Japanese literature, Japanese music, etc). Thus, the research perspective aims to understand musical logics and modes of elementary organization understood and observed from a perspective in which intertextuality acts in an organic way on these several domains.These being mainstreamed with the theoretical collection and the musical experience of the researcher himself when identifying and recognizing musical aspects with interrelationships in diverse cultural levels and domains.The developed research practice is entitled as a Musecological practice, based on both an ethnomusicological dimension and a musicological dimension, and operates by empirical and phenomenological principles establishing as a guiding element the knowledge of the object from the practice, the insertion and the non-distanced learning from the musical practices studied.The research also operates through a creative result, assuming that the best way to communicate systematized knowledge in research is to generate experiences and contacts with the musical material itself derived from this polyphonic discourse

"Crônica/memorial sobre a produção artística na Belém do final do século XX: três coleções e alguns biografemas" é um estudo crítico-analítico de parte da produção artística paraense nas três últimas décadas do século XX, a partir de três coleções particulares.

This thesis should be understood as a textile production, fabric and text of a dance hatched, a doctoral fabric embroidered in lines of creation processes, process these darkened from three conducting threads to be seen: memory, affection and craftsmanship. Art (crafts) that aligns with other textiles, tessituras of Saramago (2009), Bettani (2015), Sennett (2009), Ostrower (2013) and Salles (2013), to compose an initial plot of a process that is intended to create of an embroidered dance that is configured from lines, threads and fabrics.

The professional development of a musician consists of several factors that are taught according to the technical and artistic condition. One of these factors marks a moment occurring in the transmission by communication and musical expression to the viewer, becoming, as a rule, the final product of the consolidation of instrumental teaching in what can be called live, in person, presentation of the musician, that is, your performance in front of the viewer (s). The practice of presentations reveals a crucial aspect in the formative complexion of the musician. Observing this sensitive moment of sharing experiences that is often overlooked in music teaching curricula, this research proposes a theory for the preparation of the musician. The investigative dictates were given to students of the Bachelor of Music course in Belém do Pará, held at the Carlos Gomes State Conservatory, investigating the organization and preparation for obtaining a satisfactory level in musical performance and assessing the instrumentalists' psychophysical domain during and after the presentations and developing recurring principles. For this, field research was carried out with presentations of the research project, interviews and observation of classes with the violin class from different classes. With the contribution of the internship modality of the arts program, it was possible to get along with the students, during classes, and diagnose the behavior of the skills channeled for a presentation and the interferences on the stage. Therefore, it was possible to reflect on the membranes that support the violinist, directing his skills and abilities towards a theory that is synthesized in the figure of a Tetrahedron. This figure is based on performing arts techniques that present a reflection on the state of the performer, allowing further development on the stage. As a guiding question, there is the questioning about the need for a violinist's preparation, enabling him to the psychophysical domain during the presentation on stage, according to the theoretical contribution of authors such as David Roland (2001), Sonia Ray (2005), Barry Grenn (1987) and Eugenio Barba (1991).

Este memorial apresenta a minha pesquisa sobre processos de criação, em especifico o processo de construção poética do espetáculo Isso não é um Poema! Nele, relato a minha experiencia de vida, autobiografia, confissão, memórias e suas luminosidades como artificio para a criação cênica. Como base para analisar o meu próprio processo de criação, converso com Cecilia Salles (2011), Eleanor Arfuch (2018) com o conceito de espaço biográfico e confissão de Oscar Conargo (2009). Relato nesse percurso a teia simbólica relacional da vida com o momento de criação. Trago referencias de primeira grandeza, minhas próprias vivências enquanto artista criador para exemplificar meus passos no processo construtivo de um novo território imagético pessoal. Como metodologia utilizo a cartografia na produção de dados no início da pesquisa, utilizando pistas para a atenção do cartografo organizadas por Virginia Kastrup (2009), Rastreio, toque, pouso e reconhecimento atento. Relato memórias pessoais e suas luminosidades, com cores, intensidades e texturas na tentativa de responder a pergunta como ser luz na escuridão?.

Esta pesquisa trata do fazer artístico da pessoa com deficiência, isto é, do processo de criação em dança em que esta é capaz de desenvolver diante desse corpo peculiar, o corpo girassol. Partindo desse ponto de vista, podemos dizer que é de suma importância que a pessoa tenha conhecimento do seu próprio corpo, por vezes, adormecido e inexplorado. Proponho-me a vivenciar caminhos de uma dança desprendida de suportes técnicos ou padrões já estabelecidos de movimento, buscando, todavia, experienciar a necessidade do ato de se mover em suas diversas qualidades cotidianas de movimento, considerando a diversidade de expressão artística da pessoa. Lanço-me então à dança como um meio e não um fim em si próprio, segundo Santos e Figueiredo (2002-2003). Como resultado de nossas vivências, os artistas da Associação dos Pais e Amigos de Excepcionais (APAE) do município de Marituba participaram do espetáculo da Ritmos Escola de Dança: Nheengatu, uma criação em dança colaborativa - investigativa - inclusiva, enfrenta problemas no que diz respeito à compreensão da dimensão técnico, em especial, sobre o seu ensino, iremos nos valer de especial, sobre o seu ensino, iremos nos valer de diversos estudos feitos por especialistas na temática em tele, a saber: Izabel Marques ( 2010), Klauss Vianna ( 2005), Cecília Salles ( 2016), Jussara Miller ( 2010), Ana Flávia Mendes (2010). Tais referências serão fundamentais para elaborar uma visão de dança que vise incluir, em detrimento da aula engessada de dança, algo tão recorrente na nossa realidade.

Through winding lines of aerial thoughts conceived by a butterfly-writer, I write about the body-horse of Dona Rosinha Malandra, Umbandist Left Entity.  Dona Rosinha incorporates in Rosa de Luyara, a Saint's Mother who is a transsexual from the Belém’s periphery, which is the preponderant factor for the development of libertarian epistemologies of immoral nature, whose poetic crossings were experienced by the actress-researcher-bacante, in the affective crossroads of the Amazonian Umbanda. Based on the poetic image of the vulgar-butterfly, the methodology developed in this thesis was configured in a process involving sweet deaths for new transformed lives. Pupas, hot vulvas, cocoons, self-estrangements in the understanding of the house-cosmos perfumed with snake perfumes, which is the central force of a body-horse-transvestite. Prostitute, Gunslinger, Cabaret Owner reveals mysteries, secrets of a malandra worldview belonging to a present time, for the social empowerment of a community. As an epistemological contribution to the academy, I develop the notion of body-leaning, which is configured in an epistemo-methodological proposal of a body in the process of creation. This study is a feminist thesis, with transformative, transgressive and deliciously imoral content. The research aims to raise ardent butterfly flights based on ethnocenological notions, in the images of Barchelard, in the imaginary of Durand and in the sensitive thought of Maffesoli to prepare the paths to be walked in an identity construction of gender, community and artistical epistemic freedom.

Keywords: Umbanda. Saint’s Mother Transvestite. Dona Rosinha Malandra. Incorporation. Spectacularity. Body-Horse-Transvestite. Vulgar-butterfly. Body-leaning.

O presente trabalho vinculado à Linha de Pesquisa de Poéticas e Processos de Atuação em Artes apresenta os diversos movimentos poéticos que emergiram do meu processo de criação a partir da apropriação de acúmulos de imagens fotográficas autorais, produzidas por meio de dispositivo móvel e um álbum de fotos antigo de família. Ao longo do memorial serão elucidadas as camadas operacionais de construção desta pesquisa -  o que fora vivenciado, o que fora materializado e o que fora pensado conceitualmente. O fruto destas três instâncias delineia a trama de um Projeto Poético contaminado por memórias, desejos, complexidade e uma viagem em torno da multiplicidade da imagem.

A presente pesquisa se volta à prática musical – expressão aqui usada em termos conceituais - no contexto do Projeto Pará Caribe, realizado em Belém, pela Fundação Cultural do Pará, de 2015 a 2017. Investigar a prática musical no contexto do Projeto Pará Caribe da Fundação Cultural do Pará foi o objetivo principal desta proposta. Os específicos foram: fornecer informações contextualizadas sobre o projeto Pará Caribe; expor os processos de transmissão musical e descrever as práticas musicais no Projeto Pará Caribe, com atenção à relação entre os processos de composição musical e performance naquele contexto. Nesse intuito, implementou-se pesquisa bibliográfica sobre prática e transmissão musical, à luz da Etnomusicologia, buscando também fundamentação teórico-metodológica na Educação Musical. A pesquisa se referencia em autores como Gerard Béhague (1992), Alan Merriam (1964), Bruno Nettl (1983; 1992), Anthony Seeger (1991), John Blacking (1992) e Sonia Chada (2007), Keith Swanwick (1992), Margarete Arroyo (2002) e Jusamara Souza (2004). Realizaram-se entrevistas semi-estruturadas com alunos e professores do projeto. A análise de dados realizada levou em conta dimensões sintáticas e semânticas tanto das entrevistas quanto das letras e músicas criadas em sala pelos alunos e registradas em estúdio, shows e ensaios. Tais procedimentos permitiram que a forma e o conteúdo do material analisado fossem passíveis de interpretação, considerando-se aspectos históricos, musicais, contextuais e cognitivos da prática musical em questão. Os processos criativos e seu fazer musical conjunto com a performance, bem como os resultados alcançados no projeto - onze músicas gravadas e dezoito shows realizados entre o laboratório de criação musical e a mixagem do fonograma Pará Caribe -, instigaram a pesquisa aqui apresentada. O trabalho resulta na presente dissertação, tendo como anexos um caderno de partituras e um CD com as músicas produzidas pelos alunos durante o projeto e citadas no decorrer do texto. Entender contextos nos quais criação musical e performance são possíveis porque concomitantes, disponibilizou uma chave importante de compreensão do processo criativo no contexto do Projeto Pará Caribe. Além disso, conclui-se que o estudo de práticas musicais em Belém, no Pará, contribui para a compreensão de como tais práticas formam, constroem ou influenciam as noções de identidades sonoras na Amazônia brasileira, ao compartilharem subjetividades coletivas transformadas e (re)construídas para além do contexto dos estados nacionais, uma realidade presente na América Latina e no Caribe como um todo.

A presente pesquisa de mestrado discorre sobre experiências que emergem do encontro entre memória e performance, tanto no campo teórico-metodológico, quanto na prática de pesquisa, e suas relações com o ensino de arte. Neste trabalho, buscamos compreender o espaço da sala de aula como lugar de formação de sensibilidades, a partir de experiências com a arte, em especial a performance enquanto linguagem, compreendendo a sala de aula como um espaço liminal e a própria educação como um ato performativo. Desse modo, o objetivo principal desse trabalho é refletir sobre as vivências de formação e de interação realizadas com três turmas do ensino fundamental de uma escola pública do bairro do Guamá, em Belém-PA, e analisá-las no contexto das discussões dos estudos da memória como lugar potencializador de sujeitos e de suas histórias de vida, suas narrativas, suas experiências de vida e de arte. Temos enquanto campo teórico-metodológico a chamada pesquisa-ação (TRIPP, 2005) que partiu de pesquisa bibliográfica, e também autobiográfica, ao propor a discussão de conceitos de memória, pautados em autores como Halbwachs (1994) que inicia as discussões sobre a memória ser uma função social e comunicativa, Pollak (1992) e Assman (2011), quando propõem reflexões sobre os sentidos socioculturais dos lugares e formas de memórias, de silenciamento e sobre as experiências culturais de sujeitos sociais; e dos estudos da performance, tais como Schechener (1985) e Icle (2017), que analisam e refletem sobre a linguagem performativa e suas dimensões plurais. Desse modo, este trabalho revela a importância do desenvolvimento de práticas pedagógicas em e com a arte, no envolvimento com histórias, reminiscências, experiências de vida em suas dimensões individuais e coletivas, contempladas na pedagogia performativa; e que revelam a força que tem um processo educativo que aconteça por meio da coparticipação dos sujeitos envolvidos, marcando um importante território, a Escola, espaço da experimentação das mais diversas linguagens, inclusive a artística que, quando trabalhada por meio de processos sensíveis de ensino/aprendizagem, se tornam potentes no cenário de transformações que vive a educação e os processos de escolarização na contemporaneidade.

O presente memorial dissertativo apresenta e analisa o processo criativo 1900 – o ranger da liberdade, um conjunto de performances desenvolvido pelo Zecas Coletivo de Teatro, nas ruas da região metropolitana de Belém do Pará no ano de 2019. A pesquisa objetivou evidenciar a importância e as multicamadas de significações de trabalhos de performances cênicas, como processo prático-teórico, em interface com os estudos da história e da memória social e cultural, a partir dos postulados de Le Goff (2013), Nora (1993), Candau (2011), e Assmann (2011). Sobre as questões referentes à linguagem, propusemos uma reflexão sobre a relação entre o teatro e a performance na perspectiva do “entre”, em Bonfitto (2013) e Féral (2015); e sobre as especificidades da linguagem da performance embasadas em Cohen (2013), Goldberg (2007), Glusberg (2009), Schechner (2006; 2010), e Pavis (1996; 2017). A partir desse universo, abordamos a noção de experienciar a rua na relação entre os performers, os transeuntes e a cidade, no diálogo com as discussões sobre práticas cênicas na rua, propostas por Carreira (2007; 2009; 2011; 2012; 2020), Teles e Carneiro (2005). Como resultados, apontamos: a) a realização de oito performances de rua; b) a proposição do método de instigação e o dispositivo de criação, agenciados durante a pesquisa, a partir dos estudos de Rangel (2015) e Sales (2011) sobre o processo criativo como metodologia de pesquisa em artes, e Cypriano (2015) sobre a potência dos processos criativos em performance; e c) a memória como indutora de performances de rua, como base de criação de obras artísticas desalienantes que, em um diálogo entre o passado e o presente, expõem, performaticamente, questões que potencializam o respeito com as diferenças. 

Esta investigación explora y reflexiona en el muralismo como ilustración urbana en ciudades latinoamericanas desde un espacio contemporáneo, todo a través de una metodología cualitativa de tipo exploratoria. Para ello es necesario relacionar las tipologías muralismo urbano e ilustración gráfica, para después postular elementos de comunicación que servirán como punto de partida en una lectura iconográfica de imágenes ilustrativas, donde se empezara haciendo una revisión historiográfica – Tendencias artísticas, Ilustración, Muralismo–, para finalmente analizar valores simbólicos de imágenes recolectadas de murales realizados en los países que conforman Latinoamérica. A lo largo de esta investigación busco establecer un diálogo con mi andar como diseñadora e ilustradora gráfica y autores teóricos como Martínez Moro, Dondis, Eco, Medeiros, Lucía Santaella, García Canclini, Bourdieu entre otros, que incluyan en sus posturas a la ilustración: como categoría, como sintaxis de la imagen, la identidad cultural y los aspectos sociales entre otros para comprender los valores iconográficos y semiológicos. Combinándolos con reflexiones que me permitieran postular desde mi punto de vista, la comprensión de la ilustración gráfica como una parte importante del discurso artístico, de la comunicación visual puesto que al desarticularse del acompañamiento textual que tenía en la construcción editorial, se convierte en un lenguaje visual inherente, tanto estético como epistemológico, que puede observarse a través del nuevo muralismo urbano que se hace ilustrativo en el ámbito urbano que hace parte del ambiente visual contemporáneo de la ciudad latino americana.

A pesquisa “Cantos de Aparições” consiste em práticas artísticas, acerca do potencial da experiência auditiva, relacionada ao campo das artes visuais, sobretudo seu aspecto performático vocal. A pesquisa propõe: o som, como principal referência na criação de acontecimentos performativos; o deslocamento da referência visual para a auditiva na concepção de rádio performances. O meio rádio é utilizado como suporte e ambiente de onde emergem os cantos. Por se tratarem de textos para rádio, sua escrita foi construída para ser falada, o que a caracteriza como uma escrita performativa, ou escrita falatória. Compõem o resultado da pesquisa: sete cantos, em formato de programas de rádio, transmitidos pela Rádio Catimbó. Além da própria rádio, outras e outros personagens narram os cantos. As reflexões e escutas presentes neste memorial foram compartilhadas de autoras e autores como Achille Mbembe, Ailton Krenak, Hilda Hilst, Eliana Alves Cruz, Eduardo Galeano, bell hooks, entre outras e outros, e contribuíram na busca pela diversidade do olhar pela escuta, do ver no tempo da escuta, liberar o corpo do imobilismo da arte Ocidental, diversificando experiências estéticas. Boa escuta.

The present work, partially exposed by now, is the result of a object research on the line of Acting of Poetics and Processes in Arts, in this way, it intends to be an artistic work. Substantiation of a creative act, has its genesis at the intersection of different referential planes: history, memory, emotion and affection, technical and empirical knowledge, and finally, several components of my cognitive universe. In addition to the object-art itself, which is revealed through the language of sequential Art (comics), the work also presents the mode of operation and concepts generated by the intersections of these planes / layers.

The visual and narrative work focuses on the Japanese immigration to Amazonia, the motivation and life of the immigrants, their adaptation in the new country and the history of their offspring, as its background my grandfather’s history, from the years before his trip to Brazil, to his life in th new country.

Keywords: Art, Mode of Operation, Japanese Immigration, History-Memory, criation process

O trabalho analisa, a partir do conceito de corpo performático do negro da diáspora, de Zélia Amador de Deus, a trajetória artística dessa atriz e diretora e o seu caráter poético-político. A pesquisa foi dividida a fim de analisar suas três principais personagens: Catirina, personagem do auto Coronel de Macambira (1972); Suely, personagem da peça Quarto de Empregada (1976); e personagem sem nome, interpretada para o espetáculo Theastai Theatron (1983). A reflexão que norteia a pesquisa é feita à luz do feminismo como perspectiva de análise crítica e teórica das categorias de classe, raça, gênero, conforme teorizado pela filósofa Angela Davis (2016) e combate ao epistemicídio, categoria de pensamento realocada pela filósofa Sueli Carneiro (2005). Ao traçar a trajetória artística de Zélia Amador de Deus encontro uma nova forma de pensar a construção do corpo do negro da diáspora e de seus descendentes pelo viés performático que representa os atravessamentos político-socio-culturais que diferenciam ainda hoje esse corpo. Por se tratar de uma problemática que inicia no corpo e não se desvincular dele, as análises partem do corpo de suas três principais personagens para demonstrar não apenas a evolução artística da atriz, mas principalmente a evolução política e existencial de uma mulher negra na Amazônia.

This thesis brings about as a key issue the accomplishment of a scenic criation process, whose the investigative drive includes considerations about the use of elements actualised both in the expanded and in the intermedial scenes. Those elements work as triggers to grasp of what we call the technopoetic theatre. The research understand the notion of technopoetics according to its conceptual definition, derived from a creative faculty obtained by what we assume as the machinery sensibility materialization. Such ideas proceed from the proposition of techesthetic developed by Gilbert Siomondon and  discussed by his pairs and critics. The concepts are also based on ontologic aspects of technical/technological pieces of work occurred after the historical Industrial Revolution. Following the inquiries, the work contextualizes itself into the field of contemporay scenes studies, specifically concerning the types of research based on practice. In this, expressions such as Brad Hanseman “performative research”, Robin Nelson’s “practice as research”, Sylvie Fortin and Pierre Gosselin’s “thesis on practice-basis”, and Mireille Losco-Lena’s “reserche-création”. Therefore, this research aims to develop procedures and protocols around the practice done, by means of a technopoetic materialisness and correspondent analysis. For that purpose, we put forward the perspecive at the poetics presente in the techincal object itself, here understood beyond its mere definition as an apparatus, but going further as its identity of a work of art itself. As a result of the creation inquiry, it is devised the performance tentativa.doc 2.0, a practical artistic inquiry intended to fill out hybrid territories of expanded and intermedial scenes. The research technopoetics take into account the notion of nomadism as a compositional setting off per se. Such kind of epistemological trigger brings about different senses of the nomadism, by means of its features as geographic, aethetical, and poetical, through which the performers establish a sort of game among themselves, between them and the techincal objects, and amid techincal objects and spectators. By achieving the game, the performers also compose a techinteration, according to Jorge Dubatti´s assertion about of a sort of mutual commitment, where each individual modifies, mold the other. In doing so, the circumstances become what Josette Fèral nominates performativity of technology. The undertaking come to conclude at the hability of the artist when dealing with digital devices far beyond of their digital peculiarity, by going toward the activation, development, and interchanges of perceptions within a compound exceedingly present, yet, or even because, virtual.

Contemporaneity indicates the need to promote innovative and relevant technological support to improve conditions of autonomy and independence of students with sensory, intellectual and motor deprivations. Therefore, the researcher aims to investigate how assistive technology can facilitate the research process of music students with sensory, intellectual and motor deprivations. This objective unfolds specifically in two, which are: a) Create a prototype as a  strategic visualization tool of the research movement to assist music students with sensory, intellectual and motor deprivations in the development of a research project; b) Test and evaluate the strategic visualization technology of the research movement to assist music students with sensory, intellectual and motor deprivations in the development of research project. In order to achieve the proposed objectives, the Bibliographical Research and the Experimental Research were adopted. The Experimental are the procedures for the creation, testing and evaluations of the prototype device. A pilot project was carried out - with students of the Specialization Course in High School of Music of the Federal University of Pará, as well as there was an intervention with undergraduate students in Full Degree in Music at the State University of Pará and the Federal University of Pará. The participants were students with sensory, intellectual and/or motor deprivation and without deprivation. The application of the Tests focused on the use of the strategic visualization tool of the MOVE research movement for the construction of the research project by the participants. The tests took place in six meetings and the evaluation proceeded in two ways:  (a) the first was by the participating students who answered a questionnaire using the 10-point likert scale, presenting three justifications and suggestions to evaluate the functionality of the device; (b) and the second was the evaluation of peer-reviewed research projects by independent judges who followed the scale for evaluation of academic projects, notably on the scale from 0 to 10 for each item evaluated. The collected data were quantitatively analyzed, and their representations were expressed by tables and graphs, which were compared with documentary analysis and served as visual support to project the results and raise reflections and contributions. In general, it can be seen from the answers that more than 85% of the participants totally agree with the music research facilitator for students with sensory, intellectual and/or motor deprivations. The study revealed the fundamental importance of the multidisciplinary team to obtain efficient results. It was observed that the facilitation promoted by the MOVE tool was usually related to the difficulty presented in the profile of each student. The research confirmed that the MOVE tool does not exclude the need for a counselor, but offers autonomy and independence for the student to organize their ideas in order to maintain coherence and not escape the theme.

The thesis analyzes, through subjectivity and in a narrative way, the production of knowledge in the Professional Master's Degree in Arts, aiming at the elaboration of a theoretical framework that supports the strengthening of Educational Policy for the improvement of Basic Education. It aimed to analyze the productions of students, classes 2014 and 2016, aiming at the construction of theoretical framework that supports the strengthening of Educational Policy for the improvement of Basic Education in the State of Pará. Therefore, it was necessary to study and reflect, respectively, about of the twenty-five textual productions and essay products; besides identifying a set of guidelines and consolidating the construction of the theoretical framework. The method used for the research was a qualitative approach that uses, as a data collection instrument, the twenty-five productions (dissertations and products) generated by the master's students of both classes. The theoretical references are based on the norms and normalization of Law no. 9394/1996, of December 20 - Law of Guidelines and Bases of National Education (LDB). The results of the studies point to the need for future studies: identify which vocational training courses are required to promote the development of the municipalities and mesoregions studied at both undergraduate and postgraduate levels; analyze the impacts arising from the participation of teachers in the Professional Master Course in Arts; as well as evaluate the ability of the Public Universities of the State of Pará to install the Professional Master's Degree in Arts, and other Professional Masters Courses in the various mesoregions of the State of Pará.

A prática musical realizada na Tenda Miry Santo Expedito, um centro umbandista localizado no bairro da Campina em Belém do Pará, é o objeto de estudo dessa pesquisa, que buscou investigar como essa prática musical acontece, para que ela acontece, por que ela acontece e o que ela faz com as pessoas que a praticam. Fornecer informações contextualizadas sobre a Tenda Miry Santo Expedito; Registrar, analisar e classificar o repertório musical entoado nos rituais da Tenda Miry Santo Expedito e, descrever a prática musical umbandista da Tenda Miry Santo Expedito, tendo como foco a festa dedicada a Nossa Senhora da Conceição, destacando a função da música nos diversos momentos do ritual e o que essa música provoca nas pessoas que frequentam a casa, se constituíram nos objetivos específicos da pesquisa.

Meu interesse pelo tema se firmou a partir do momento que passei a frequentar a casa no ano de 2015 para desenvolver meus dons mediúnicos e, também, quando em paralelo a isso, estava assistindo, como ouvinte, a disciplina Etnomusicologia, no curso de mestrado no PPGArtes-UFPA.  Aceitar meus dons mediúnicos e, principalmente, procurar desenvolvê-los em um centro umbandista foi sem dúvida uma de minhas maiores batalhas psicológicas. Essa luta era uma questão de extrema importância para minha mãe, que em vida se chamou Maria Paraense. D. Maria, como era conhecida em nosso bairro do Coqueiro, um pequeno povoado localizado no município de Ananindeua, era uma senhora respeitada e reconhecida por seus “benzimentos” e por sua profunda dedicação ao próximo.  “Erveira” e “Senhora das rezas”, como também era conhecida, constantemente era procurada por um grande número de pessoas para os aconselhamentos espirituais, para pedir uma receita de chá e de banhos para as mazelas do corpo e da alma.  Mamãe era professora e alfabetizou e encaminhou para o “sucesso escolar”, como costumava dizer, inúmeros alunos. Entre trabalhos, cadernos, provas e livros, ela dividia seu tempo com as aulas, as visitas que chegavam sem cerimônia e eram sempre bem vindas, e a atenção aos inúmeros filhos - treze do ventre e mais um número significativo de “filhos do coração”. Nesse ambiente me criei e testemunhei grande parte desses momentos de dedicação de minha mãe ao bem do outro através de sua mediunidade, porém quando ela me dizia que eu tinha esses mesmos dons espirituais de ver, sentir e pressentir o que estava além da matéria, minhas inquietações e incômodos sobre o assunto passavam a me perturbar, e em mim causavam grande desconforto.

Nossa casa é um sítio com muitas árvores, plantas, bichos e com a liberdade de pisar a terra e sentir a natureza bem próxima. Foi nesse cenário de contato com a mata que tive o privilégio de ser criada e todos esses fatores contribuíram para que meus dons mediúnicos se manifestassem desde muito cedo em minha vida, porém o receio de tantos elementos como o medo, o preconceito, as dúvidas, me afastaram durante muito tempo da possibilidade de ser uma trabalhadora da e para a espiritualidade, como minha mãe foi. Todavia, finalmente depois de passar a frequentar a Tenda Miry Santo Expedito, o centro que minha mãe por vezes visitava e me levava com ela, aceitei esses meus dons e busco desenvolvê-los nesta casa.

Minha experiência artística se dá pelo viés da música “erudita”. Possuo formação em canto lírico. Ao adentrar na Tenda Miry Santo Expedito, causou-me grande encantamento a prática musical que emergia daquele lugar, pois a mesma se faz apenas através do uso do canto, sem a utilização de qualquer outro instrumento musical. Neste momento minhas memórias junto à minha mãe se fizeram fortemente presente, pois havia guardado em lugares subterrâneos de meu inconsciente aquela casa, seus cheiros característicos da defumação dos trabalhos espirituais, o altar com a estrela de cinco pontas, as velas de cores. Porém, com certeza, a maior lembrança se deu no momento em que a música passou a ser cantada. No quadro que “se pintava” à minha frente, via e ouvia claramente a voz de minha mãe cantarolando algumas daquelas músicas. Essa experiência vivida é um conceito criado por Pierre Nora (1993) e intitulado pelo autor de “lugares de memória”. Lugares não no sentido geográfico do termo, mas gatilhos que disparam as lembranças guardadas no campo da memória, como cheiros, cores, formas, sons, entre outros elementos, e esses lugares de memórias, pude observar que não somente em mim, mas em várias pessoas que fazem parte do centro pesquisado, são acionados quando essas estão participando do culto religioso que é praticado na Tenda Miry Santo Expedito. Em seus relatos, assim como nas minhas experiências vividas na casa, o perfume da defumação, as cores das velas, e principalmente a música cantada, trazem algum tipo de lembrança, por vezes da infância, ou dos entes que já passaram pela casa, ou de alguma vizinha ou vizinho ou conhecido que benzia ou rezava em seu bairro ou que faziam parte de sua própria família.

 A música sempre esteve presente na minha vida e trago da infância e adolescência as lembranças dos vários estilos e formas de música que se apresentavam no meu dia a dia, como a seresta que acontecia toda quinta-feira na casa do Sr. João que morava em frente a janela do meu quarto e que ansiosa eu esperava para ouvir o som dos Chorões e seus violões e cavaquinhos tocando Pixinguinha, Ernesto Nazaré, Dilermando Reis, entre outros. Aos sábados pela manhã a rua cedo era acordada pela aparelhagem do marido da D. Assunção que trazia os discos de guitarradas das Caienas e fazia questão de colocar para que a rua inteira ouvisse. Lembro que esse som para mim era o estímulo para fazer a faxina da casa como mamãe nos designava aos sábados.  O volume do som era realmente muito alto, o que provocava por vezes a discórdia entre os vizinhos, mas eu especialmente gostava daquela música tão dançante. Aos domingos pela manhã, antes ou depois da missa, éramos embalados pelas músicas do Pe. Zezinho nos primeiros Lps que meu irmão João comprou pra ouvirmos na nossa vitrola. E o som do violão e da música popular brasileira era uma constante nas rodas de conversas que meus irmãos Zeca e Paulo promoviam no quintal de nossa casa com seus amigos dos tempos de FCAP¹. Além das músicas da missa que nosso irmão Tonho tocava no pátio, onde mamãe e papai nos reuniam, principalmente nas noites de luar, quando ele vinha nos visitar em suas férias do seminário onde estudava fora de Belém para ser um irmão marista, e na adolescência, as rodas de violão com os amigos de minha irmã Lia nos nossos tempos de Caju². E ainda hoje, o som do Regue em volume bem auto, ouvido por nosso vizinho Celso na sua taberna. Nesse ambiente de tão variados tipos de música passei grande parte de minha vida, e ainda hoje alguns desses momentos se repetem no quintal de nossa casa.

 Aos 12 anos passei a estudar música no S.A.M³ e por quatro anos o som da casa era dos meus estudos em violão clássico que minha mãe me pediu pra estudar, para que eu pudesse tocar “Abismo de Rosas”, do Dilermando Reis para ela. Não cheguei a realizar esse sonho, pois antes que dominasse a técnica para tocar essa peça musical me encantei pela viola de orquestra e deixei os estudos de violão, me transferindo assim para o Conservatório Carlos Gomes, onde passei a estudar viola e canto lírico. Posteriormente meus estudos na viola foram interrompidos, após doze anos. Devido ao grande número de pessoas interessadas em ingressar na casa, o governo do Estado na época, decretou que os alunos só poderiam estudar um instrumento no curso técnico do Conservatório ,e como a viola que eu tocava não era minha e sim emprestada da EMUFPA, fui obrigada a devolver o instrumento nesse mesmo período do referido decreto, me obrigando assim a continuar apenas no curso de canto lírico, que concluí no ano de 2002, na classe da minha querida Mestra, Professora Malina Míneva, onde fui sua primeira aluna mezzo- soprano, quando ela chegou em Belém, em 1992, vindo da Bulgária. Malina foi a primeira professora que em minha formação musical me fez refletir sobre a importância do contexto no qual uma música é produzida e praticada, pois me ensinava que como cantora eu deveria ser também uma pesquisadora do repertório que cantaria, buscando saber como e para que aquela música havia sido produzida, fazendo que eu apenas não me tornasse uma mera reprodutora de notas musicais, mas que soubesse o que estava cantando. 

Passando minha infância e toda minha adolescência ouvindo tão diferentes estilos musicais, sempre ouvi das várias pessoas do meu convívio frases do tipo: “isso lá é música?”, “isso não é música que preste”, “isso sim é que é música de qualidade”, “isso que é música boa”. Essas frases sempre me intrigavam, pois ainda criança me questionava - mais se é som, tem melodia, é cantada ou só tocada, então é música, por que será que as pessoas dizem que não é música? Mais tarde descobri o significado da palavra gosto e da expressão, “juízo de valor”, então fiz minha primeira dedução: as pessoas não se agradavam de alguns sons, ou seja, elas não gostavam de determinadas músicas, por essa razão diziam que algumas músicas não “prestavam”, ou mesmo que não eram música, e foi então que somente no mestrado pude enfim constatar que minha dedução da infância tinha sua validade, pois ao me deparar com o estudo da etnomusicologia pude começar a compreender o que significa o contexto e a importância desse contexto na prática musical de uma determinado grupo social, e de como suas relações com a música se estabelecem. A partir dessas descobertas sobre a prática musical, a funcionalidade da música e a importância dessa funcionalidade para determinados grupos sociais, passei a investigar as práticas musicais que acontecem na Tenda Miry Santo Expedito.

Prática musical será abordado na pesquisa considerando os estudos no campo da Etnomusicologia, que considera o objeto musical a partir do contexto no qual está inserido, o que ele faz, bem como o que faz com os sujeitos envolvidos. Segundo Chada (2007) prática musical é:

Um processo de significado social, capaz de gerar estruturas que vão além de seus aspectos meramente sonoros, embora estes também tenham um papel importante na sua constituição, sendo de extrema importância neste contexto (...) A execução, com seus diferentes elementos (participantes, interpretação, comunicação corporal, elementos acústicos, texto e significados diversos) seria uma maneira de viver experiências no grupo (CHADA, 2007. p. 139)

A investigação proposta foi constituída de duas fases paralelas. A primeira compreendeu o levantamento de fontes bibliográficas que versam sobre a Umbanda, sobre a Umbanda no Pará e sobre a Tenda Miry Santo Expedito, assim como fontes etnomusicológicas que serviram de fundamentação teórica para a pesquisa.

A abordagem se configura, principalmente, na proposta de etnografia musical expressa no discurso de Anthony Seeger (2008), que se relaciona à transcrição analítica dos eventos, mais do que simplesmente à transcrição dos sons. A inclusão tanto de descrições detalhadas quanto de declarações gerais sobre a música. Segundo Freire:

[...] os estudos etnográficos pressupõem a total imersão do pesquisador no fenômeno, diluindo a separação sujeito-objeto. Os diferentes sujeitos envolvidos no processo são também sujeitos da pesquisa, uma vez que são usadas técnicas de tradicional uso da etnografia, tal os autores do processo de desenvolvimento da pesquisa (2010. p. 37).

A etnografia pretende descrever significados e/ou saberes, interpretando sentimentos e compreendendo percepções em que o sujeito é o foco principal da pesquisa, levando em consideração o proposto por Geertz:

Fazer a etnografia é como tentar ler (no sentido de construir uma leitura de) um manuscrito estranho, desbotado, cheio de elipses, incoerências, emendas suspeitas e comentários tendenciosos, escrito não com os sinais convencionais do som, mas com exemplo transitório de comportamento modelado (1989. p. 13).

A coleta de dados compreendeu a segunda fase da pesquisa. A observação no campo é a primeira etapa de desenvolvimento da etnografia que ocorre na Tenda Miry Santo Expedito. Foram realizadas observações da manifestação e entrevistas semiestruturadas com os praticantes e a comunidade que frequenta esse contexto, assim como registros audiovisuais. A observação “é considerada participante na medida em que se estabelece um grau intenso de interação do pesquisador com a situação em estudo, fazendo que ele seja afetado por ela, e vice-versa.” (FREIRE, 2010, p. 37). A escolha do local para o desenvolvimento da pesquisa levou em conta a inserção da pesquisadora no centro umbandista, o que colaborou sensivelmente para a coleta de dados.

As entrevistas tiveram como principal objetivo contribuir com os dados que não foram suficientemente alcançados com a observação. Freire observa que:

Nas pesquisas de caráter subjetivista, os questionários costumam ser abertos ou semiabertos, ou seja, não há interesse em pré-direcionar as respostas, mas em garantir ao depoente espaço para respostas não previstas, o que contribui para enriquecer ou aprofundar o conhecimento sobre o fenômeno estudado, possibilitando novas interpretações. Como exemplo de pergunta não pré-direcionada, podemos no estudo de uma determinada prática musical, indagar de cada um dos intérpretes quais aspectos dessa prática ele considera mais relevante, em vez de perguntar, por exemplo, qual a importância da condução harmônica no processo (2010, p. 35).

Ainda na observação do campo foram realizados registros e transcrições do repertório musical presentes nas festas espirituais e sessões que acontecem na casa, com destaque para uma dessas festas, a de homenagem a Nossa Senhora da Conceição - mãe Iemanjá. O modo no qual o material está sendo transcrito leva em conta a inserção da pesquisadora no centro pesquisado e sua formação musical, considerando os objetivos da pesquisa e, principalmente, tendo em vista que a mesma deverá refletir a prática musical.

Por fim, os dados obtidos na observação e entrevistas estão sendo analisados e interpretados de modo a alcançar os objetivos propostos. Para a interpretação dos dados consideramos as narrativas dos entrevistados e o proposto por Béhague (1992, 1999); Blacking (2000); Nettl (2005); Seeger (2004) e Coelho (2007) sobre etnografia e prática musical.

In the present work, the rock scene in Belém do Pará is approached from its social, cultural, artistic and economic characteristics, in order to investigate how three Pará artists were formed culturally, politically and artistically by it, as well as to also understand how these artists made this scenario, from their experiences, the stage of their artistic performances. The artists are: Alexandre Washington, Cosme Luiz and Marcos Moraes. The first artist, who also attends the pseudonym Joker Indian, developed a strong connection between his participation in the Anarco Punk Movement and his production in the areas of poetry, fanzines, performance and video poem. The second artist, in turn, acted as a singer and songwriter for a punk rock and hardcore band called Sem Deus Nem Pátria, and also worked with street theater, puppet theater and performance. Regarding the artist Marcos Moraes, it is noteworthy that he also acted as a musician and composer in many rock bands in Belém, besides having a fruitful trajectory in the production of zines, thus working with the Anarchist Movement, the Movement Anarco Punk and his inclination to the field of arts. Thus, current research develops an interdisciplinary analysis in the field of art history, articulating the history, anthropology and philosophy of art in order to trace the contribution of these artists to the social history of art in Belém do Pará. Historiographic sources, the basis for these reflections were: oral accounts, the fanzines and pamphlets made mainly by the artists studied here, as well as the productions of these artists, from writing poems to video performances. In this sense, the sources were understood as a monument document and served as the basis for the historical reflections presented here. Already as the main basis for the theoretical reflections, the social history of art and the relationship between history and biography gave important contributions to the understanding of the strong connection between art and life in the development of an art historiography that extended beyond the established artistic canons. by the elitist academies and circuits of art.

Esta dissertação é uma pesquisa tem como objetivo analisar a visualidade e processo criativo das máscaras, do estandarte e das letras do barco do cordão Última Hora, e não menos importante, descrever o processo criativo da tipografia “Última Hora” e do documentário audiovisual criado para esta dissertação com o material registrado em vídeo durante os anos de 2014 a 2019. No primeiro trajeto, conto uma breve história de Cametá e da Comunidade do TenTém, com a ajuda dos estudos de Raimundo Coelho (2012). Utilizo as pesquisas de Georg Simmel (2009) e João de Jesus Paes Loureiro (2015) sobre a paisagem e visualidade amazônica respectivamente para refletir a cerca da paisagem dos rios e afluentes do Rio TenTém. No segundo Trajeto, utilizo os estudos de Felipe Ferreira (2004) e Miguel Santa Brígida Junior (2006) para tratar sobre os conceitos e origens do Carnaval, Eric Hobsbawm (2008) sobre tradição e Michel Maffesoli (1986) sobre o sentimento de coletividade da Comunidade do TenTém. Seguindo no terceiro Trajeto, utilizo os estudos de Richard Sennet (2013) sobre o papel de Vital 2 como Artífice, Martine Joly (2015) sobre analise da imagem artística, Fayga Ostrower (2016), e novamente João de Jesus Paes Loureiro (2015) sobre os barcos e suas letras decorativas. No quarto Trajeto se inicia o memorial, onde descrevo o processo criativo da Tipografia “Última Hora” e do documentário audiovisual com o material registrado da pesquisa de campo no período do carnaval dos anos 2014/2019.

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Este trabalho abordará a sistematização de um treinamento psicofísico por meio do malabarismo, assim como sua aplicabilidade. A intenção da pesquisa tem sido fundir as duas áreas que mais me fascinam dentro das artes cênicas: a investigação do corpo e o circo. Pelo fato de a investigação incluir a apresentação de um conteúdo prático, será exibido o conteúdo do treinamento. Nesta expressão poética, serão apresentados três monólogos que dela farão parte no quesito subjetivação. Posteriormente, haverá comentários, discussões e considerações sobre cada etapa do treinamento até o momento da construção das cenas. Quanto à parte escrita, abordarei  a teoria do treinamento, inicialmente versando os conceitos de presença e técnicas corporais, acompanhando. Posteriormente, comentarei o trabalho de alguns os teóricos que me chamaram muita atenção ao construir suas próprias formas de trabalhar o corpo em suas empreitadas psicofísicas, acompanhando os comentários com conjecturas, quando necessário. A seguir, discorrerei a respeito do trajeto da sistematização do treinamento, abordando algumas metáforas que permeiam o trabalho, a metodologia, os problemas e dificuldades encontradas. 

Entende-se o conceito de paisagem como um lugar epistemológico habitado por diferentes campos do conhecimento. Dessa forma, a presente pesquisa busca contribuir para os entendimentos sobre a paisagem, desde uma perspectiva interdisciplinar a partir do enfoque das artes, pensada na Amazônia, atravessada por contribuições de outros territórios. A construção do trabalho, em parte, se debruça sobre o percurso metodológico desenvolvido ao longo da pesquisa, perpassa por um memorial dialógico de processo de criação e conclui com um ensaio literário-visual no formato de livro de artista. Reúne-se como principais pensadores a filósofa Anne Cauquelin, o xamã Davi Kopenawa com o antropólogo Bruce Albert, o poeta Michel Collot e o antropólogo Tim Ingold, bem como articula-se trechos da literatura marajoara de Dalcídio Jurandir, para pensar a paisagem entre a experiência e a partilha. A partir desta apreensão conceitual e uma experiência vivida no vilarejo de Joanes, ilha do Marajó – na qual mulheres, homens e crianças coletam sementes que chegam a cada maré – produz-se um esboço para uma possível poética da coleta, a partir da leitura de cinco trabalhos de arte contemporânea, bem como um ensaio narrativo sobre materialidade, temporalidade e potência imaginante a partir da imagem simbólica de uma semente. Neste trecho, diálogos de superfície entre Tim Ingold, Henri Bergson e Gaston Bachelard integram os conceitos de mundo aberto, duração e instante. Na sequência, apresenta-se um memorial dialógico que narra processos de criação da obra Exílio do Tempo – produzida durante a pesquisa – na medida que dialoga com temas transversais como narcisismo e lugar de fala, e imagens-semente e constelações imaginantes. Ao final, no formato de livro de artista, se apresenta um ensaio literário-visual, como desdobramento de reflexões teóricas e experimentações plástico-poéticas, no intuito de contribuir para uma apreensão sobre o conceito de paisagem, que se dá, sobretudo, entre a experiência daquele que, no fluxo movente, sente, percebe e partilha.

Mufarrej, Pablo. Me, The Horizon and My Cave - 3rd movement. Practical / reflective studies in contemporary art - Through the vestiges and sparks of space / time / experience. 2019. (50f.version / qualification) Memorial (Master degree) - Institute of Art Sciences - Postgraduate Program in Art, Federal University of Pará.

Me, Horizon and My Cave is a serie of artistic procedures, started by Pablo Mufarrej in 2014, in Belém do Pará. It is a field of theoretical / practical / reflective studies around the possibilities of the exhibition of Contemporary Art. The research has as focus / open structural object issues related to the art-making mode and the ideas of accumulation, space-time, and vestige. Being the vestige a central concept / procedure of this work, it has been developed and applied in the research as a methodological, analytical and experiential tool, for the execution of its theoretical / practical / reflective unfolding. In this memorial / dissertation / work, the artistic work is not only a poetic, it is a reflection on a field that, throughout its development, generates: platforms and / or works, and / or citation, and / or processes of art, and / or reflective processes that materialize, supposedly, as works, but which seek to constitute themselves as works / thoughts that pulsate the reflections and the traces generated by the research process itself

This essay reflects about how two archival documentaries produced by TV Cultura do Pará filmmakers articulates the notion of “place of memory”, created by Pierre Nora (1984). The film aproachs is realized from the film analysis notion created by Manuela Penafria (2009) that defends that a film must be investigated considering internal and external elements. Our analytic efforts see this films in its relations with the institutional creation space, TV Cultura do Pará, its filmmakers, its production conditions and the memories of the investigator, forming in the end a kind of documentary memory.

This research seeks to understand as creative artist-researcher-participant of Auto do Círio the creative processes of makeup of the Front Commission revealed in the spectacularity of this scenic phenomenon of singular dimensions as dramatic courtship. Armindo Bião (2008), Jean-Marie Pradier (1995) for the approach to Spectacularity, Theatricality, Cultural Matrices - Aesthetic Matrices, and Theoretical and Methodological Matrices in Ethnocenology, as Ethnoscience of Arts and Forms of Spectacle. Michel Maffesoli for Emotional Communities. In the study of the imaginary Paes Loureiro (2010) in his proposition of Semiotic Conversion as a conceptual key to understanding the poetics of Amazonian culture. For the Creative Processes approach, Sônia Rangel (2015) and Philippe Hallowell (2010). As a dominant ethnocenological premise, we privilege in the methodological procedures the multiple internal experiences in the research phenomenon, giving relevance to the wisdom of practitioners and their trajectories in the show, through photographic records, videos of the creative process of self makeup and choreography, as well as semi interviews structured. These audiovisual records compose a documentary titled Auto Etnodocumentario indissociated from this reflection contributing, as a makeup artist, to the construction of knowledge that springs from the complexity and richness of spectacular street practices in the contemporary Amazon.

Palavras-chave: Auto do Círio; Ethnocenology; Make up; Creative Processes.

Essa escrita memorial é uma encruzilhada, no meio está a viajante, provocadora e artista-pesquisadora que, movida por incidentes, se inspira com a imagem arquetípica do Mago, o mensageiro, que diz - Sou todas as artes em potência, tenho a habilidade com o tempo presente, viajei longas distâncias e trago ferramentas para compartilhar nesta travessia, desejo um corpo coletivo que dá passagem, e por isso atravessa e é atravessado - , em que dar passagem é uma perspectiva presente na pesquisa de Bondía (2002) sobre o sujeito que vive a experiência, essa que também é “travessia”. Na busca por ferramentas para a pesquisa, me deixo conduzir pelo contato improvisação (CI) que me leva a participar de residências, festivais e laboratórios; são acontecimentos que movem a pesquisa e com isso a cartografia como procedimento, inspirada na obra de Deleuze e Guatarri (2012), encontra princípios que nutrem a composição da poética. As experiências práticas se encontram com abordagens sobre a improvisação, o intérprete-criador e a composição em tempo real (CTR) a partir das pesquisas de Mayrla Andrade (2012), Waldete Brito (2012), Eleonora Leal (2012), Ana Flávia Mendes (2008), Hugo Leonardo (2008), Ana Mundim (2018) e Ciane Fernandes (2018). Esses estudos trazem princípios para a realização de uma prática em laboratório que aconteceu nos dias 23 a 29 de janeiro de 2019, em que conduzido pelo CI a partir da imagem-força da “travessia”, gerou-se um ato performativo de composição em tempo real.

Essa tese-inventário é resultado de uma pesquisa em Etnomusicologia Aplicada, pesquisa participante nos termos de Brandão (1999a). O trabalho buscou, dentro de interesses comuns pesquisador-pesquisados, investigar a musicalidade e a Viola de Buriti produzida no quilombo do Mumbuca, localizado na região do Jalapão no Estado do Tocantins. Entre as ações desenvolvidas, trabalhou-se para a viabilização do registro da Viola de Buriti como Patrimônio Imaterial junto ao Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional – IPHAN. Para tanto, foi produzido um inventário participativo com metodologia do IPHAN (2016) e um documentário audiovisual. Também como demanda do quilombo, foi criado um caderno de partituras com a transcrição das canções da comunidade e a produção de textos acadêmicos de escrita coletiva, envolvendo um grupo de pesquisadoras do quilombo. A participação em editais de fomento à cultura que beneficiaram o povoado foi outra ação que fez parte desse trabalho. A pesquisa foi interdisciplinar, envolvendo a grande área das Artes, incluindo a Etnomusicologia e a Educação do Campo, área que fundamentou a metodologia adotada baseada nos princípios freirianos. A fundamentação teórica principal da tese foi a poética do próprio quilombo, considerando a indissociabilidade entre o intelecto e a sensibilidade (MAFFESOLI, 1998), as músicas serviram de guia para a escrita do trabalho. Também nesse sentido, optou-se pela autoetnografia, baseado em Fortin (2009) e Aschieri (2018), como ferramenta de campo e na reflexão sobre os dados coletados. Além dos resultados para a comunidade, foi possível compreender que a musicalidade do quilombo possui aspectos que refletem uma resistência ao pensamento musical hegemônico, como do uso de estruturas modais, corporais e também no modo de pensar, como no tipo de raciocínio que classifiquei como intelorgânica musical, um tipo de pensamento orgânico que imbrica necessidades estéticas com recursos naturais.

RESUMO

Esta pesquisa objetiva apresentar e compreender o processo criativo do Rito artístico Farinha poética, por meio de diálogos teóricos e práticos, enquanto produção de conhecimento artístico e acadêmico. Por rito artístico entende-se o momento em que o produto cênico desta pesquisa é entregue ao público. Para construir a obra de arte e chegar neste momento, aciono como estratégia o que chamo de coreocartografia familiar- proposição metodológica de pesquisa em dança inspirada na cartografia (DELEUZE, 1995) em diálogo com os processos de criação (SALLES, 2006), uma experiência que desvela os (r)encontros deste interprete-criador em dança com sua família, com sua história e com sua dança, tornando-se assim uma rede ampla de conectivos artísticos, epistemológicos e de vida, um mapa de uma família de saberes dispostos a serem compartilhados. Na realização da pesquisa emprego os procedimentos de preparo da farinha como metáforas para a criação em dança, observo os processos de “conversão semiótica” (LOUREIRO, 2007) do gesto na “dança contemporânea” (ROCHA, 2016)) e destaco a relevância da subjetividade como valor necessário para a criação cênica. Como resultado, verifica-se que a pesquisa tratada neste memorial transcende as reflexões sobre os recursos e procedimentos de construção cênica Rito artístico Farinha Poética e avança no sentido de ver a construção deste Rito como processo de cura e reencontro que tem como base situações de vida e de arte, relações intimas com um  dos contextos sociais de minha cidade natal, contexto este que minha família vivencia durante a produção de farinha de mandioca.

Esta é uma tese-memorial-poética composta por escritos intitulados “O Camelo, O Leão e A Criança Que Brinca: transmutações da busca de si em três atos-poéticos; e por uma obra cênica, Árvore de Mim.Igualmente a componho pelo desenho simbólico de uma árvore, me valendo dos estudos em minha árvore genealógica pela Metagenealogia (JODOROWSKY, 2009c), para resgatar minhas origens e transformá-las em poesia no espaço. Recupero nas raízes, as lembranças de minha infância, as memórias tão guardadas dentro. Ritualizo o (des)encontro de meus ancestres (as três linhagens que estão acima de mim, ou, a baixo, pois gosto de pensar que estou erguida em seus ombros); como tronco desta pesquisa-árvore apresento a construção da Dramaturgia do Si-mesmo, criada a partir de imagens-força, de arquétipos, mitos, estudos filosóficos, ritualísticos, místicos, alquímicos e pela ferramenta metafisica do Tarot,como aceso fundamental a criação e a abertura de consciência e conexão com quem somos. Nasce assim, como fruto da descoberta desta árvoreuma Trilogia da Escuridão, na cria-ação de três atos-poéticos:Ritos (2011), Para você...(2014) e Árvore de Mim (2018). Que assinam um fazer artístico que se dá na realização lúdica de tudo que se encontrava escondido, e de repente irrompe o limite entre vida e o poético de forma bela e cruel por se dar no afeto, no compartilhar com o outro quem realmente somos e por isso se revela um fazer curativo. 

Tem palhaça na rua-rio? Tem sinsinhô configura-se como uma pesquisa lítero-científica que investiga as relações entre a palhaçaria e a prática da educação popular no contexto do projeto Ter.Ser, de arte e educação popular, desenvolvido na comunidade do Porto do Sal, no bairro da Cidade Velha em Belém do Pará. O projeto, de cunho social, artístico e político, organiza-se por meio de uma escolinha popular com atividades regulares na comunidade e intervenções artístico-políticas pontuais. A pesquisa, fundamentada na fenomenologia de Gaston Bachelard e na fenomenologia do olhar de Alfredo Bosi, entre outros autores, configura-se como bibliográfica e de campo, mergulhando na obra poética de Manoel de Barros e na obra literária Peter Pan para construção da escrita lítero-científica. Parto da minha trajetória enquanto palhaça-educadora-pesquisadora e atravesso estes três olhares para discutir as vivências da pesquisa, pois me posiciono enquanto pesquisadora-participante. O trabalho é dividido em três cadernos conduzidos por três verbos norteadores: olhar, brincar e esperançar. Estes verbos e cadernos mostram-se interdependentes e interligados pela escrita narrativa que estabelece sempre uma continuidade, trazendo referências diretas à obra de James Barrie – Peter Pan – desde o sumário até as considerações finais do trabalho. Nas considerações iniciais – Em busca da terra do nunca – contextualizo minha trajetória a partir da relação com o brincar, apresentando os elementos da obra de Barrie e Manoel de Barros que conversam com a pesquisa e nesse contexto convido o leitor a voar comigo nessa busca. No caderno 1 – Olhar, intitulado Segunda à direita, depois direto até amanhã de manhã, apresento a perspectiva dos três olhares que assumo na pesquisa, palhaça-educadora-pesquisadora, trazendo as imagens poéticas e reais construídas a partir do contato com a comunidade do Porto do Sal, é o caderno de apresentação do lugar e da prática educativa do projeto. Neste, recorro aos estudos de João de Jesus Paes Loureiro, Gaston Bachelard, Alfredo Bosi, Sônia Rangel, Paulo Freire, Carlos Rodrigues Brandão, entre outros. No caderno 2 – Brincar, intitulado Pó de pirlimpimpim, atravesso os nascimentos da minha palhaça Xulipa Margarida e a relação com o brincar, o jogo, a palhaçaria e o teatro de invasão, buscando referenciais de Alice Viveiros de Castro, Marton Maués, Romana Melo, Andréa Flores, André Carreira, Johan Huizinga, e Tizuko Kishimoto. O caderno 3 – Esperançar, também chamado de Com um pouco de poeira de fada a menina perdida começa a voar, traz o voo da palhaça-educadora-pesquisadora à terra do nunca e ao universo da palhaçaria e educação popular na comunidade do Porto do Sal. Entrelaçando teoria e relatos das vivências, é o caderno que constroi os atravessamentos de todo o caminho do voo até aqui. No lugar das considerações finais, Pois tudo isso aconteceu há muito tempo, se organizam as reflexões sobre as vivências, a educação popular e sobre a produção de conhecimento em artes, pretendendo deixar sempre a janela aberta para que o voo para as muitas terras do nunca sempre exista. Dito isto, fechemos os olhos, pensemos em coisas boas que o pó de pirlimpimpim nos mostrará o caminho!

The word animation comes from the latin term "anima," which means "soul" in the sense of "breath of life." According to Perisic (1979), animation is a way of creating an illusion, giving "life" to inanimate objects – real / virtual objects or simply freehand or computer drawings. Born of the mix between art and technology, the animation films come in the late nineteenth century, and developed throughout the twentieth century in numerous productions around the world. However, it is only at the beginning of the 21st century that the first animated short films were produced in brazilian State of Pará. This research includes the formation of the State of Pará's field of animation, according to Pierre Bourdieu. It gathers narratives about the production of animations carried out until 2018, considering the networks of personal relationships, the formation of groups, as well as the techniques and methodologies used to carry out each work. I carry out this study through participatory field research, interviews, bibliographical and film research, observing sociocultural events, characters, productions, policies and institutions that contributed to the development of the animation in the State of Pará.

The "Amazon", born as a creature of the imagination of a people who projected their obsessions into a territory already inhabited by several other ethnicities, is a ghost that carries with it deep and conflicting questions. The cinema, in the XX-XXI century, re-updates and reconfigures, in a more naive or critical way, several of these questions. This work proposes ways of approaching this memory critically. As an artist-researcher, who directly experiences the cinema and who believes in the epistemological power of his, a significant part of this research is rehearsed within this language, having as a method the "remontage", the "remix". Another part, no less significant, is rehearsed through the word. Presenting the trajectory and methodological research of the author during his own critical review, this work bets on a pedagogical process of constant individual revisions integrated with the proposition of cultural actions that stimulate continuous collective exercises of historical, political and aesthetic reflection about this territory that we still call "Amazon". As a proposer of a work within the line of History, Criticism and Education in Arts, before researcher or artist, I present myself as a moviecluber, and present this text as a starting point for an education as a practice of freedom.

This study is a study in the area of music education and the process of inclusion by music in order to understand the 

particularities, needs and expectations of learning of Down Syndrome patients, because there is still little research, 

publications, and methodological practices that approach the subject. The aim of this research is to understand how 

musical learning occurs in children with Down Syndrome in a group with neurotypical children 

(without developmental disorders involving significant disturbances in psychic functioning) through group 

violin teaching developed by PPGARTES PCA. For this, the methodology was given through a qualitative approach, 

based on the case study, through non-participant observation. Several notes were made in field notebooks, 

photographic and audiovisual records. The 10-point Likert-type scale was used to evaluate violin students. 

The violin students were musicalized through a playful experience. At the same time they learned to know the notes, 

the musical figures, the keys, the bars, the pauses, the rhythms and the reading of the scores. . 

The instrumental technique was later charged, respecting the learning time of each student.

In the midst of the vast universe of Brazilian filmography, we chose Eduardo Coutinho's film, "JOGO DE CENA" (Scene Game), (2007). which exemplifies brings one of the aspects that interests us particularly, that is, the dilution of the boundaries that are established between reality and fiction. It is, in this sense, what has been called the hybrid language in cinema. The movie is about this game of representation. What belongs to the real? How to represent this real? How to establish the boundaries between the fictional and the real? How do such instances, in this particular film, articulate? In the case of an interview film, with professional actresses and women of the people, the directions that the interviews show in the drama-representative game are interesting.

The Choro do Pará Project aims to disseminate and encourage the practice of Choro by attracting young musicians from different age groups and social classes and stimulating the formation of new groups. In this context, processes and situations of music transmission occur in different ways and are (re)modeled and (re)defined, in their design and application, through collective workshops — for string, wind and percussion instruments — that culminate in the presentation of the results in concerts of the Choro do Pará Orchestra. The repertoire used in their musical practice includes established compositions of this genre and original works by artists from Pará, in order to valorize and spread the local production. Investigating the practice and transmission of music in the Choro do Pará Project, using the approach of authors such as Nettl (2010), Blacking (2007) and Merriam (1964), is the main objective of our work. Specifically, we intend: b) To examine, through interviews and field research, the methods of musical transmission practiced during the workshops of the Choro do Pará Project; c) To verify, through interviews and field research, the process of construction of the musical arrangements executed by the Orquestra Choro do Pará; and d) To find out if the Choro produced in Pará has characteristics that distinguish it from the Choro produced elsewhere in Brazil. For this, we performed a survey of relevant bibliographic sources and conducted semi-structured interviews with participants of the Project and local musicians. Our interviews with characters related to Choro do Pará Project fit the scope of qualitative research, in what is called "semi-structured interviews with a single respondent", to which Bauer and Gaskel (2002, p.64-65) also refer such as "in-depth interview". The spectrum of points of view on the topics of our interest gathers testimony from: the coordinator of Choro do Pará Project, Paulinho Moura; the five facilitators, Carlos "Buchecha", Claude Lago, Diego Santos, Emílio Meninéa and Iva Rothe; two composers whose works are present in several modules of the workshops, Luiz Pardal and Adamor do Bandolim; four project participants; two former participants; and from personalities whose trajectories permeate the narrative of the Choro movement in Pará. Our analysis involves meanings and knowledge, recognizing that musical practice is a reflection of life in society and conveys unique values, which result from different sources and experiences.

The present work investigates the presence of the musical genre schottisch in Belém during the late 19th century and early 20th century, throughout the fi gure of Clemente Ferreira Júnior, composer, maestro and pianist. In this investigation, some methodological tools concerning ethnomusicological studies are utilized, as well as analytical tools from music theory and musical composition. erefore, it is aimed the compreension about the composer’s musical practice, based in Sônia Chada’s musical practice precept, focusing as a primary parameter, his social context, and in his compositional production on the schottisch genre.  e work also offers an overview about the phenomena of the musical transformation ocurred in Brazil since the second half of the 19th century, proposing the term “novidades musicaes” (musical novelties) for the description of the phenomena. At last, it is presented a musical composition, as well as a memorial about this auctor’s composition, showing a concept called “musical transmutation”, in which some of Clemente Ferreira Schottische’s caractheristics are utilized through this auctor’s compositions techniques.

A jardinagem praticada pela lógica da floresta, baseada na manutenção da vida pela diversidade e abundância de recursos próprios, é a metáfora para os cultivos da compreensão nesta pesquisa que fala de um casarão antigo que é sede de um grupo de teatro com bonecos e espaço compartilhado de trabalho coletivo de 37 artistas/produtores de cenas diversas, recebedor de fluxos de público para experiências estéticas em comum. São pontos de vistas, lugares de onde se olha. Paisagem e sujeito se confundem em plataformas entrecruzadas em frequente comunicação. De dentro do Casarão do Boneco, em qualquer uma das plataformas, percebo que estamos diante de uma peculiaridade, uma nuance no âmbito relacional, entre os habitantes, seus espaços, as diversas linguagens artísticas, o público e a cidade. Essa intensa ocupação e o que dela faz movimentar o Casarão do Boneco indicia um rearranjo de realidade ante a potência para as maneiras de se relacionar. O Casarão parece apresentar suas próprias qualidades, componentes absorvidos nos meios que se sobrepõem, que o diferenciam sob diversos aspectos e, nas linhas de fuga, juntos se dimensionam a um devir-expressivo territorializante. São seguidas algumas das pistas do método cartográfico de Gilles Deleuze e Félix Guattari e seu pensamento rizomático. É vislumbrado os vários lugares que definem e que tornam o Casarão, um lugar único, um corpo único sendo definido pelas relações estabelecidas entre três blocos de força: seus habitantes, seus espaços, seus movimentos. Um corpo, como Deleuze observa o corpo definido por Espinoza (2002), composto por uma infinidade de partículas, que se elabora das relações entre velocidades e lentidões, repousos e movimentos dessas partículas. Não é definido como forma, mas como força interativa. Um corpo composto por outros corpos, tal a ideia cosmogônica da pessoa marubo, ou mesmo animado tal ao boneco que vira personagem pela manipulação de tantos atores. Um corpo tramado em mapas.

A presente dissertação trata de uma análise crítica sobre o processo criativo de Tatsumi Hijikata, quando em sua produção do butô.

The present research has as general objective to outline the profile of Band 31 of August from its historical, sociocultural and educational contexts. The methodological course has a qualitative, bibliographic, documentary and field character. Specifically the research is characterized as a case study, with emphasis on an ethnomethodological approach, and the use of ethnographic research techniques. It was also decided to conduct field research through data collection in semi-structured and open interviews. The research subjects were: students, teachers, teachers and members of the board of the searched band. The results of the research present the profile of a band from the city of Vigia as a type of institution of socio-cultural value that has been built historically besides playing an important educational role. It is hoped, through this study, to contribute to the construction of knowledge in the field of Art in interface with Musicology in the scope of studies on music in Pará.

Este trabalho aborda questões relacionadas ao ensino de música no Ensino de Jovens e Adultos – EJA em uma escola pública em Belém do Pará. Investigar como é construído o gosto musical dos discentes da modalidade EJA, da Escola Estadual de Ensino Fundamental Professor Waldemar Ribeiro foi o objetivo principal da pesquisa. Seguindo orientações teóricas do campo da sociologia, em conexões com o campo da educação musical, esta pesquisa coletou dados em 2017, onde foram realizadas observações e entrevistas semi-estruturadas com discentes da EJA da 3º etapa do Ensino Fundamental, 4º etapa do Ensino Fundamental, 1º etapa do ensino médio e 2º etapa do ensino médio. Os dados coletados dialogam com os autores: Setton (2002a e 2002b), baseado na teoria das culturas híbridas e do habitus híbrido; Canclini (2015) com a teoria da hibridação; Quadros Jr e Lourenço (2013), Monteiro (2008), Hennion (2002) e Tinhorão (2001) para dialogar sobre gosto musical e, Souza (2004 e 2008), Louro e Souza (2013) e Penna (2003 e 2010) para referendar sobre educação musical e cotidiano. Os resultados aqui obtidos apontam que a família e a escola ainda continuam sendo os principais responsáveis pela construção do gosto musical, porém, a presença da mídia, o bairro, a religião também emergem como dispositivos de potência na construção do gosto musical dos estudantes da EJA.

SILVA, Silene Trópico. Motivação para aprender música: um estudo com alunos do ensino médio. ano. xxx fls. Dissertação (Mestrado em Artes) – Programa de Pós-Graduação em Artes, UFPA, Belém.

Nesta pesquisa, realizou-se um estudo exploratório com a finalidade de conhecer os direcionamentos empíricos aplicados na área de educação musical e outros aplicados em conformidade com a Teoria da Autodeterminação (TAD) possíveis para este estudo, para revelar o estado da motivação dos alunos e descrever o comportamento do estudante de acordo com as influências internas e externas para predizer-lhes a orientação motivacional para aprender música no ensino médio. A teorização sobre o sentimento autodeterminado realizado pelos psicólogos Deci e Ryan (1985) aproximou-se da perspectiva sociocognitiva da motivação e da visão humanista das necessidades que originaram o conceito de autodeterminação, segundo o qual, ao se identificar pessoalmente com as informações que recebeu do contexto, o sujeito torna-se capaz de agenciar e gerenciar seu aprendizado para realizar metas e objetivos futuros que oportunizaram a interação entre o sujeito e seu mundo de forma dialética e organísmica. Com o emprego do survey para 64 alunos do ensino médio, objetivou-se compreender as contribuições da motivação para aprendizagem musical e conhecer o estado e estilo da motivação, para: (a) explicar as influências internas e externas que motivam o envolvimento em práticas musicais; (b) verificar por intermédio da literatura os mecanismos psicológicos básicos que motivam o educando a aprender música; (c) descrever como os fatores educacionais e socioculturais influenciam a compreensão dos conteúdos; e (d) conhecer a natureza (intrínseca e extrínseca) que origina a motivação para aprender conteúdos musicais. Ao trilhar o caminho da compreensão da motivação do estudante do ensino médio, percebeu-se que considerar a avaliação qualitativa da aprendizagem com o emprego da pesquisa de survey foi uma alternativa bastante valida para conhecer como está a aprendizagem conceitual dos estudantes do ensino médio, a partir da observação e do relato das experiências musicais vivenciadas pelo aluno na sala de aula. Para desenvolver este estudo, considerou-se ainda adotar um novo olhar acerca das dificuldades de aprendizagem para captar destes jovens quais fatores motivaram sua aprendizagem musical, bem como compreender a situação do ensino paraense. Como estas questões foram abordadas no ensino médio, acredita-se que as ações empreendidas fazem a diferença para melhorar a qualidade do ensino. Com o desenvolvimento da pesquisa de survey e análise quantitativa dos dados verificou-se nos estudantes o estado motivacional controlado e incentivado por influências internas e externas e menos por suportes de autorregulação e o estilo orientado por motivação extrínseca com regulação introjetada e externa. A contribuição da motivação para aprender música foi determinada pela percepção de atendimento das necessidades psicológicas básicas avaliadas pelos estudantes em grau moderado e baixo e próximo de 45% do índice total da escala e, a frustração destas mesmas necessidades foram avaliadas moderadas e próximas de 55% do índice de frustração total da escala. Os sentimentos de autonomia e competência se aproximaram na escala likert do nível de 32% de atendimento e, o sentimento de relacionamento se aproximou do nível de 31% de atendimento. Confirmou-se neste estudo que os fatores psicológicos motivadores da aprendizagem dos alunos foram de ordem pessoal e sociocultural que em seus desdobramentos motivacionais contribuem para incrementar o aprendizado musical dos estudantes do ensino médio. 

Esta ação de pesquisa cartografa, pela inscrição performativa de mapas, os dispositivos poéticos e de gestão de uma rede de espaços artísticos autopoiéticos de Belém do Pará, entendidos como unidades autônomas pela totalidade sui generis de sua composição poética-política, cuja capacidade de se autogerir como estratégia de resistência, sobrevivência e amadurecimento de seu fazer dentro de um contexto cultural da cidade, dialoga com a estrutura e o sentido que criou para si. Espaços independentes, autônomos, autogestionados e intencionais, são outras terminologias dadas ao que é definido aqui como espaço artístico autopoiético, sendo este o lugar gerido por artistas que firmam uma produção poética com potência política, ao promover, de modo autônomo, práticas de intervenção, formação e experimentação artística que se constituem como micropolíticas para cidade. O termo autopoíetico é uma declinação do conceito de autopoiese, dos biólogos chilenos Humberto Maturana e Francisco Varela, acionado para sustentar um pesquisar na diferença, na medida em que os espaços se autogerem como poiese de um artista ou coletivo que interage de modo cognitivo com seu meio, produzindo subjetividades que estruturaram, de forma singular, suas atividades, processos criativos, discursos ideológicos, modos de se definir, organizar, e constituir territorialidades na cidade. Essa poiese que resulta numa obra de arte enquanto fenômeno do lugar, faz um deslocamento do seu sentido estritamente material, ampliando esse fazer para as relações de produção e vivência do espaço enquanto obra. A rede de espaços artísticos autopoiéticos, nesse sentido, é heterogênea, polifônica, e se comunica de modo colaborativo como um organismo sistêmico pulsionado pela insurreição de corpos que encontram no circuito de afetos seu fluxo condutor.

The present memorial corresponds to the descriptive part, as much as to the glimpses, that guided poetic options of the scenic monologue O tudo anexo, whose methodological principles of creation correspond to the investigation of a personal symbology of the actor. Such principles, as we have examined, tend to enable the artist of the scene to reach a creative state nourished by a shared symbols located in the collective unconscious. Acquiring transversely from the singularities relative to the symbolic experience of each individual, such principles, however, and in continuity, seem to incite the actor towards the immersion into a sort of creative state nourished by a singular symbology shared in the collective unconscious. Among the principle, we consider Joseph Campbell's notion of creative mythology, according to which there is a new kind of emerging mythological experience, where the individual experiences symbols, on one hand, and a mythology in an intimate and transformative way, followed by its communication - provided that it is true - that would have the force of a living myth, on the other hand. Consequently, the importance of the figure of the work of the scenic artist, in this context, is enforced by the exploration, handling and communication of the matter of these experiences. Accordingly, we warn about the elucidation of the difference of perspectives between this mythology and the mythology considered traditional, in some ways socially impositive of conventions and rites, although it fails in the process of their spiritual attainment. Another methodological or transformative principle is that of the individuation of Jungian analytic psychology, where symbols arising from the unconscious play a fundamental role in the maturation of the individual's psyche. Structurally, the above-mentioned scenic monologue is complemented by pictorial and poetic memorials, both of which raising questions, proposing diagnoses and defining parameters to the use of the actor's personal symbology in the scenic creation. In the case of the poetic memorial, imagistic and written correspondences in the creative process are explored in order to contribute to understanding, through metaphors, the expression of creative principles approached. Concerning the ways of creation, they are based on the symbolic experience, its transformative and numinous pertinences, its nuances in relation to the actor's work and the scenic staging, as well as the specific qualities of its specificities, difficulties and flows that gave light to the dramatic, sonorous, spatial, and scenic composition. Through the investigative essays, that are directed to acting and capable of exploring the symbolic level, so as to extract from the actor, ultimately, his symbolic powers, we seek to provide investigative consistency in practice. In addition, we elucidate the empirical character of the methodology, that emerged from the experiments, from the direct maneuver of the symbol, in laboratories of scenic performance. Among the theoretical references, we highlight Friedrich Nietzsche (1844-1900), mainly concerning the understanding of this German philosopher about the philosophy of instinct and its criticism of the overestimation of the concept of consciousness, Polish director Jerzy Grotowski (1933-1999) and the creative principles of his experiments with his Laboratory Theater phase, which, altogether, were called the Poor Theater, and Gilbert Durand (1921-2012), when related to his notions of symbolic imagination, an relevant term for this French philosopher, and here drawn upon for its potential for elucidating elementary and urgent symbols, situated in the collective imaginary, in the mythologies and in the individual amplitudes, among other effectuations.

 Keywords: Symbology. Unconscious. Scenic performance. Individuation. Mythology

O Povo Mẽbêngôkré-Kayapó vivia em uma grande aldeia denominada Pykatôti. Na contemporaneidade, as aldeias Mẽbêngôkré estão localizadas no Norte do Mato Grosso e Sul do Estado do Pará nas margens do Rio Fresco e do Rio Xingu. Este trabalho tem como objetivo realizar um estudo da corpografia do Povo Mẽbêngôkré a partir da experiência corporal vivenciada ao longo do trabalho de campo-vida para fins de atividade artística. A metodologia desta pesquisa, denominada teia da aranha, é tecida por meio da ética - kumerex e estética-mej nas relações míticas em kapran ok. Como artista-etno-pesquisador, o autor experimenta corporeidades no trabalho criativo em processo, Círculo de Pykatôti. Na tessitura das tramas estão amarrações entre a Etnocenologia, Antropologia Estética, Sociologia Compreensiva, a partir do perspectivismo indígena Mẽbêngôkré. Os resultados são contribuições às PCHEO – Práticas e Comportamentos Humanos Espetaculares Organizados no entendimento de relações não apenas humano-humano, mas nas relações humano-bicho como proposição fundante do termo Kukradjá para o Povo Mẽbêngôkré.

This work consists of a research based on Oral History, which proposed as main objective to understand the meaning of music education in basic education schools in Belém do Pará, from Memories of Music Teachers. Specifically, it was analyzed the conceptions of teachers of Art / Music in these schools, what the objectives established by these teachers for music education in basic education and what "strategies" they developed for teaching music in basic education. Also, it was related and analyzed how the conceptions, "strategies" and objectives chosen by the teacher of Art / Music direct the route of the teaching of musical education in schools of basic education. Through oral history, it was possible to understand the pedagogical-musical choices of art teachers in the teaching of music, through the investigation of their memories, especially in terms of their formations derived from experience, institutional and teaching practices, which I understand to be the basis Of their practices as teachers. For the development of the research, 29 schools were visited, intending to investigate how many art teachers licensed in music work in these schools. Having knowledge of the teachers, two interviews were conducted with a licensed music teacher who has been in the public school for more than 20 years and a licensed music teacher who has been in the public school for more than 10 years. These interviews were transcribed, textualized and transcribed, resulting in two narratives, which were later interpreted and analyzed from a transdisciplinary view that enabled a dialogue with the concept of memory, in the light of authors of History, Sociology, Anthropology and Philosophy; And of education.  It can be concluded that the main points of this research was that school music education is not only tracked by one path, perhaps not by many, but by teachers who, through obstacles, construct school music education on a daily basis. His life experiences and institutional formation are shown as pillars of his work as professionals, resignifying teaching practices and conceptions of life. In addition, the dialogue between school management and teachers becomes essential for effective teaching of music at school. 

The present research, conducted with members of the Coreoepistemology Research Group, Universidade Federal do Pará (UFPA), is undergoing experimentation and has the following objective: to investigate resources of preparation for the construction of a show of improvisation in contemporary dance, from the contemporary dance studies of SIQUEIRA (2006) and SILVA (2005). The concept of improvisation presented here is based on MARTINS (2003) and MUNIZ (2015) stands out as a relevant concept. The applied methodology makes use of scenic laboratories that use improvisation in dance not only as a creative resource, but as a scenic result, the spectacle being created at the moment of its execution. The research subjects have a logbook for notes, scribbles, drawings, and other forms of expression that they deem necessary for the recording of their impressions. The journals are then direct references of the research, which has a qualitative approach (GIL, 1999) and results in an artistic experiment in which, from the connections between the participating dancing bodies, the creation process is simultaneous to the process of contemplation.

This research, inserted in the line of creation and performance in the arts, focuses on the analysis of the creative process of photographic works produced during the post-graduation, among them: Palacete Faciola, Requiem for Bayard, Deambular, and The City. Taking the city as its axis, approaching it as an idea, as a concept, in the elaboration of the mentioned essays, one inquires about different possibilities of construction of the photographic object, considering the particularities of the staged photograph. From this process, a series of considerations are also established on photographic practice, and on how these reflections influence the creation process. These considerations mainly refer to the relationship between photography and city, photography and other arts, photography and fiction, and photography and experience. In this sense is adopted the concept of experience expressed by John Dewey, and this is related to the concepts of the at the same time and photographic action of François Soulages.

In this research, I present a study on Animation Cinema, based on concepts provided by authors whose analysis approach the symbolic sphere of cinema history. Based on the principle of the Brazilian professor, writer and researcher Arlindo Ribeiro Machado Neto (1949-) that cinema materializes a millenarian movement of "imaginary representation", and still as the thought of Edgar Morin in unveiling the semi-imaginary reality of men, the research dialogues with the "nocturnal" face of the French philosopher Gaston Bachelard (1884-1962), that is, his "metaphysics of poetic imagination" and his investigation systematic of the genesis of the poetic image from the archetypes of the four (four) Elements of nature (air, water, earth and air), to which I add one more (element ether). To carry out the present work, I admit, as a primary objective, to demonstrate the connection between the modus operandi of creating a film, that is, the methodological procedures used in its work, and its consequent facet of the historical-social context experienced by its creator (s), a context that is fully amalgamated to the becoming of the imaginary of these. Therefore, due to the need to maintain the objectives, I caution in the course of the research to avoid the theoretical contribution towards the rupture with the strictly historical approaches, especially those that privilege the decomposition and synthesis of movement and the invention of Technical devices, such as cinematograph, created by the French brothers August MLN Lumière (1862-1954) and Louis J. Lumière (1864-1948), and those that reduce the animation to content of technical manuals of how to make animation movies.As a result of the progress of an artistic-scientific product, I strive to create a short animated film, entitled Alma de Papel, in the context of the Curro Velho Workshops of Fundação Cultural doPará, seeking to understand the procedural steps of the said creation according to the precepts mentioned above, of the historical-cultural context, of the creative becoming and the modus operandi inherent to the moment and place of the creation, to the singularities inherent to my imaginary and expressive idiosyncrasies, and also the available material means.

O presente trabalho busca compreender, através de uma linguagem poética, a representatividade da banda paraense Delinquentes para a cenário de rock na cidade de Belém. Com trinta anos de atividades, a banda Delinquentes é uma das principais referências da cena rock de Belém atuando sempre de forma independente e, no chamado, meio underground. A pesquisa foi realizada, principalmente, através de entrevistas e o resultado disso é a produção de um filme documentário sobre a banda, abordando o contexto de quando ela fora criada; as relações que eles estabeleceram com os outros personagens da cena local e a produção e o processo de criação da banda. O trabalho escrito em forma de memorial, busca recriar um dos mais importantes meios de divulgação das bandas independentes há três décadas: o fanzine. Além disso, propõe uma reflexão sobre a importância da banda na construção de uma cena musical underground que já não é mais tão primitiva e amadora, mas que precisou se profissionalizar e se adequar aos novos modelos de comercialização da música.

A arte popular entre o real e o fantástico: o imaginário na xilogravura e no cordel de J. Borges usa uma investigação sobre a Arte Popular através do estudo da arte de J. Borges e os vários olhares voltados a esse tema desde a primeira metade do século XX. A pesquisa sublinha o entendimento e o posicionamento de artistas e estudiosos sobre o papel da arte do povo brasileiro na criação de uma identidade nacional e cultural, assim como o espaço da arte popular no sistema de arte; particularmente os aportes de Mário de Andrade e Lina Bo Bardi e as considerações de Gilbert Durand e Michel Maffesoli sobre o imaginário. Ao longo dessa narrativa é traçado um panorama possível da arte popular e sua evolução (ou evolução do seu estudo e debate) para ambientar e situar o tema historicamente até os dias atuais. Em meio a isso, a pesquisa apresenta o artista pernambucano J. Borges, reconhecido por seus cordéis e suas xilogravuras. O trabalho tenta demonstrar como o artista é influenciado pelas mais diversas questões e transpõe isso para seu trabalho, fazendo dele um relato de experiências cotidianas, sociais e imaginárias. Pesquisa bibliográfica com entrevistas e observações de campo e de vida se encontram para construir este trabalho e formar uma base - entre tantas possíveis - sobre a qual se pode pensar e discutir a arte popular brasileira.

A presente dissertação aborda a experiência com jogos (games), focada em estudo de caso que considera a análise da imagem, a experiência e os modos de mediação propostos pelo jogo Journey (TGC, 2012). Para tanto, observa-se as características interativas, simbólicas, de interface e de funcionalidade do jogo em questão e suas possibilidades de diálogos estéticos com outras formas de artes, como os quadrinhos e a ilustração. Nessa perspectiva, valemo-nos de teorias e autores que consideramos pertinentes ao estudo de caso e relacionáveis a aspectos importantes para a abordagem do jogo (Johan Huizinga; Roger Caillois; Eric Zimmerman; Katie Salen), do imaginário (Gilbert Durand; Philippe Malrieu), da experiência em geral e da experiência estética em particular (Robert Solomon; John Dewey) e da linguagem e da mídia (Lucia Santaella; Julio Plaza; Monica Tavares). Tendo a interação lúdica como lente, promove-se uma análise dos meandros do jogo, suas relações com o(s) jogador(es), as questões propostas durante e no fim de sua experiência para, assim, compreender como ocorre o mimetismo com outros meios de expressão que não apenas o próprio jogo. Os atravessamentos teóricos tendem a cooperar com os estudos do jogo enquanto campo expandido da arte.

Fundamentada na Etnocenologia em sua perspectiva transdisciplinar, esta pesquisa buscou compreender a espetacularidade das roupas utilizadas por Mariinha de Jesus Costa Feio, mãe-de-santo e zeladora do Terreiro Estandarte de Rei Sebastião, localizado na Ilha de Outeiro, no Pará. As roupas são vestidas em dias que se festeja as entidades cabocas do Tambor de Mina, Herondina e Maria Légua – chefa e contra-chefa da mãe-de-santo respectivamente – e que pertencem a uma categoria de encantados do panteão mineiro – conforme Luca (2010), os encantados são descritos como os que não passaram pela experiência da morte e fizeram morada em encantarias: matas, rios, entre outros ambientes. Para compreensão dessas roupas e vivência plena junto ao fenômeno pesquisado, valeu-se dos pressupostos da pesquisa etnográfica de Geertz (2014); o período de vivência no terreiro compreendeu de junho de 2015 a maio de 2016, no qual se vivenciou duas festas: da caboca Herondina em agosto e da caboca Maria Légua em dezembro. Esta pesquisa visa contribuir para os estudos etnocenológicos na Amazônia, tendo em vista a força e a tradição do Tambor de Mina no Pará. Destaca-se também a importância para os que trabalham com roupas em um contexto geral e mais especificamente aos figurinistas, pois durante as reflexões e escrita desta dissertação, assumi a proposição autoral da Figurinista-Etnocenológica, que necessita exercitar constantemente o olhar ontológico – no sentido elaborado por Paes Loureiro (2008). Exercício este que ajudou a compreender o caráter espetacular dessas roupas, que para sua feitura atendem especificidades previamente organizadas, sobressaindo o que a mãe-de-santo deste lugar diz sobre as suas cabocas e os mitos relacionados a Dona Herondina e Dona Maria Légua.

Waldemar Henrique compôs diversas canções, peças para piano solo, coro, orquestra, músicas para novela, teatro e filmes inspirados no folclore amazônico, indígena, nordestino e nas representações das crenças e dos hábitos das populações afrodescendentes na Amazônia e no Brasil. A presença da cultura afro-brasileira na obra de Waldemar Henrique pode ser percebida pela simples observação das letras, ritmos e gêneros utilizados em diversas de suas obras. Investigar os fatores que contribuíram para a presença da cultura afro-brasileira na obra deste compositor foi o objetivo principal desta pesquisa. Os específicos: fornecer informações contextualizadas sobre Waldemar Henrique; verificar como o compositor aborda a temática afro-brasileira em suas composições e, descrever e analizar as composições denominadas de “Pontos Rituais”. Para isso, foi necessária a busca de informações contextualizadas sobre a vida e a obra do compositor, verificando sua possível relação com pessoas ligadas à cultura afro-brasileira, e a análise de sua obra. Nosso ponto de partida foi a revisão da bibliografia disponível, tendo como referência o catálogo de suas obras publicado por Claver Filho (1978) e Miranda (1978), assim como foram consideradas as questões propostas por Béhague (1992), Durand (2001) e Blacking (2000), entre outras, a investigação das dimensões socioculturais e estético-ideológicas no estudo de um compositor, para a compreensão da sua produção musical. Diante da carência de escritos sobre o assunto em tela, foram realizadas coletas de dados em campo, em forma de entrevistas semiestruturadas, e “episódicas”, com personalidades musicais relacionadas ao maestro, que estudaram e analisaram suas obras. A partir dos resultados obtidos, é proposta uma classificação para as obras inspiradas ou que apresentam temas relacionados à temática afro-brasileira em três categorias e um catálogo atualizado da obra do compositor.

A pesquisa parte da pergunta: Como ocorre a prática musical da Associação de Koto de Belém? Para respondê-la parto da abordagem Etnomusicológica e do método da Cartografia para abordar está prática musical. Sendo uma prática musical nipo-brasileira emergem conceitos que permitam tramar os conhecimentos obtidos junto à Associação de Koto de Belém, partindo da vivência como membro do grupo, e compartilhando textos que me serviram para imergir na prática musical. Entre estes conceitos que compartilho nessa pesquisa há: Transterritorialização musical (SATOMI, 2004), Mudança musical (NETTL, 2005; BLACkING, 1995) e energia musical (NETTL, 2005). Pareyson (2005) e Rangel (2015) imergem na pesquisa como método de estruturação e formação da dissertação, onde há o recolhimento de pistas do próprio instrumento musical desta pesquisa (o Koto) para desenvolver as Invocações que constituem todo o texto.

A proposta desta pesquisa tem como foco, os processos criativos de três sambas de enredo compostos para três escolas de samba de Belém do Pará: Amanheceu, do Grêmio Recreativo Jurunense Rancho Não Posso Me Amofiná (1985); Paid’égua, do Império de Samba Quem São Eles (1986) e Sonho Cabano, do extinto Grêmio Recreativo Cultural e Social Acadêmicos da Pedreira. O objetivo geral é investigar aspectos dos processos criativos dos sambas de enredo: Amanheceu, Pai d’égua e Sonho Cabano. Os objetivos específicos visam conhecer a trajetória artística dos compositores dos sambas objetos do projeto; verificar os aspectos históricos das escolas de samba Grêmio Recreativo Jurunense Escola de Samba Não Posso Me Amofiná (Rancho), Império de Samba Quem São Eles e Escola de Samba Acadêmicos da Pedreira e analisar os sambas de enredo: Amanheceu, Pai d’égua e Sonho Cabano.  A pesquisa se fundamenta na Etnomusicologia. Para tanto, levou-se em consideração, a trajetória artística de seus compositores e o histórico das escolas de samba onde esses sambas se originaram. A metodologia apoia-se em entrevistas, com os compositores dos sambas e outras pessoas envolvidas na história e na composição dos sambas já citados, leituras e levantamento documental relacionado à Etnomusicologia, Carnaval, Carnaval paraense, samba, e samba de enredo.

Esta dissertação apresenta a mitoanálise do curta-metragem paraense de 2011 “Juliana Contra o Jambeiro do Diabo pelo Coração de João Batista”, escrito e dirigido pelo cineasta Roger Elarrat. A mitoanálise objetiva apontar vestigios do deus grego da morte, Thanatos perpassando o enredo do filme.Utilizo“A Jornada do Herói” (ou teoria do Monomito), desenvolvida pelo norte-americano Joseph Campbell, somada ao universo da Mitoanálise (ou Mitanálise) do francês Gilbert Durand, como embasamento teórico. Para o procedimento metodológico deste trabalho, recorro à zona de sfunatto, de Paes Loureiro. Para legitimar este sfumatto, inauguro a linguagem lúdico investigativa como meio expressivo a dar voz a um texto lítero-científico. Transgredindo com os moldes acadêmicos da escrita dissertativa, apresento ao leitor uma narrativa ficcional reflexiva, no corpo de um conto fantástico repleto de personagens conceituais desenhados por mim, os quais conduzem o leitor à compreensão do passo-a-passo da mitoanálise apresentada.

Essa pesquisa se lança no universo da imagem para livro infantil, tendo como objetivo geral, analisar a interação verbo/visual no livro paraense “A história das crianças que plantaram um rio” (2013) a partir de uma compreensão complexa das imagens. A pesquisa se desenvolve em três capítulos: o primeiro reúne páginas da história da ilustração, percorre as suas origens, o contexto europeu, a ilustração brasileira e alcança algumas considerações sobre a ilustração infantil no Pará. O segundo capítulo trata das nuances teóricas da pesquisa, apresenta as bases epistemológicas dos Estudos Visuais sob a introdução de Domènech e seu conceito de “ecologia”, seguido pelo conceito de “mimese” aristotélica, revisitado por Guerbauer e Wulf, pelo qual encontramos as produções estéticas como fenômenos inscritos no território simbólico e aportamos no campo do imaginário, sob a ótica de Gilbert Durand. O terceiro capítulo se dedica à análise do livro mencionado, aspectos concernentes às relações entre texto, imagem e suporte, seguidas de leitura das imagens e suas ressonâncias simbólicas. A metodologia consiste em uma abordagem qualitativa para os dados levantados, em uma pesquisa de tipo exploratório-descritiva, com procedimentos de pesquisa bibliográfica e documental, desdobrada em estudo de caso. Esperamos que esta investigação contribua para os estudos no campo da visualidade e para o campo cultura amazônica, bem como para a compreensão da imagem enquanto objeto de conhecimento.

Trânsitos e estratégias epistemológicas em Arte nas Amazônias é a linha de pesquisa que se vincula esta dissertação. Tem como objeto de estudo as pinturas de paisagens de Pinto Guimarães, desenvolvidas durante a segunda metade do século XX. Relaciona as suas características estilísticas às das pinturas impressionistas produzidas na França na segunda metade do século XIX. Tem como objetivo examinar as pinturas do artista paraense Pinto Guimarães, tanto nos seus aspectos procedimentais de execução, quanto na escolha temática dos cenários e dos motivos paisagísticos, bem como a visualidade da técnica pictórica. A metodologia é teórica com aporte documental e biográfica. Examina pinturas produzidas pelo artista no período de 1963 a 1997 à partir de obras originais e da leitura de fotografias de obras importantes, mas não encontradas em acervos. Reúne autores da história da arte que tratam dos fundamentos da escola impressionista francesa, dentre os quais destacam-se Argan (1992), Balzi (2009), Cavalcanti (1981), Gompertz (2013), Lobstein (2010), Mason (2009), Newall (2011), Serullaz (1989) e Hauser (1998). Esclarece-se o legado visual que as pinturas de paisagens trouxeram para a contemporaneidade da arte pictórica em Belém, conforme as influências estilísticas que elas estavam submetidas durante o período em que foram realizadas. Disso resulta que o estudo aponta para as marcas objetivas de existência de um impressionismo na obra do artista e de características vinculadas à modernidade, mas também, revela as verdadeiras motivações que conduziram o autor para o desenvolvimento das suas pinturas de paisagens.

Este trabalho apresenta um instrumento musical virtual para o gênero musical uirapuruverdadeiro, expressando uma das linguagens musicais presentes nas pesquisas de Albery Albuquerque Junior, linguagem esta baseada na musicalidade do universo sonoro dos animais, denominada de Música Viva da Floresta. Trata-se de um projeto de software de comunicação síncrona, constituindo-se de um dispositivo de cristalização deste gênero musical, no entanto, transfigura-se esteticamente dentro dos processos de transmissão de dados que as redes web oferecem atualmente. Dessa forma, utilizando mecanismos de aleatoriedade temporal, apresenta assimetria nas sonoridades executadas, causadas pelas variações de velocidades em que os dados são enviados na rede. Temos assim a apresentação de dois elementos: em primeiro lugar a linguagem musical dos animais de onde se constitui as sonoridades uirapurinas, e em segundo um software que constitui o instrumento musical virtual. As sonoridades e o software são respectivamente fundamentados no Transmorfismo de Albery e na Estética Relacional de Nicolas Bourriaud.

Esta dissertação apresenta fragmentos de narrativas de vida de duas mulheres de teatro, a partir do encontro ocorrido em momentos decisivos de suas vidas. Uma artista veterana como referência, Wlad Lima, e eu, Marluce Oliveira, aprendiz do ofício de ser atriz. No primeiro ato, registro minhas memórias traduzidas em cenas cotidianas e artísticas. No segundo ato, o encontro de duas mulheres gordas, com semelhantes vivências; destaco a poética da atriz veterana e seu envolvimento profissional; espaços onde trabalharam, dividiram e (des)construíram sonhos; semelhanças identificadas desenvolvidas no lado afetivo, familiar e profissional ao longo dos anos. Esse encontro foi determinante para a poética emergente da pesquisadora, como atriz iniciante. No terceiro ato, um estudo do espetáculo O Homem Que Chora Por Um Olho Só, adaptação do texto Os Sete Gatinhos, do dramaturgo Nelson Rodrigues. Este espetáculo repercutiu fortemente em nossas vidas, uma como encenadora, a outra como atriz. O estudo visa ainda compreender especificidades e correlações do encontro poético entre nós.  Divergências e convergências identificadas em fragmentos vividos compreendem esse encontro. Metodologicamente, a pesquisa foi efetivada sob o enfoque da etnometodologia, a partir de entrevistas abertas, análise de documentos, memória individual, e referenciais necessários. Amparada pelos autores François Dosse, Michel Maffesoli, Ecléa Bosi, e a obra da encenadora pesquisada: Dramaturgia Pessoal do Ator, dissertação de mestrado. Obra mediante a qual revisito memórias e registros de um espetáculo fundamental em nossas trajetórias de vida.

A presente pesquisa tem como objeto a sistematização do ensino do violão em Belém do Pará, enfatizando o seu uso como instrumento solista. No Pará, o violão foi introduzido pelo colonizador português, sendo poucas as informações sobre quando, como e por que este ensino foi sistematizado, daí a necessidade deste estudo. O objetivo geral foi investigar como se deu a sistematização do ensino de violão solo na capital paraense. Os objetivos específicos consistiram em: apresentar breve histórico sobre a sistematização do ensino de violão solo em Belém tomando como base o Instituto Estadual Carlos Gomes, analisar como o violão solo foi introduzido e como vem sendo constituído seu ensino e sua prática ao longo de diferentes gerações e refletir sobre o legado do processo de sistematização para a comunidade local quanto à prática de violão solo e a contribuição dos seus principais colaboradores (compositores, intérpretes e didatas) para a atual conjuntura do ensino do instrumento em Belém do Pará. A metodologia compreendeu estudo bibliográfico, análise documental e entrevistas no âmbito da história oral.

A Casa da Atriz: uma Cartografia Desassossegada das Sociabilidades de um Coletivo Teatral em Belém do Pará assume como princípio criador arriscar-se por caminhos bifurcados, que a investigação das conviviabilidades deste coletivo teatral, exige. A pesquisadora sabe que para desbravar caminhos iniciais de uma cartografia precisa criar um território existencial entre as jornadas anteriores e o presente para compreender, a necessidade ou não, da existência da casa-útero. Tem como fundo da investigação, outras casas-sedes aqui reconhecidas como geografias interiores onde moradores e abrigos se confundem, convergindo memórias, sentimentos e poéticas. Como objeto, sensações dicotômicas existentes e habitantes em ambas as estruturas (viajante e casa). No meio dos caminhos, no entre, a escolha da pesquisadora é ser cartógrafa da alma e dos desassossegos, andarilha e moradora. Ao se lançar no caminho do pensamento poético, descobre nos traços dos passos deixados no asfalto fervente outros pés, então, sabe-se acompanhada por outros caminhantes em livros: Gaston Bachelard dizendo do bem mais precioso, o ter e o ser casa; Fernando Pessoa poetizando que os descaminhos desassossegados existentes nos planos das ideias e a vida não passam de um ensaio do poder vir a ser; Lewis Carroll e Alice como seres que arriscam o novo, o tempo todo; e Ítalo Calvino, presente nas linhas do imaginário, que retrata e reconhece através da fábula, o próprio habitat. Assumindo o erro e o inacabado como parte dos caminhos percorridos, a artista-pesquisadora precipita uma nova jornada.

O objetivo principal desta pesquisa foi o de investigar a experiência de construção de uma “identidade”, a partir de um repertório musical do Coro Cênico da UNAMA, que originou a produção da série de CDs Trilhas D’Água, constituído de repertório musical de carimbós, lundus, cantos pastoris, cordões-de-bicho, bois, acalantos e canções, uma releitura do universo musical amazônico para a linguagem do canto-coral. Questões como de que forma a mudança no repertório musical contribuiu para a construção da “identidade” do grupo, as transformações observadas nos coristas quanto ao pensamento, o comportamento e o próprio som gerado, na comunidade acadêmica que o mantém, assim como no contexto cultural em que este grupo se insere são abordadas. A dissertação é estruturada em três seções. A primeira apresenta uma biografia contextualizada do Coro Cênico da UNAMA; a segunda descreve o processo de ensino e aprendizagem do grupo e, a prática musical é analisada na terceira, considerando a esfera social na qual o grupo se insere. São utilizadas fontes bibliográficas sobre mudança musical e identidade musical, à luz da etnomusicologia. Levantamento de dados disponíveis em blogs, revistas e sites sobre a prática coral foram realizados, assim como entrevistas “semiestruturadas” e “episódicas” com a comunidade acadêmica, alunos participantes do grupo, antigos alunos, reitor e pró-reitor da instituição, compositores e a regente, considerando a história oral recontada pelos agentes que constroem e executam a prática musical de alguma forma na universidade. Parte-se do princípio de que esses agentes são as pessoas que detém as bases e as concepções do que seja a prática musical na Universidade da Amazônia.

Sabe-se que a educação musical possibilita desenvolvimento de várias habilidades, no que diz respeito ao ensino de música para crianças com deficiência ou transtornos, em especial nesta pesquisa Transtorno do Espectro do Autismo (TEA) a educação musical vai além do processo de ensino aprendizagem. Com este trabalho pretendeu-se Analisar o aprendizado musical de crianças com Transtorno do Espectro do Autismo em aulas de percussão. Para o alcance do objetivo prosposto, foi realizado um curso de treinamento teórico e prático para graduandos a fim de introduzi-los a pesquisa ciêntifíca e para que estes podecem atuar como monitores. Foi repassado a estrutura da intervenção e forma de manejo com as crianças. Participaram desta intervenção 20  crianças com idades entre 6 e 9 anos, sendo 8 com autismo e 12 típicos (sem o transtorno). Cada responsável assinou um termo de consentimento livre esclarecido, onde constavam os objetivos desta pesquisa, preencheram o relatório que traçou o perfil comportamental de cada criança. A coleta de dados foi realizada na Escola de Música da Universidade Federal do Pará. Cada dia de intervenção tinha duração de 1h e ocorria uma vez por semana, durante 3 meses, constando de 10 atividades fundamentadas nos métodos de Carl Orff e Zoltán Kodály. Para realizar a avaliação do aprendizado musical desses alunos, foi utilizado a Escala de Avaliação do Aprendizado musical-Percussão, construída por Oliveira, Pantoja, DeFreitas Jr., Espírito Santo e Nascimento (2011), a partir da adaptação da Escala de Verificação do Aprendizado Musical no Instrumento Violoncelo (DEFREITAS Jr., 2007), esta Escala vem composta por instruções e ilustrações para melhor compreensão do avaliador

Os jogos eletrônicos se configuram em uma experiência estética e cultural (Zimmerman, 2004) profundamente relacionada à vida contemporânea. A Amazônia, em conexão com o pensamento global a partir das culturas urbanas de suas metrópoles, participa deste universo muito mais como receptora que como produtora de conhecimento científico e artístico. Em resposta a essa lacuna esta dissertação parte da investigação do projeto em aberto do jogo “O Chalé” observando-o como um objeto de arte de criação coletiva, concebido e desenvolvido de maneira independente, explorando seu percurso criativo e a expressão de suas ideias. A partir dessa experiência, contextualiza o cenário atual dos videogames sob a ótica de seus entrecruzamentos com o universo artístico e traça aproximações entre game arte e game de mercado. Ao abordar o desenvolvimento intuitivo de um processo criativo de videogame a partir de uma perspectiva interna, esta dissertação abrange um objeto hipermidiático e intercultural (Canclini, 2009) cujo conteúdo conecta uma série de  atravessamentos que também são epistemologicamente pertinentes como a cultura amazônica em diálogo com a cultura global, seu imaginário e história, sem abandonar suas questões estéticas e representações visuais.

É dentro deste armário que esta pesquisa visa se debruçar para investigar minhas
encenações teatrais, meu solo de imanência e de composição. São elas, a saber: Ao Vosso
Ventre (2012), Amem!(2013) e Santa Pocilga de Misericórdia (2014). A partir da realização
do que chamo de Trilogia do Armário, tendo como norte metodológico as quatro variações da
atenção do cartógrafo, pretendo insinuar uma aproximação da reflexão teórica sobre o
cuidado de si da discussão acerca do ofício do encenador teatral da cidade de Belém, para
então, investigar a forma como minhas encenações teatrais, já citadas, podem ser defendidas
como uma prática de liberdade, um estilo de vida, que implica em uma existência ética e
estética. Sigo acompanhado dos pensamentos dos filósofos Nietzsche e Foucault para
responder uma questão disparadora: É possível pensar os processos de encenação teatral de
um artista homossexual como uma prática de liberdade comprometida com um processo de
estilização da vida? Acredito que exista uma linha que atravessa estes três processos de estilização da vida? Acredito que exista uma linha que atravessa estes três processos de encenação onde posso encontrar diversas semelhanças e divergências que apontam para uma estilização da vida. Minhas encenações teatrais dão conta de tornar a minha “saída do armário” em um convite ao exercício de problematizar o próprio ato de se “esconder no

armário”.

A presente pesquisa aborda parte da obra de Sinval Garcia (1966 -2011), que realiza significante produção no âmbito das Artes Visuais no Brasil. Em sua produção, abordaremos as exposições Samsara (1997), Paisagens Invisíveis (2005) e A Câmara da Transmutação Secreta (2009). Este recorte de sua obra se constitui no interstício entre a fotografia e outras linguagens, os concentrando, especialmente, na relação estabelecida com a pintura, observada nos
vínculos entre os trabalhos dentro do contexto da produção do artista. Para tal foram
utilizados os conceitos sobre fenomenologia de M.Merleau-Ponty, o estudo de Laura
Gonzalez Flores sobre fotografia e pintura, além do pensamento de Vilém Flusser
acerca de uma filosofia para a fotografia. Este trabalho pretende colaborar para as
discussões de uma História da Fotografia Contemporânea no Pará e no Brasil, bem
como contribuir para o posicionamento reflexivo e crítico da arte contemporânea em
âmbito nacional.

Esta pesquisa investiga o processo de criação da visualidade em iluminação cênica dentro dos espetáculos da Companhia Moderno de Dança. Entendendo que a iluminação cênica no processo criativo desta companhia absorve os princípios criadores do corpo que dança e desenvolve sua poética própria, aponto aqui as aproximações entre a metodologia do grupo, isto é, a dança imanente, e os procedimentos que permeiam a criação da iluminação na referida companhia. Partindo de uma análise das suas particularidades cenográficas e das visualidades obtidas na cena através da iluminação cênica, a pesquisa tem como mote a busca pela assinatura visual do iluminador cênico e o modo como este desenvolve seus processos de criação. Como fundamentação teórica utiliza-se os estudos sobre estética da luz, criatividade e processos de criação e dança imanente, entre outras teorias que tratem de visualidade e corporeidade. Como metodologia utiliza-se o referencial da etnopesquisa, na perspectiva da observação participante, adotando como estratégias a pesquisa bibliográfica, entrevistas abertas e análise documental. Dessa forma, dar-se-á bases para o entendimento desta visualidade obtida na dança contemporânea, assim propondo a ampliação do conceito de Atmosfera Influente por meio da aproximação da dança imanente, desenvolvendo e organizando a Atmosfera Imanente como uma assinatura visual do iluminador cênico.

Esta de pesquisa tem como proposta compreender de que maneira um professor de música articula suas vivências em banda musical em Santarém-PA com a formação em licenciatura em música em sua atuação na educação básica. Optei por uma abordagem qualitativa, fazendo uso da entrevista na perspectiva da história oral. O intuito é de contribuir para a compreensão do processo de formação do professor de música no início do século XXI, em Santarém, de modo a subsidiar tomadas de decisão para o incremento do ensino da música na escola de educação básica, em Santarém-PA.

Bonecos formado em 1996 em Belém, e que até os dias atuais tem sido referência na cena teatral paraense, principalmente no que se refere à linguagem do teatro com bonecos.  A pesquisa se debruça sobre a dramaturgia do grupo, explora os procedimentos que induzem a criação do espetáculo com bonecos, assim como analisa os elementos indutores que se apresentam como componentes da encenação do grupo. A perspectiva metodológica rizomática, de Gilles Deleuze e Félix Guattari, dá suporte a compreensão desta poética, de criação de uma obra artística em continuidade. O sobrevoo sobre a experiência desta dramaturgia utiliza como instrumento de navegação um movimento em direção à compreensão dos seus signos de processualidade ou codificações artísticas. Uma ação sobre um campo de concepções estéticas e éticas da obra do grupo In Bust Teatro Com Bonecos, um panorama deste platô constituído de criações de espetáculos. Pensar esta dramaturgia tem como propósito observar, através dos espetáculos Fio de Pão – A lenda da Cobra Norato, O Curupira, Humanos e Catolés e Caraminguás, os elementos componentes deste platô, ou melhor, utilizando uma terminologia rizomática, as raízes pivotantes que ramificam e proliferam esta criação artística, seus aspectos preponderantes, como o boneco enquanto objeto-personagem, o jogo entre este e o ator, a relação com a plateia, a desconstrução da neutralidade do ator-manipulador e a atuação híbrida do ator e do boneco na cena de animação.

Esta dissertação tem como objetivo principal reunir acervo de informações sobre a consolidação de uma cultura cinematográfica, com ênfase nos filmes considerados de arte, a partir da trajetória de atuação de Alexandrino Gonçalves Moreira (A.G.M.), importante colaborador da atividade cineclubista em Belém do Pará. Registrar tal trajetória; os parceiros envolvidos; influência e legado deixados para os amantes do cinema; destacar a importância das histórias dos que ajudaram a transformar o cenário cultural cinematográfico da cidade de Belém-PA é, uma espécie de dívida a ser paga a todos os cinéfilos. Neste estudo, A.G.M. e seus colaboradores mais próximos, além de revelar a urgência da continuidade de ações dessa natureza, para manter e ampliar olhares e estudos sobre cinema como memória/arte na cultura local.

A partir dos conceitos de memória, tempo e cultura; trânsitos culturais; narrativas de vida; esquecimento; cinema de arte; cineclubismo dentre outros conceitos, a pesquisa foi embasada nos autores Ecléa Bosi, Jerusa Pires Ferreira, Kátia Canton, Marc Augé, André Bazin, Pedro Veriano, Antoine de Baecque entre outras referências adequadas a esta pesquisa.

Ao registrar e analisar a trajetória profissional de A.G.M. na área cinematográfica foi evidenciado a importância de suas ações, desde o papel como cineclubista até seu maior sonho, ter salas de cinema para a criação do circuito exibidor chamado Circuito Cinearte. Este, a partir da sua programação inspirada nos ideias cineclubistas, formou plateia e outros olhares sobre o cinema em Belém do Pará.

Para esta pesquisa, foram utilizados livros, jornais, artigos, revistas e demais publicações como fontes de consulta incluindo sites específicos e informações disponíveis em outras modalidades on lineForam realizadas entrevistas com personalidades que, direta e indiretamente, participaram do período pesquisado. As entrevistas tiveram a finalidade de aferir a recepção do público com relação ao alcance do circuito cineclubista, principalmente, com as ações elaboradas por A.G.M. no Circuito Cinearte. A análise contextualizada permitiu o registro consubstanciado do objeto/sujeito desta pesquisa.

Este trabalho consiste em uma tradução visual e sonora das intervenções cotidianas produzidas
por trabalhadores do Complexo do Ver-o-Peso – maior feira a céu aberto da América Latina – e
do centro comercial em seu entorno, localizados em Belém (PA). Considerando esses espaços
como um Corpo Espalmado Movente – proposição desta dissertação –, que compreende a
totalidade urbana e humana como uma imensidão, espaço obrado dinamicamente espalhado,
fragmentado, organismo em expansão regido por suas movências. Essa tradução em som e
imagem é representada através de fotografias e gravações em áudio e vídeo, tudo com uso de
baixa tecnologia de captação e produção, coletadas em pesquisa de campo a partir de uma
Etnografia de Passagem, em que descubro a dinâmica cultural desse universo do trabalho,
traçando meus próprios caminhos e refazendo-os sempre que necessário, mantendo-me perto
e dentro.De passagem, percebo a Semiosfera desse corpo, baseada nos estudos do semioticista
da cultura Iúri Lotman; seu estado de Liminalidade, a partir do conceito de Victor Turner; e as
correlações entre Trabalho, Obra, Arte-Ação, apoiada nas teorias de Hannah Arendt. No
atravessamento entre diversas linguagens, aproprio-me da Intermidialidade, presente em Claus
Clüver; dos princípios da Música Aleatória, representada por John Cage; da Paisagem Sonora,
explorada por Murray Schafer e Carlos Fortuna; e da Antropologia Fílmica, aprofundada por
Claudine de France. Como resultado, apresento os tecidos fotográficos, um ensaio de imagens
recriadas pelas frestas saturadas do Ver-o-Peso; além de uma (inicial) grafia sonora, mapas
construídos a partir das ocorrências sonoras das paisagens; e um ensaio audiovisual
experimental, discurso em que abstraio a realidade e exercito a composição em som e imagem.

A pesquisa intitulada “MEMÓRIA E ORALIDADE EM MÃE DAS ÁGUAS.
Performance de Narradores em Icoaraci”, apresentada ao PROGRAMA DE PÓSGRADUAÇAO
EM ARTES (PPGArtes), se vincula à Linha de Pesquisa Processo de
Criação e Atuação em Artes, Instituto de Ciências das Artes-ICA, Universidade Federal do
Pará. O trabalho expõe a trajetória e envolvimento com contadores de histórias de Icoaraci,
procurando evidenciar a riqueza do patrimônio imaterial desta comunidade. O objetivo
central é o registro das narrativas, com ênfase na memória dos contadores e na
performance dos mesmos ao narrar os fatos. Procuramos, ainda, demonstrar e destacar a
importância da memória enquanto elemento construtor das identidades das pessoas desse
lugar.
As narrativas foram coletadas nas “Rodas de Conversas” e delas emergem olhares e
falares sobre o local; saberes e curiosidades; particularidades e pontos comuns ou distintos.
Os participantes das Rodas materializam, através da palavra, dos gestos, das expressões
corporais e faciais, acontecimentos, vivências reais ou imaginárias, que, na maioria das 

vezes, se relacionam com a identidade amazônida de nossa gente. A voz, os gestos, o
corpo, o silêncio, expressam sensações que advêm dessas reminiscências. A memória
lembrada – e, por vezes, esquecida - eterniza experiências de sujeitos que vivem o presente
com lembranças do passado; deixam-se perceber através da performance; ganham forma e
trazem para o momento atual lembranças/imagens de épocas e acontecimentos idos.
O trabalho se pauta no valor que a memória, performatizada pela oralidade, tem para
afirmação, pertencimento e emancipação desses sujeitos cujas histórias pouco aparecem no
mundo letrado, defensor de relatos históricos que primam pela verdade dos fatos. Um
registro dessas memórias, fundamentais para a comunidade e os sujeitos/moradores de
Icoaraci, quer pertençam ou não nesta pesquisa.

O presente trabalho, de natureza qualitativa, investigou a Capoeira do Grupo Muzenza, de
Belém do Pará, à luz dos Estudos da Performance, contribuindo, assim, com as pesquisas sobre
Capoeira e Performance no âmbito acadêmico das Artes Cênicas, no Brasil. Ao compreender a
Capoeira como performance, privilegiando a análise de alguns de seus elementos constitutivos,
tais como jogo e a luta – categorias nativas utilizadas pelos capoeiristas em praticamente todos
os grupos do país –, a pesquisa filia-se a uma rede de teóricos voltada para a construção
epistemológica da performance enquanto categoria analítica. São eles: Victor Turner, Richard
Schechner, Paul Zumthor, Jorge Glusberg e Aldo Terrin. O estudo foi desenvolvido em duas
etapas: a primeira corresponde a uma revisão bibliográfica da literatura (livros e teses) sobre
Capoeira produzida no Brasil, dentre os quais citamos: Waldeloir Rego, Nestor Capoeira,
Eusébio Silva, além das referências dos Estudos da Performance já citados. A segunda
correspondente a uma pesquisa exploratória, de caráter etnográfico. Após coleta de dados e
análise desse material, chegou-se a seguinte apontamentos: de que os elementos constitutivos
para realização do jogo de capoeira do Grupo Muzenza transcendem a peformance puramente
corporal (habilidades motoras), para revelar outras características mais sutis, tais como
improviso, risco, surpresa, susto, etc. Esses elementos, considerados fundamentais para a
cultura praticante, assim, foram identificados na performance (jogo, luta) dos capoeiristas do
Grupo Muzenza, tanto nas rodas públicas de Capoeira (apresentações artísticas e acrobáticas)
quanto em seus treinos cotidianos.

As cenas poéticas da Marambaia pulsam a condição ontológica desta pesquisa que se desafia
por si própria, pela via de escrituras erráticas e cujos fragmentos revelam/refletem a produção
de poetas/criadores de uma possível e invisível arte periférica, aqui afirmada dionisiacamente
por uma estilística aforismática (Nietzsche) e por uma filosofia rizomática (Deleuze) que
ressignificam as leituras dos percursos espontâneos e das vivências dos artistas da Marambaia.

A abordagem emergente nesta pesquisa relaciona aspectos que direcionam o olhar à trajetória em música de pessoas com Transtorno do Espectro do Autismo (TEA) para adquirir um diploma em música. Este é um estudo de caso do processo de formação no curso técnico em música de pessoas com TEA, para tanto foi selecionada a Escola de Música da Universidade Federal do Pará (EMUFPA) por ser uma escola técnica em música que já formou estudantes com TEA. A pesquisa tem como objetivo geral compreender o processo de formação em música de estudantes com TEA no curso técnico da EMUFPA. Se desdobrando especificamente em identificar o papel do Programa Cordas da Amazônia (PCA) na inserção de pessoas com TEA para o aprendizado musical; descrever a ação do Núcleo de Atendimento a Pessoas com Necessidades Específicas (NAPNE) da EMUFPA, relacionada aos estudantes com TEA; e analisar o processo de formação em música de estudantes com TEA no curso técnico da EMUFPA. Para o alcance do objetivo proposto foi adotada a abordagem qualitativa e como técnica de coleta de dados foram utilizados a entrevista semi-estruturada e análise documental. Os interlocutores de pesquisa foram: o diretor do PCA, o coordenador do NAPNE na EMUFPA, a diretora da EMUFPA, dois (n=2) estudantes com diagnóstico de TEA formados no curso técnico da EMUFPA e suas respectivas cuidadoras. Os dados obtidos nas entrevistas semi-estruturadas foram transcritos literalmente, categorizados e analisados juntamente com os documentos evocados na pesquisa. O pesquisador da presente investigação aponta o PCA com um ação efetiva diante da inserção de pessoas com TEA na aprendizagem e atividade musical; dificuldade na implantação do NAPNE na EMUFPA pela falta de recursos materiais, humanos, didáticos, estruturais e financeiros, bem como a falta de definição de papeis entre a DIS e o NAPNE e apoio da escola; também demonstra caminhos diferentes percorridos pelos estudantes com TEA, mas destaca o interesse, a oportunidade, as barreiras, conquistas e continuidade como partes relevantes do processo de formação. A contribuição desta pesquisa ultrapassa os casos particulares dos atores envolvidos, emergindo na elaboração de propostas concernentes à educação musical de pessoas com TEA, culminando na sua formação profissional e em seus efeitos podendo se referir também as diversas necessidades específicas.

Esta pesquisa analisa o percurso da transciação entre palavra, imagem e corpo no processo de criação coreográfica, com o intuito de desenvolver uma reflexão sobre este na cena da dança contemporânea. Para tanto, foram realizadas experimentações nos períodos de setembro de 2013 a março de 2014 com o Grupo de Dança Moderno em Cena - GDMEC. Estas experimentações são consideradas como sugestão de uma metodologia para desenvolver e compreender a transcriação coreográfica, associando-a metaforicamente ao ciclo de vida da borboleta. Acredita-se que este estudo auxilie na reflexão sobre os processos de criação em arte e, mais especificamente, na potencialidade criativa dos bailarinos, no que tange suas observações sobre seus corpos, suas imagens e suas palavras em uma experiência transcriativa sob os princípios da poética da dança imanente, vertente da própria dança contemporânea.

Esta dissertação trata da dança autoral dos casais de mestre-sala e porta-bandeira das
escolas de samba de Belém do Pará, participantes das atividades da Academia Paraense de
Mestre-sala, Porta-bandeira e Porta-estandarte, da qual sou instrutora e que serviu de campo
de estudo e aplicação metodológica da pesquisa. A dança autoral é uma proposição
constituída a partir do meu processo de composição coreográfica e pesquisa do movimento
enquanto porta-bandeira, bailarina e professora de dança. Desta forma, esta pesquisa implica
na análise do processo de investigação corporal como fomentadora de assinaturas na dança
que identificam e diferenciam os casais de mestre-sala e porta-bandeira, mesmo diante do
compartilhamento de um repertório gestual comum. Assumo como metodologia a etnografia,
a autoetnografia e o “número 3 em sua dimensão simbólica e metodológica na pesquisa em
artes”. A dança imanente é a principal base teórica adotada, por subsidiar minha investigação
sobre a dança autoral através do encaminhamento da dissecação artística do corpo. A
investigação do corpo, dos movimentos, o reconhecimento e assinatura da dança autoral
efetuados pelos casais de Mestre-sala e Porta-bandeira, demarcam resultados alcançados com este estudo.

È UMA NARRATIVA DO COTIDIANO DE UMA PROFESSORA DE ARTES QUE VIVE A CIDADE DE BELÉM DO PARÁ COM UM  OLHAR ESTÉTICO, TÊM O OBJETIVO DE INSTIGAR AS PESQUISAS SOBRE A CIDADE, SOBRE ESTÉTICA E SOBRE ARTE-EDUCAÇÃO TUDO ISSO ATRELADO À ESTÉTICA DO COTIDIANO E RELACIONAL, ONDE TODAS AS VIVÊNCIAS SÃO APROVEITADAS (PERCEPTO E AFECTO) UMA APREENSÃO DO MUNDO. A ARTE É UMA FORMA DE CRIAR MUNDOS ATRAVÉS DE UMA ESCRITURA QUE REVELA OS ESPAÇOS COMO SUPORTE ARTÍSTICO ONDE OS PRÓPRIOS ACONTECIMENTOS QUE SE DÃO NELE JÁ CONDUZEM A UMA POÉTICA. USANDO COMO REFERENCIAS TEÓRICAS BACHELARD, GATTARI, SARTRE, WALTER BENJAMIM ALÉM DE ALGUNS AUTORES QUE PERCEBEM A RUA, O ESPAÇO PUBLICO, COMO SUPORTE DE FRUIÇÃO ARTÍSTICA. A CIDADE, ABORDADA DE FORMA POÉTICA E SUBJETIVA. A RUA E O COTIDIANO URBANO E A ARTE-EDUCAÇÃO CONDUZEM A UM PENSAMENTO E OLHAR INTENSO EDENSO SOBRE OS ESPAÇOS QUE UM CORPO PERCORRE. AS IMAGENS DA CIDADE (ESPECIFICAMENTE BELÉM; CENTRO E PERIFERIA) E AS IMAGENS DO COTIDIANO (COTIDIANO URBANO E COTIDIANO ESCOLAR) ATUAM COMO DISPOSITIVOS DE SUBJETIVAÇÃO SEGUNDO AS PERSPECTIVAS TEÓRICAS ABORDADAS NESTA PESQUISA.

Este estudo tem como objetivo investigar o cacuri numa dupla perspectiva revelada nas narrativas de habitantes das ilhas de Abaetetuba e sua utilização como cenografia Amazônica. A metodologia da pesquisa fundamentou-se na História oral para entender a dinâmica da pesca de Cacuris, analizando os dados em diálogo constante com os estudos culturais e a forma arquitetural do cacrui a partir da teoria da forma, principalmente na obra de Wassily Kandinsky, associando a estética do curral a espacialidades cênicas de priencípio esférico, cuja culminância alcança a criação do projeto cenográfico do teatro Cacuri. O trabalho constata que pelas dificuldades que pescadores de cacuris enfrentam para continuar operando com essa arte de pesca tradicional na Amazônia, pois gerações v~em deixando de praticá-las, o campo cênico ao rpopriar-se da potencialidade de suas formas, transforma-se em arma de luta contra o esquecimento da memória deste saber-fazer local.

Este trabalho apresenta uma cartografia de quatro processos criativos atorais vivenciados pelo pesquisador que foi elaborada com o objetivo de compreender qual o aprendizado adquirido sobre a arte de ator e como foi construído a partir dessa prática. Com base na noção de memória como reinvenção do vivido e no conceito amazônico de dibubuísmo dilatados também como metodologia, e a partir de referencial teórico sobre as ações psicofísicas como base para o trabalho do ator, foi feita uma análise crítica de técnicas, procedimentos e métodos de criação aplicados ou elaborados nesses processos, o que resultou na reinvenção destes a partir de um olhar atual. O resultado desta pesquisa amplia a visão do pesquisador sobre o ator, ao compreender a mente dilatada do atuante como fonte de uma partitura fluida de ações psicofísicas, gerando um conhecimento que poderá ser aplicado em futuras atuações, direções de outros atores e práticas pedagógicas como professor de interpretação e teoria do teatro, além de contribuir para os estudos sobre a arte do ator.

Este  trabalho  consiste  em  pesquisa  por  meio  da  qual  se  pretende  analisar  a
influência das bandas de música na formação profissional do instrumentista de sopro
atuante  em  Belém  do  Pará.  As  bandas  de música  são  abundantes  no  Estado  do
Pará  e,  sobretudo  em  Belém,  há  um  grande  número  de  instrumentistas  de  sopro
oriundos  desses  organismos  musicais.  Elas  estão  presentes  em  instituições
militares, escolas,  igrejas, entre outros. Os músicos de sopro são a grande maioria
nas  bandas  e  também  o  foco  deste  trabalho,  cujo  objetivo  é  analisar  quais  as
influências desses conjuntos sobre os instrumentistas e quais os efeitos na formação
e no decorrer da carreira, analisando  também o contexto social e histórico em que  
estão inseridos. É traçado um breve perfil histórico e social sobre bandas de música,
especialmente em Belém, para entender melhor o perfil de  instrumentistas que  têm
origem nas bandas, os quais, hoje, se encontram em carreiras musicais distintas da
carreira  de  músico  de  banda  ou  continuam  atuando  nelas.  A  investigação  foi
realizada  por  meio  de  pesquisa  bibliográfica,  aplicação  de  questionários  e
entrevistas. Os  resultados  da  pesquisa  devem  contribuir  para  os  estudos  sobre  a
banda de música como um espaço de profissionalização.

A festa dedicada a São Cosme e a São Damião, comemorada no dia 27 de setembro, em
Belém do Pará, acontece de acordo com preceitos provenientes de uma tradição afroreligiosa
constituída de ritos, crenças e narrativas míticas, que permeiam o imaginário dos
adeptos e devotos dos santos gêmeos. É o axé dos terreiros de Mina e do “povo de santo”
(ou “povo santo”), da consonância dos corpos, das vozes várias, tudo dilatado, fruído,
líquido, inebriante e, ao mesmo tempo, híbrido, sincretizado, transculturalizado. É uma
festa! O Tambor de Mina é uma manifestação afro-indígena praticada no estado do Pará,
na qual são cultuados voduns, orixás, caboclos, encantados, nobres, reis, rainhas e erês.
Nesse universo ritualístico, insere-se o centenário Terreiro de Mina Dois Irmãos, no qual é
pesquisada a espetacularidade – noção epistemológica fundamental da Etnocenologia,
ciência que estuda as Práticas e os Comportamentos Humanos Espetaculares Organizados
(PCHEO) – da Festa de São Cosme e São Damião e do comportamento de alguns erês. A
espetacularidade designa um tipo de interação humana, eventual ou habitual mais
extraordinária, que incide de maneira particular no modo de ser, de se comportar e de se
apresentar de forma distinta do dia a dia, em determinadas manifestações da cultura. O
trabalho apresenta descrição e reflexão sobre os diversos momentos da festa, suas
personagens, ações e interação, inclusive com o público de convidados.

O presente estudo configura-se como um exercício poético gerado a partir do caminhar, desenvolvido no km 03 da Rodovia BR-316, situado no município de Ananindeua, Região Metropolitana de Belém-PA. Busca subsídios metodológicos na Teoria da Deriva (IS) para ressaltar a cidade como um espaço de micro-resistências, contribuindo para o desvelamento de outras possibilidades de percepção do espaço urbano.

A Artemídia emerge como campo de estudos, leva em conta intercâmbios culturais e artísticos na contemporaneidade da Arte. Hibridação de conceitos e práticas se ressalta nas interpenetrações de avanços na Arte, Ciência e Tecnologia. Objetiva-se estudar as relações de hibridação nas obras de Artemídia da artista brasileira Giselle Beiguelman. Analisar a ubiquidade, os espaços híbridos, nomadismo e intermedialidade nos fluxos das teleintervenções e propostas metalinguísticas da artista. Dessa forma, abordamos a emulação da ação sistêmica da natureza; a metalinguagem de códigos do impresso e do digital; a intermedialidade dos objetos híbridos de sons, imagens e palavras; interfaces interativas. Discutimos espaços híbridos nas propostas interativas com tecnologias nomádicas. A noção de fluxo é aplicada às relações de hibridação encontradas nas obras. Apresentam propostas metalinguísticas na Internet e teleintervenções. As propostas metalinguísticas empregam morfogêneses e intermedialidades para desenvolver híbridos do impresso e do digital, e expandir o sentido do livro no ciberespaço, reciclando os códigos do livro no/com o digital. As teleintervenções produzem espaços híbridos, conectam ruas, galerias de arte e websites, através de dispositivos nomádicos. Essas obras atuam no contexto de ubiquidade e de ampliação da interação em situações de trânsito entre espaços. Os desvios nas lógicas de programação proporcionam relações de hibridação. As propostas estéticas colocam os fluxos em primeiro plano. O papel da artista se faz programadora de interfaces e de eventos. Emerge a relação sistêmica da obra com o interator.

Este  trabalho se constitui em uma  leitura artístico-estético-crítica da cidade de Barcarena na
busca  de  uma  compreensão  do  seu  espaço  urbano. Ela  se  vale  de  três momentos:  a  cidade
histórica, a cidade imagem e a cidade estética, buscando em uma leitura com Mumford,Argan,
Guimarães,  Lynch,  Rossi,  Deleuze,Guattari,  Calvino  o  modo  comoela  se  instaura  na
história.Esta leitura  aponta  como  essa  urbe  se  encontra  hoje, mas  ao mesmo  tempo  do  que
projeta  no modo  específico  de  vê-la  daí  a  ideia  de  uma  cartografia  de  seus  espaços  numa
escritura entontecida.

Neste trabalho apresentamos uma trajetória possível para a construção do artistacurador,
figura atuante no campo da arte contemporânea e com ação peculiar na
cena artística paraense. Para tanto, traçamos uma trajetória a partir das primeiras
propostas daquilo que hoje concebemos como curadoria, desde os colecionadores
de curiosidades até o surgimento dos primeiros Museus. A partir de entrevistas
coletadas em fonte primária associadas à pesquisa bibliográfica produzimos
documentos vivos da História da Arte Paraense, nos quais delineamos fatos
históricos da cena regional, identificando as ações de montagem de exposições e
personagens que se destacaram na cena artística do contexto do século XIX aos
dias atuais. Na cena contemporânea destacamos as ações empreendidas por
curadores nacionais e regionais, que revelaram o fazer do artista-curador como uma
das classificações possíveis para o campo artístico contemporâneo de Belém do
Pará, onde o fazer do artista e o fazer curatorial se intensificam e se completam no
pensamento e no fazer do personagem-foco: o artista que produz e cura.

Esta pesquisa tem como objeto de estudo os processos empreendidos pelo
fotógrafo e educador Miguel Chikaoka, que impulsionou em Belém, a partir da
década de 1980, por meio das fotoatividades, um intenso movimento de arte e vida
na cena da fotografia paraense, onde desenvolveu concomitantemente um peculiar
método de ensino da fotografia, que se expande ao não delimitar-se apenas como
exercício estético, plástico, visual, mas como mola ativadora de experiências
sensíveis modificadoras, caminho às práticas da liberdade.

O  presente  trabalho  revela  dois  processos  de  experimentações  com  a
imagem  através  da  fotografia:  o  primeiro  direcionado  a  uma  turma  de  alunos  da
Educação  de  Jovens  e  Adultos  (EJA)  de  uma  Escola  Pública  de  Belém/PA,  e  o
segundo direcionado a um grupo de  jovens de uma comunidade do Bairro da Terra
Firme  da  periferia  de  Belém/PA.  Buscando  deflagrar  novas  interpretações  e
subjetividades  a  partir  de  experimentações  com  a  fotografia  em  seus  múltiplos
aspectos, apontamos nossas lentes para além de uma produção técnica, na direção
de uma percepção que adentre o que se vê daqueles que constroem a sua própria
identidade. Todo o processo vivenciado esteve preocupado em desenvolver o senso
estético  dos  alunos  e  principalmente  em  reeducar  o  olhar  a  uma  postura  mais
sensível,  atenta  aos  detalhes  do  dia-a-dia  e  crítica,  partindo  dos  princípios  da
observação, experimentação e pesquisa. Optamos por este  tipo de abordagem por
acreditar que a fotografia, dada toda uma trajetória imagética, histórica e conceitual,
dentro e fora de um contexto escolar, pode contribuir para a formação dos indivíduos
na sociedade. 

O objeto desta pesquisa constitui-se na aplicação da arte marcial judô na prática psicofísica do
ator/bailarino. Neste sentido, considero a hipótese apresentada de que o  judô  inclui  técnicas
úteis  para  o  treinamento  do  ator/bailarino  observadas  pela  lente  da  Antropologia  Teatral.
Portanto,  dissertarei  sobre minha  pesquisa  do  judô  tanto  em  seus  atributos  técnicos,  quanto
filosóficos,  a  fim  de  se  encontrarem  elementos  que  possam  enriquecer  o  estado  “pré-
expressivo”  dos  sujeitos  envolvidos  –  atores/bailarinos  –,  a  partir  da  construção  do  “Kata
Pessoal”,  termo  cuja  definição  implica  procedimentos  metodológicos  do  treinamento  e
deduções empiricamente atestadas nesta pesquisa. Portanto, esta proposta  incorpora campos
teóricos e práticos distintos, quais sejam o Judô e o Teatro, contendo como foco os princípios
e atributos do primeiro, e a abordagem antropológica, do segundo.
Minha experiência enquanto professora de judô foi tomada como referência para o estudo, por
constituir  âmbito  filosófico  e  prático  sobre  os  fundamentos  do  judô.  Quanto  aos
procedimentos metodológicos  levados  a  cabo,  optou-se  por  uma  abordagem  qualitativa,  de
caráter descritivo e hipotético-dedutivo em que  foi  realizado um  levantamento bibliográfico.
Houve, também, pesquisa de campo, envolvendo entrevistas e depoimentos, e um  laboratório
experimental de treinamento psicofísico. Para aplicação deste treinamento, foi selecionado um
conjunto de técnicas do judô a partir de princípios como: “equilíbrio de luxo (ou precário)”
2, “energia”  3, “oposição” 4,  “corpo-decidido” 5,  e “dilatação” 6 .  

Este estudo aborda a dimensão poética we estética presentes em corpos de travestis que trabalham e trasitam no Bairro do reduto na cidade de Belém do Pará.

Nesta dissertação, proponho experimentar o experimentável nos deslocamentos possíveis de uma pesquisa atravessada por vivencias e outros acontecimentos na dimensão ordinária da experiência estética. Os assuntos aqui abordados tratam de questões relativas às práticas do fazer criativo vivenciado no cotidiano da cidade. Proposições de numa abordagem rizomática no víeis deleuze-guattariano sobre os aspectos referentes aos processos artísticos que ocorrem em paralelo aos mecanismos de agenciamento coletivo. Aproprio-me do sentido de escritura disseminado por Jacques Derrida, como estratégia para trafegar por sobre as tramas que envolvem as situações cotidianas na temporalidade própria do fazer.

O tema proposto é um estudo da representação do corpo masculino e as características do erotismo na fotografia contemporãqnea paraense. para o estudo foram escolhidas obras dos artistas Sinval Garcia (série "Automatic Men")e Orlando Maneschy (série "Homens e Sangue") produzidas nas décadas de 1990 e 2000.

Esta  dissertação  tem  como  objeto  de  estudo  a  relação  entre  arte,  televisão  e  indústria
cultural  propondo  uma  crítica  dos  conceitos  de  cultura  de massa  e  indústria  cultural  e  uma
análise do objeto empírico, a microssérie Capitu. Os pressupostos  teóricos partem dos Estudos
Culturais, da Estética e da Teoria Crítica Frankfurtiana para propor uma perspectiva diferente ao
objeto  de  estudo,  que  normalmente  é  encarado  a  partir  de  pré-conceitos  comuns  da
hierarquização cultural que coloca a arte em um pedestal e vê qualquer tipo de trânsito cultural
como uma espécie de deformação do cânone.

O  objetivo  com  este  estudo  é  compreender  a  dinâmica  da  educação  musical  na  Unidade
Educacional Especializada  José Álvares de Azevedo  (UEES  JAA),  situando a música e  sua
dimensão  criativa  no  Atendimento  Educacional  Especializado  (AEE)  na  concepção  de
professores  e  de  alunos  com  Deficiência  Visual,  na  perspectiva  da  educação  inclusiva.  A
UEES JAA localiza-se no Estado do Pará, uma referência no AEE de alunos com Deficiência
Visual. Segundo dados oficiais da Secretaria de Estado de Educação (SEDUC), em 2009, esta
instituição  atendeu  cerca  de  347  alunos  provindos  da  Região Metropolitana  de  Belém. Os
docentes e  técnicos da unidade atuaram em várias ações:  (a) no atendimento de alunos com
Deficiência Visual;  (b)  na  formação  de  educadores  da  Rede  Estadual  de  Ensino;  e  (c)  na
organização  de  Jornadas  Pedagógicas  envolvendo  a  sociedade  para  discussão  de  temas
relacionados  à  arte.  Referindo-se  à  arte,  inclui-se  a música  como  importante  elemento  no
processo  de  ensino-aprendizagem  de  seus  alunos.  Embora  se  constate  inicialmente  estas
práticas  de  trabalho  com  música,  verifica-se  que  no  campo  da  sistematização  e  produção
científica destas práticas há uma lacuna, dada a riqueza das experiências e especificidades de
sua  atuação.   Em  se  tratando  da  busca  dos  processos  criativos  dos  alunos  com Deficiência
Visual por  intermédio da música, percebe-se que a Unidade apresenta muitas possibilidades
de  estudo  e  de  produção  de  conhecimento.  Considerando  a  percepção  complexa  dos
fenômenos  a  serem  estudados,  os  pesquisadores  utilizaram  uma  abordagem  Qualitativa,
estruturada  em  torno  de  um  Estudo  de  Caso.  Como  técnica  de  pesquisa,  foi  utilizada  a
documentação  indireta,  através  da  pesquisa  bibliográfica  e  pesquisa  documental.  A
documentação direta baseou-se na (a) observação direta intensiva por intermédio de  técnicas
de observação, e (b) roteiro de entrevista semi-estruturada. A análise dos dados revelou que:
(a) A UEES JAA vem passando por um processo de mudança em sua forma de organização
como  tentativa  de  adequar-se  ao  processo  de  normalização  do  AEE.  Esta  mudança,  em
andamento,  tem  no  centro  de  sua  concepção  a  perspectiva  inclusiva  na  qual  o  conceito  de
inclusão  social  tem um papel  significativo e a  inclusão escolar apresenta-se em processo de
desenvolvimento  crescente  sendo  que  sua  consolidação  demanda  a  superação  de  desafios
ainda presentes na dinâmica  institucional,  sobretudo na  relação com o ensino  regular;  (b) O
Coral Cantarte, como campo de atuação musical, afirma-se como  fazendo parte do conjunto
de  atividades  ofertadas  aos  alunos  com Deficiência Visual, manifestando  uma  organização
pedagógica  específica  que  busca  considerar  as  necessidades  educacionais  especiais  dos
educandos,  valorizando  formas  de  abordagem multi  sensorial,  processos  de memorização  e
repetição e repertório de baixa complexidade técnica como princípios norteadores do processo
de  ensino-aprendizagem;  (c) A  dimensão  criativa  da música,  por meio  da  composição,  do
improviso  e da  inovação musical manifesta-se de  forma diferenciada na  prática  pedagógica
musical, compondo um quadro geral de ausências e presenças, possibilidades e perspectivas.
Neste sentido, a criação musical não compõe o leque de objetivos educacionais propostos para
o Canto Coral, sendo a natureza criativa da música o principal agente desencadeador de sua
tímida manifestação. Desta  forma, produz-se conhecimento de uma experiência educacional
que contribui para o enriquecimento da  relação da música com o processo de construção da
inclusão de alunos com Deficiência Visual.

O presente  trabalho  fala  sobre Wilson Fonseca, um dos compositores mais
importantes da nossa região amazônica, devido a sua trajetória e dedicação de uma vida
inteira  a  favor  da música  e  da  nossa  cultura,  sendo  uma  referência  não  somente  no
campo  musical,  mas  também  na  memória  e  resgate  da  história  e  cultura  santarena.
Crendices e lendas amazônicas para canto e piano, temática abordada nessa pesquisa, é
apenas uma das várias faces a qual o autor retratou em sua extensa produção musical.

Os retábulos constituem um bem que integram a arte e a arquitetura, e inicialmente utilizados como instrumento pedagógico de propagação da fé cristã atingiram seu apogeu no período da Contra reforma. Esses modelos foram trazidos da Europa para as colônias e em Belém existem exemplares que se destacam pos suas características insólitas. Com a mudança na liturgia proposta pelo Concílio Vaticano II, perderema sua função original, masa como exemplares reveladores da condição histórica, artística e religiosa de uma época e que apresentam uma evolução em sua composição e forma, evidenciam os fazeres e saberes que propiciaram a feitura desses retábulos com a mão de obra local. Este trabalho tem por objetivo analisar, a apartir das tipologias de cinco retábulos da Belém do Século XVIII, as infuências ibero-italianas na produção artística e arquitetônica com ênfase nos processos de mestiçagens dos encontros culturais ocorridos entre colonizadores, religiosos, técnicos (com destaque para o arquiteto bolonhês Antonio Landi), indígenas e negros.

 
O presente trabalho se propõe a fazer uma investigação acerca da influência do cinema
nas  montagens  dos  espetáculos  teatrais  de  Saulo  Sisnando,  seja  pela  utilização  de
projeções, como ocorreu na Peça-Filme popPORN – sete vidas e infinitas possibilidades
de  corações  partidos  ou  pela  maneira  como  o  corte  cinematográfico  se  agregou  à
encenação  da  Peça-Filme  Cartas  para  Ninguém.    Esta  dissertação  também  pretende
demonstrar passo a passo os procedimentos de inserção de técnicas cinematográficas na
Peça-Filme  O  misterioso  desaparecimento  de  Deborah  Rope  (construída  em
concomitância com esta dissertação), discutindo a possibilidade de uma hibridização tal
que vai além (embora também faça uso) da utilização de recursos audiovisuais, como off
e  projeções  de  vídeos  e  filmes,  mas  apoderando-se  cenicamente  de  conceitos
tipicamente  cinematográficos  como  edição,  montagem,  closes,  fades,  cortes,  planos,
contra planos, sequências, enquadramentos, etc., a ponto de atingir um “efeito cinema”,
característica indispensável na poética das peças-filme. Este trabalho pretende analisar a
Peça-Filme  o  misterioso  desaparecimento  de  Deborah  Rope  desde  a  construção
dramatúrgica até a sua execução no palco, quando, à luz da Teoria Realista do Cinema
de André Bazin, a peça-filme analisada pelo prisma da montagem e da plasticidade da
imagem.

 
Paulino Lins de Vasconcelos Chaves (1883-1948) saiu de Belém para estudar
na  Alemanha  e  no  seu  retorno  à  capital  paraense  realizou  diversas  atividades
musicais antes de partir para o Rio de Janeiro, onde atuou até o final da vida como
professor  de  Piano  no  Instituto  Nacional  de  Música.  O  problema  desta  pesquisa
consiste em compreender tanto as especificidades da sua produção musical quanto
o diálogo de sua produção com o contexto de Belém. O objetivo geral é investigar as
relações entre a produção composicional de Paulino Chaves e seu entorno histórico,
social e musical em Belém no final do século XIX e início do século XX. Pretendeu-
se  também refletir sobre a  formação e atuação musical do compositor; analisar sua
produção  por  época  e  estilo,  sobretudo  após  o  seu  retorno  da  Alemanha,
contextualizando  histórica,  social  e  culturalmente  em  Belém  na  época  em  que
Paulino  Chaves  atuou  na  cidade;  e  realizar  análise  musical  comparativa
relacionando os procedimentos  composicionais empregados por Paulino Chaves e
aspectos da  tradição musical européia da época.   Para  isso, a pesquisa dispõe de
três  ferramentas  de  coleta  de  dados,  que  são:  (1)  levantamento  documental  a
respeito do compositor e seu entorno cultural; (2) análise dos documentos referentes
à  repercussão  das  obras  do  compositor  na  época;  (3)  análise musical  buscando
observar  os  procedimentos  composicionais  derivados  da  formação  na  Alemanha,
utilizados  por  Paulino  Chaves.  O  trabalho  conta  como  referencial  teórico-
metodológico:  (1)  a  análise musical  apresentada  nos  trabalhos  de Charles Rosen
(1987; 2000), Schoenberg (1996), Carvalho (2002) e Noda (2009); (2) a abordagem
estético-sócio-cultural  em  Enrico  Fubini  (2008),  Jorge  Coli  (2005),  Nobert  Elias
(1995)  e  Starobinski  (2001);  (3)  a  perspectiva  biográfico-musical  sobre  Paulino
Chaves, em Salles (1970; 1980; 1983; 1985; 1995; 2005; 2007) e Tourinho (2010); e
(4) a abrangência histórica (social e musical/artístico) nacional (Brasil) e local (Belém
-  PA),  em  Daou  (2004),  Dudeque  (2005),  Sarges  (2000),  Vermes  (2004;  2007),
Vieira (2001), Volpe (1995), Figueiredo (2001), entre outros.