A presente pesquisa investigou a trajetória da Mestra de Cultura Popular Iracema Oliveira e os sentidos socioculturais de seu trabalho junto ao movimento artístico popular da cidade de Belém do Pará. Guardiã do Pássaro Junino Tucano, coordenadora da Pastorinha Filhas de Sion e do grupo parafolclórico Frutos do Pará, Iracema Oliveira apresenta uma metodologia própria de transmissão de saberes, uma organização de processos artísticos que contribuem para o entendimento da cultura popular como um processo dinâmico, construído ao longo do tempo e atravessado pela política e pelas mudanças sociais. Metodologicamente, lançamos mão da observação participante (Minayo, 2001; Whyte, 2005) e da pesquisa documental, transitando entre epistemologias sobre arte, música, teatro, cultura popular, história cultural amazônica, para debater sobre identidade, memória e cultura local a partir do fenômeno da pesquisa, baseando-nos em questões levantadas por Joël Candau (2012), Stuart Hall (2006), Bezerra (2016), Fares e Rodrigues (2017) entre outros. Como resultado, esperamos que a pesquisa contribua com novas perspectivas sobre o sistema da arte popular paraense, a partir da trajetória da Mestra Iracema Oliveira, reunindo um potencial acervo de memórias, que contam sobre suas experiências de arte e vida, e os sentidos socioculturais de práticas artísticas populares da capital paraense, semeadas historicamente e mantidas no tempo presente pelo desejo coletivo de fazer, cantar e dançar as tradições.

Esta pesquisa versa sobre a instauração poética da noção de Ancestralidade Artística assentada pelas dimensões encruzas entre Zé Pelintra – o grande ancestral malandro da Umbanda – e o Mestre-sala, emblemático personagem do carnaval brasileiro de escola de samba, na relação mítica, sagrada e artística da espetacularidade ancestral do samba. É uma pesquisa-encruzilhada de construção epistemológica afrocentrada e de guerrilha decolonial que propõe desconstruções de perspectivas emolduradas e hierarquizadas estabelecidas ao corpo. Exu é o grande ancestral-epistemológico, força transgressora e movente, a encruzilhada enquanto motriz de atravessamentos e a malandragem enquanto filosofia e poética dos homens-malandros pesquisados. Zé Pelintra e Mestre-sala são corpos encantados, homens da rua, do terreiro, do samba, assim denominados pela observação das diversas e profundas relações destes espaços-territórios em suas poéticas. A pesquisa apresenta uma iconografia própria, com símbolos e significados específicos atrelados aos fundamentos da Escrita Sagrada da Umbanda, os pontos riscados, e do riscado dançado dos mestres-salas Nando Elegância, Bené Brito e Fábio de Cássio, três “entidades”, negros, afro-religiosos, célebres mestres-salas do carnaval paraense, sujeitos-protagonistas da pesquisa que evidenciam a espetacularidade do riscado na Amazônia. A Metodologia-Etno-Encruza é uma instauração autoral da pesquisa, assentada pelo processo de escuta sensível do fenômeno, sustentada pela Etnocenologia, principal base teórico-metodológica e pelas imersões ancestres e criações artísticas da pesquisadora exuística enquanto mulher, mãe-artista-porta-bandeira.

A pesquisa detém-se nos processos de educação museal experienciados em diversos museus públicos de Belém/PA por mim - artista, professora, pesquisadora, gestora e técnica cultural. Ocorre numa cartografia dessas experiências, situando-me como profissional de museu, em diversos espaços museológicos de Belém/PA ao longo de trinta anos, especialmente no Museu de Arte de Belém (MABE), onde além de exercer o cargo de técnica em assuntos culturais, na função de pesquisadora, atuei em sua gestão no período de 2017 a 2021. Teórica e metodologicamente os processos cartográficos tratados por Deleuze; Guattari (1995; 1997; 2012) e Rolnik (2016), além de outros autores, são referenciados, valendo-me das noções mobilizadoras de rizoma, dispositivo de memórias, território e ritornelo que compõem o seu vocabulário. Aciono três questões que orientam os percursos da pesquisa: Na desocultação e no tensionamento das políticas de estruturação e organização dos museus públicos, especialmente do MABE, qual o lugar da educação no museu? Que experiências podem fundamentar uma prática educacional em museus, capaz de enfrentar a hierarquização dos campos de conhecimento dos profissionais nesses espaços? Como decolonizar esse espaço museológico em processos de educação museal? A imagem-memória do pássaro mítico sankofa e a imagem-força da embarcação de Klinger Carvalho, obra de arte intitulada “Entre duas margens” que compõe o acervo do MABE, são as linhas imaginárias de agenciamento que deslocam, conduzem, e ancoram os processos de navegação cartográfica da tese, misturas de minhas leituras e experiências museológicas na composição de um mapa dessas práticas em seus desenvolvimentos e devires.

Esta tese surge do desejo de desvelar o campo dos/as docentes e as imagens das representações deles/as sobre suas práticas educativas e as relações étnico-raciais. Assim, objetivou analisar as representações dos/as docentes do curso de Licenciatura em Artes Visuais sobre suas práticas educativas centradas na temática das relações étnico-raciais no ensino/aprendizagem e suas implicações na formação inicial dos/as discentes. Buscou-se responder a seguinte questão central: Quais as representações dos/as docentes do curso de Licenciatura em Artes Visuais sobre suas práticas educativas centradas na temática das relações étnico-raciais no ensino/aprendizagem e suas implicações na formação dos/as discentes na Universidade Federal do Pará. É uma pesquisa com multimetodologias, foram utilizados: qualitativo descritivo; estudo bibliográfico; estado da arte, estudo de caso e pesquisa de campo. A análise de conteúdo com Bardin (2016) e a analogia e imbricação da Abordagem Triangular de Ana Mae Barbosa (2014; 2010) e os polos metodológicos de Chartier (1990). Foram abordados conceitos estruturantes para esta tese nas áreas de Artes e Educação, da Antropologia, bem como da Sociologia e Estudos Culturais. No Ensino de Arte, a base teórica com Barbosa (2002, 2014, 2010,). Para fundamentar as análises, os/as autores/as Ferraz e Fusari (2009); Pimenta (2009), Nóvoa (1997, 2016), Coelho (2009); Paulo Freire (2009), Magalhães (2019) e Veiga (2009); Gomes (2005), Guimarães (2004, 2008), Walsh (2005, 2009), Munanga (2004, 2002), Schwarcz (2008, 2012); Pimenta e Anastasiou (2014), Masetto (2003); Bourdieu (2009); Chartier (1990, 1991) entre outros foram essenciais. Os documentos oficiais do MEC; Projeto Pedagógico do curso de Licenciatura em Artes Visuais (2007, 2019); os Planos de Ensino dos/as docentes e os questionários aplicados aos/as docentes e discentes do curso de Licenciatura de Artes Visuais/FAV, foram relevantes. Consideramos como resultados das análises e reflexões das categorias na metodologia triangulação das representações dos/as docentes elaborado nesta pesquisa, no que tange ao campo docente, a identidade profissional dos investigados se apresenta diversificada, com formação em outras áreas de conhecimento, mas 69 % buscaram fundamentos teóricos na formação continuada na área de Arte/Artes Visuais e na educação; há carência de pesquisas no campo das Artes, mais especificamente na Licenciatura em Artes Visuais, principalmente pesquisas com a temática concernente à formação em Artes Visuais e relações étnico-raciais; a abordagem das relações étnico-raciais ainda acontecem pontuais, em algumas disciplinas no currículo do curso; as representações da dimensão documentos, revelaram contradições, ou seja, equívoco na impressão projetada nas análises dos PPCs 2007 e 2019, no processo comparativo com os Planos de Ensino e o dito dos/as docentes sobre as práticas educativas e relações étnico-raciais; na dimensão formação, faltam, discussões sobre a legislação educacional, BNCC, “Novo Ensino Médio, Resolução 02/2019”; na dimensão prática educativa o currículo defendido no PPC de 2019 tem avanços, porém não caminha em conformidade com uma boa parte dos Planos de Ensino das Disciplinas. Com base nas contradições evidenciou-se a necessidade de ampliação de espaços de diálogos nas formações. É preciso rever os documentos e as práticas educativas dos/as docentes para se propor novos caminhos, outras estratégias, que a temática das relações étnico-raciais esteja de forma circunstanciada presente no currículo, nas narrativas pedagógicas/artísticas/estéticas/culturais dos/as docentes/discentes no curso de licenciatura em Artes Visuais. 

Viajante K – Notas sobre uma autoficção é uma pesquisa sobre a relação da palavra, imagem e literatura na arte contemporânea, onde se propõe, em processo artístico o borramento das fronteiras que separam essas linguagens entre si, gerando assim, a construção de um livro de artista autoficcional constituída em obra a partir de uma viagem em um território inventado. Trata-se de uma experiência em artes visuais onde há um limite tênue com a literatura, ou, melhor dizendo é uma escrita de uma artista visual que introduz a palavra como forma, seu elemento imagético.

O “projétil” da pesquisa é o encontro-confronto entre uma menina que engole lágrimas pelos olhos e uma mulher em fuga do hospital de bonecas, elas representam minha existência de vida-morte-ressureição. A tese é acompanhada por conceitos-chave: dramaturgia pessoal, violência contra mulher, arte feminismo, teatro movente e estado de bonequice. Os dois últimos são conceitos criados no processo. Os outros três são dialogados com algumas mulheres, como: Ana Flávia Mendes (2008), Anna Marieta (2018), Chimamanda Adichie (2017), Bell Hooks (2021, 2020a, 2020b, 2019), Louise Beaugeois (1998), Ingrid Gomes (2023), Márcia Kambemba (2020, Thalia Santos (2020), Tarsila Maquiavel (2023), Suzi Lacerda (2023), Wald Lima (2004) e outras. Recorro ao método cartográfico e acredito, assim como (Sandra Rey, 1996) que o “objeto” é um projétil, ou seja, é um alvo carregado de incertezas e movências. Por conseguinte, parto da escrivivência (Conceição Evaristo, 2015), mergulhada em esquizoescritura Deleuze e   Guatarri (2011), fractacionalizada e remendada com interstícios de lembranças da “realidade” Annie Ernaux (2007) - autoficção de Doubrovksy (1977) e Sequeira (2020). A tese é estruturada primeiramente em três sessões, divididas em dois ensaios, quais sejam: a menina que engole lágrimas pelos olhos e a mulher em fuga do hospital de bonecas. Os 2 ensaios possuem uma narradora: Charlotte Gomes Berbié, ma petite que virou carcaça-cadáver, antes de nascer, em terra estrangeira. A terceira sessão é uma constelação de aparições de 7 personagens baseadas nas “mortas” e nas “vivas” da minha ancestralidade e agregam-ajuntam também trabalhos de artistas que me carregam em mãos de nuvens cuidadosas. Acredito que a pesquisa, sobre ancestralidade e violência contra mulheres, possui densa dimensão artística-política (arte feminismo), além de cooperativa, dialógica e pedagógica Paulo Freire (1987, 1989).

                       Os caminhos e trajetos artístico-culturais ao longo do trânsito Icoaraci-Belém e Belém-Icoaraci, proporcionaram ao corpo feminino afro-amazônico, imerso nas relações com a dança e com a capoeira, a construção da práxis epistemológica Dançaeira. Nestes caminhos, foram acionadas memórias a partir da infância nos quintais, ruas, escolas, experiências artístico-culturais com a dança e com a capoeira, seguindo uma trajetória de menina-mulher-mãe-educadora-professora-pesquisadora, revelando-se então, a “ancestralidade viva” que se presentifica a partir das mulheres ancestrais que habitam em mim. Convoco três manas que empunham o berimbau, junto a mim, e decolonizam o poder em dança na Amazônia com suas poéticas de “RE-existências”. Apresento possibilidades de caminhos teórico-metodológicos decoloniais em dança contemporânea, seguindo um fluxo autoetnográfico, de Fortin, sustentado pelo NOS-NÓS em que os “nós atados” com o mundo ao redor, com os fazeres, saberes e poderes se realizam sob a perspectiva da malandragem. Cantigas de capoeira, poesias e poesias-cantigas autorais, imagens de fotos e prints de vídeos de imersões durante a pesquisa, desenhos autorais emanam reflexões do processo e, a presença marcante do berimbau, que impele a voz do corpo feminino com seus sons e toques, endossam o percurso metodológico da pesquisa. O interjogo dos diálogos dançaeirantes acolheu contribuições de Freire, a Práxis pedagógica; Santos e Menezes, as Epistemologias do Sul e; Costa, Torres e Grosfoguel, Decolonialidade, que consubstanciam a metodologia não hierarquizada, que revela simbolismos e significados dos sete elementos da Dançaeira para despertá-la em vós, a partir da Amazônia para o mundo.

A presente tese aborda a experiência de criação de um jogo eletrônico (game, para dispositivos móveis, celulares) experimental chamado “DATUM” (trabalho em processo) desenvolvido a partir e durante o período do doutorado. Este escritos e seus anexos abordam três perspectivas diferentes e complementares: a primeira sobre as reflexões acerca do método e criação artística na academia; a segunda sobre as concepções teóricas derivadas da criação artística do jogo eletrônico; a terceira sobre os subprocessos e acasos do desenvolvimento do jogo; para além destes a tese também é composta pelo jogo em si. Levando essas persperctivas, a tese propõe experimentar a imagem, no sentido abstracional, usando uma dinâmica de construir constelações para incitar a projeção de imagens ao conectar estrelas; e o virtual com suas possibilidades interativas dentro de um espaço tridimensional.

Esta pesquisa pretende investigar o corpo em fluxo e seus procedimentos criativos
realizados sob uma materialidade chamada “espumas siliconadas”. Este corpo foi responsável por
desenvolver procedimentos criativos que fomentou explosões de formas e não formas de se
experimentar a materialidade em processos criativos nas artes. Um corpo em fluxo, mas também
um corpo experimentador, que provocou a imersão de um experimentos com a materialidade
(espumas) se multiplicando nas diversas formas de se experimentar em processos criativos.
Objetivo da pesquisa propõe, experimentar os limites criativos que se pode haver nas
experimentações para criar formas e não formas de procedimentos criativos com a matéria e
construir um repertório de possibilidades experimentais. Em vista aos experimentos
desenvolvidos, o projeto Mofo, um álbum música/visual que reproduziu experimentos, cujo as
tentativas em materializá-lo acidentou em novos experimentações que reverberam em outros
projetos, como Fragilizada, Casulo, Proliferação, Casamento e entre outro, assim montando uma
cartografia que fábulou-se em produções para esta pesquisa.

Investigar o ensino-aprendizagem do violoncelo em instituições musicais públicas pode ser importante para se compreender a formação de uma tradição instrumental estabelecida por gerações de violoncelistas. O objetivo deste trabalho é o de investigar o processo de ensino-aprendizagem de violoncelo em instituições musicais públicas de Belém do Pará. A pesquisa foi desenvolvida por intermédio da abordagem qualitativa, descritiva e de caráter exploratório. Houve levantamento bibliográfico e documental, seguido de entrevistas semiestruturadas. Utilizou-se referencial teórico sobre o contexto histórico das instituições musicais públicas de Belém do Pará (SALLES, 1995; VIEIRA, 2001; BARROS; GOMES, 2015), aspectos da aprendizagem musical no ensino público formal (LOPES, 1981; SILVA, 1999; LIBÂNEO, 2010) e acerca da pesquisa em ensino-aprendizagem do instrumento musical violoncelo (FRANÇA, 2000; MACIENTE, 2008; SUETHOLZ, 2011). A investigação resulta em uma descrição acerca do contexto histórico do ensino de violoncelo em Belém do Pará, na identificação do conteúdo programático utilizado em cada nível de ensino em instituições musicais públicas de Belém e sua relação com o aprendizado do violoncelo, e na análise do ensino-aprendizagem de violoncelo em instituições musicais públicas de Belém atualmente, apontando-se aspectos relevantes para o desenvolvimento dos estudantes. Conclui-se a importância do estímulo à democratização do aprendizado do instrumento e à contraposição de estigmas sobre as instituições públicas com novas perspetivas pedagógicas, de forma a estabelecer referencial qualificado a professores, pesquisadores e artistas, orientando a construção curricular e documentos ligados à esfera institucional.

Esta dissertação busca compreender o processo criativo de uma autoetnografia performática dissidente, denominada “Flores para Pietá”, a partir de análise de esquemas simbólicos/reais, de modo a friccionar os territórios que o corpo gay vivencia. Para tanto, dada abordagem parte de dois vieses de análise, quais sejam: sexualidade e religião, ainda que o estudo perpasse por outros territórios, como o território intrafamiliar (casa), o território subjetivo (corpo) e o território (urbano).  Tal discussão surge a partir da seguinte questão problema: a quais territórios pertencem os corpos homossexuais? No sentido de alcançar o objetivo geral, lanço mão das (os) seguintes autoras/autores para validar as proposições deste estudo: para o debate autoetnográfico utilizo os preceitos de RAIMONDI; MOREIRA; BRILHANTE; BARROS, (2020) e DENZIN (2015), quanto às discussões sobre Identidade, recorro à ALMEIDA (2010) e CASTELLS (2001), referente às discussões dos estudos gays, analiso os conceitos de PRECIADO (2003), FOUCAULT (1999, 2012, 2013, 2018) e BUTLER (2000, 2011). No que tange ao Corpo devoto, aproprio-me da visão de JANSEN (2004), quanto à história da sexualidade e do conceito de biopoder, analiso os estudos de FOUCAULT (1985), de forma associada ao conceito de necropolítica, de MBEMBE (2018). No que se refere ao conceito de (re)performance Arte, considero as discussões de ABRAMOVIC (2010, 2018) e PHELAN (2013). E sobre o conceito de território reporto-me à CAIAFA (20020), ROSENDAHL (2002), dentre outras (os). Elejo como procedimento metodológico a autoetnografia (re)performática, ao partir das minhas memórias, do meu devir, enquanto artista-pesquisador-professor, a orientar um percurso reflexivo sobre e a partir de corporeidades, para compreender o corpo e suas (re)performances como um território potente para a produção de epistemologia. Para a construção desse trabalho foi estratégico explorar as abordagens dissidentes relacionadas às questões de sexualidade e de religiosidade. Dessa forma, esta escrita sinaliza que o discurso religioso tem grande influência na trama das relações sociais, além disso o Estado e a sociedade tomam o que é dito e feito dentro dos domínios das igrejas como parâmetro para justificar atitudes e decisões preconceituosas contra os corpos homossexuais. Logo, o processo reflexivo provocado nesta escrita sinaliza que a reprovação e coerção ao corpo LGBTQIAP+ é recorrente entre e nos territórios religiosos e que o corpo marginalizado gay, nessa perspectiva, intenta encontrar um território que seja possível (re)significar essas mazelas impostas historicamente.

Este memorial apresenta o processo de criação poética da instalação audiovisual Studio Som Jolie, onde apresento uma reflexão do fazer poético, a partir da investigação de um acervo musical, de fotografias, áudios e memórias da infância, encontradas na sala de músicas do meu pai, Aldemário Abreu, em memória. Esta coletânea será dividida em dois blocos-capítulos: Lado A e Lado B, com um repertório que combina canções marcantes e autorais que dançam pelo tempo atravessam as décadas de 70, 80, 90. Vozes de Raul Seixas, Gal Costa, Caetano Veloso, Fafá de Belém e Chico Buarque, compõem diálogos com Bergson, Oiticica e Salles, que reverberam para além de um último acorde de uma experiência no campo da arte.

A temática explorada neste texto, incide em encontrar nas narrativas de artistas de Abaetetuba, referências de gerações diferentes, mostrando como a arte em seu movimento de mudanças e incorporações, apresenta uma relação com o tempo e o lugar. Sobre o tempo há diferentes ritmos e acentos marcando a dinâmica da “vida abaeteuara”, assim como em outros lugares na Amazônia. Nas paragens ribeirinhas quando ainda ouviam-se os “tiradores” das fofoias, a passagem do tempo era marcada pela maré enchendo e abaixando, na lançante e vazante; tempo no qual a oportunidade era marcada pela canoa indo de proa. Tempo sentido qualitativamente em tempo bom e tempo ruim. Era o tempo da natureza com seus ciclos, e do trabalho coletivo e artesanal de fazedoras de cuias, dos paneiros e das panacaricas.

As transformações históricas trouxeram a devastação e a paisagem, no início sutilmente,  para em seguida, drasticamente, se modificar, e um outro tempo vai sendo sentido, o tempo líquido da modernidade, o avesso gerando uma trama, na qual o elo estético existente entre homem e natureza vai, progressivamente, sendo rompido. E o declínio da cena cabocla é percebida, paralelamente, ao aparecimento de um cenário social com graves problemas. Se a modernidade vai apagando gradualmente, pelas forças desestabilizadoras, certos traços daquela cultura cujos contornos eram refletidos na cena cabocla,  há por outro lado, um movimento de resistências e enfrentamento, protagonizado por vários artistas, e é neste sentido que, um recuo, o ato de revisitar suas práticas, abre possibilidades de uma oposição a essa tendência em curso, divergindo do discurso do progresso e da deformação dos modos de vida construídos coletivamente  na história dos povos amazônidas.

A presente pesquisa de doutorado, desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Artes da Universidade Federal do Pará, sob a orientação da Profa. Dra. Bene Martins, realizou estudo sobre contextos sócio-político-culturais engendrados a partir da instauração do Território Federal do Amapá (TFA), com foco no Cineteatro Territorial de Macapá, entre os anos de 1944 e 1949. A pesquisa, intitulada: O Cineteatro Territorial de Macapá e a Criação de uma Política Cultural Janarista. Os objetivos são os de evidenciar, e refletir sobre a criação de uma política cultural, disseminada pelo Governador Capitão Janary Gentil Nunes e suas possíveis influências no processo de formação identitária amapaense. Esta pesquisa justifica-se pela insuficiência de trabalhos que contemplem o tema e a necessidade de abordagens mais aprofundadas sobre a memória artística, cultural e teatral amapaense e seus contextos sociais e políticos, que podem ter influenciado na sua formação identitária e cultural, além de contribuir, como aporte teórico e crítico para pesquisas futuras, possibilitando condições para o crescimento do Teatro no/do Norte e no/do Brasil. O ponto central do estudo é o movimento artístico e cultural oportunizado (ou não) pelo Cineteatro Territorial de Macapá, espaço oficial de difusão política e cultural do TFA. No processo de construção desta pesquisa, conforme objetivos propostos, é investigada a formação do TFA, desde sua fragmentação do estado do Pará (1943), a escolha da capital territorial e o Jornal Amapá, como fonte documental, a inauguração do Cineteatro Territorial de Macapá (1944) e suas atividades político-culturais, a criação de uma política cultural janarista e o possível diálogo com o movimento cultural amapaense. O estudo alia-se à linha de pesquisa: Memórias, histórias e educação em artes, do Programa de pós-graduação em artes (PPGARTES-UFPA). As metodologias de apoio são as do campo artístico-cultural, estudos culturais, em diálogo com outras referências, a partir de uma análise qualitativa das fontes. Inicialmente, com leitura sistemática das bibliografias sobre política cultural, contextos teatral e audiovisual estabelecidos entre 1944 e 1949. Os materiais consultados são de filmes, espetáculos, artistas e companhias teatrais registrados em Macapá-AP. Caracteriza-se como pesquisa documental, por priorizar o levantamento e análise das fontes que possibilitem a interpretação dos órgãos e documentos oficiais, como o Jornal Amapá e Relatório de Atividades do Governo do Território Federal do Amapá.

A tese Uirapurus Paraenses: o legado histórico e a prática artístico-musical dos cantores líricos paraenses Helena Nobre (1888-1965) e Ulysses Nobre (1887-1953) propõe refletir sobre o legado histórico desses artistas, identificando sua prática artístico-musical a partir dos acervos públicos e privados de Belém. Tem-se como acervos públicos: Museu do Estado do Pará; Biblioteca Arthur Vianna (Seções de Obras Raras, de Microfilmes e Jornais); Museu da Universidade Federal do Pará (Coleção Vicente Salles); Theatro da Paz; Instituto Estadual Carlos Gomes; Cemitério de Santa Izabel; e Academia Paraense de Música. E, como acervos particulares, os de: Maria do Céo Nobre Gomes; Helena Maia; Maria Gilda Nobre; Maria Helena Nobre; Jorge Nobre de Brito; Vicente Salles; Gilda Maia; Lenora Brito; e Urubatam Castro. A tese propõe ainda: 1) verificar a situação em que esses acervos se encontram e a atual acessibilidade ao legado histórico e artístico de Helena Nobre e Ulysses Nobre; 2) investigar quem eram Helena e Ulysses, sua trajetória, atividade artístico-musical e espaços de atuação; 3) destacar as composições, o repertório interpretativo de Helena e Ulysses e a rede de relações – sociedade de seu tempo – que os manteve atuantes, ajudou na difusão de sua atividade artístico-musical e permitiu sua trajetória artística, apesar de suas desvantagens sociais e de saúde; 4) propor o mapeamento, a reunião virtual e a divulgação desse legado, contribuindo para a acessibilidade, a rememorização e a apropriação dessa história pela sociedade atual: por uma memória viva. A pesquisa referencia autores como: V. Borges (2006) e K. Oliveto (2007), no campo do gênero biográfico em música, através da coleta e da interpretação de fontes históricas documentais, bibliográficas e orais; S. Freitas (1983) e E. Bosi (1994), em História Oral; R. Laraia (2001), C. Geertz (1975) e J. Blacking (2006. 2021), no campo da Música como Cultura; P. Castagna (2004, 2006, 2008, 2016), L. Oliveira (2012) e L. Heymann (1997, 2012), no campo da Arquivologia Musical; E. Santos (2004), J. Santos (1996), J. Ferreira (1983), D. Silva (2009) e C. Batista (2005), no campo do Patrimônio Cultural, Memória e Identidade; P. Nora (1993), no campo do Lugar de Memória; M. Sant’Anna (2006), L. Lévi-Strauss (2006) e F. Maia (2003), no campo da Memória Viva; P. Bourdieu (1974, 1996, 1998, 2007), no campo do Capital Cultural e Social. Conclui-se que dar acessibilidade ao que está guardado em um museu ou biblioteca – lugar de memória – é alcançar a sociedade atual, mostrando – a partir da atividade artístico-musical de Helena Nobre e Ulysses Nobre – parte da produção cultural da primeira metade do século XX em Belém, contribuindo para futuras investigações acadêmicas.

A pesquisa foi desenvolvida dentro da linha de pesquisa Teorias e Interfaces Epistêmicas em Artes e tem como objetivo analisar como está sendo desenvolvido o ensino de música nas escolas públicas de educação básica do município de Soure-Marajó-Pa, num estudo de caso do Instituto Stella Maris, levando em consideração alguns aspectos como o cumprimento da legislação, a utilização dos aspectos da musicalidade regional no ensino de forma interdisciplinar e a elaboração e implementação de políticas públicas sobre o ensino de música. Dentro de uma perspectiva etnomusicológica, pretende-se observar se as expressões musicais regionais, bem como as vivências musicais dos alunos são consideradas no processo de ensino de música. Utiliza-se no referencial teórico autores da área da etnomusicologia como Blacking (1981; 1995), Netll (1983), Lühning; Tugny (2016) e Queiroz (2004, 2020). A pesquisa é de natureza descritiva e exploratória e utiliza tanto dados primários, através das atividades de campo e realização de entrevistas, quanto dados secundários, através de pesquisa bibliográfica e documental. Espera-se que os resultados da pesquisa possam oferecer um diagnóstico do ensino de música nas escolas do município de Soure a partir deste estudo de caso e possam conduzir a reflexão e avaliação das políticas públicas voltadas para educação musical nesse município.

_{Esta pesquisa se propõe a compreender os processos de constituição da Elf Galeria no sistema da Arte local e suas ressonâncias na formação de colecionadores e coleções de artes visuais, na dimensão privada, no período de 1981-1999, em Belém, Pará. Para tanto, parte-se dos registros materiais do galerista e idealizador da Elf, Gileno Müller Chaves (1943-2006), a fim de construir a sua trajetória de vida associada ao processo de constituição e atuação da Elf Galeria. A pesquisa caracteriza-se como um estudo de caso de natureza qualitativa, abordagem teórico-empírica que tem os acervos do galerista como fonte primária. No desenvolvimento da pesquisa de campo e pesquisa bibliográfica, o eixo conceitual adotado são os estudos sobre memória, com base em Maurice Halbwachs e Pierre Nora. Recorro, ainda, a Ulpiano Bezerra de Meneses, para aprofundar questões sobre patrimônio cultural na relação público e privado e a François Dosse para a abordagem Biográfica. Realizou-se entrevista semiestruturada com a viúva de Gileno Chaves. Nas considerações finais apresenta-se a trajetória da Galeria, inter-relacionada ao seu idealizador e sua contribuição ao sistema da arte local.}

Esta tese é obra de criação experimental tramada por entre fios, linhas e fibras de fragmentos e ensaios que encenam atos poéticos e ritos de criação artística, ofertados em favor de cura ancestral e existencial por entre testemunhos de vida e de residência artística. Tessitura escrita advinda de afetações e de memórias, vividas ou inventadas, decorrentes de experimentações e de processos de criação da atriz-psicóloga-artista-criadora com as poéticas dadivosas de cura, como potências de cuidado de si e de outres. Trama-tese que parte da metáfora transformadora do ciclo de vida de borboletas transmutadas em devaneios poéticos, que produzem sentidos sobre o ato de pesquisar e de criar artisticamente. Trançada em espaços casulares e cruzada por outras vozes, dos que vieram antes e produziram outros enredos, presentificadas por entre as dobras, esquinas e encruzilhadas fêmeas por onde transita a pesquisa em arte e que constitue a confluência de caminhos metodológicos experimentados por entre dispositivos poéticos. Escritura testemunhal que visa contribuir para desterritorialização do ato de cuidar de determinados campos-poder de conhecimento, ao mesmo tempo territorializar sentidos de potências de cuidado ritualizadas em produções cênicas das poéticas dadivosas que estabelecem linhas de contato com outras áreas do conhecimento, científicas e não científicas, que acionam dimensões políticas, éticas-poéticas e espirituais.

A presente tese “Diálogos Atemporais de Música e Imagem: Ressignificando a obra de Clemente Ferreira Júnior (1864-1917)” busca estabelecer um diálogo artístico transdisciplinar, envolvendo composição musical e imagética em uma perspectiva de multilinguagens ligada ao estudo da musicologia histórica. Busca-se desvelar a linguagem musical de linguagem composicional do compositor Clemente Ferreira Júnior, através da análise de sua obra pianística, munido da perspectiva semiológica e semiótica, musical e visual, objetivando também desvelar os aspectos criativos (poiéticos) e perceptivos (estésicos) da mesma. Por fim, o estudo visa desenvolver um produto musical a partir da obra do compositor Clemente, a serem incorporadas na obra “Paisagens Imaginárias”, apresentando os processos artísticos do autor, envolvendo o conceito de “Pictopartitura”, através de memorial de composição.

A visão construída, ao longo do tempo, sobre as representações do corpo deficiente na arte, tem se mostrado, algumas vezes, associada à noção de estigma, que, normalmente, coloca a pessoa deficiente no lugar de um alguém considerado incapaz, inválido, discriminado, possuidor de condição de sofrimento - sobretudo, pelos padrões e formas como são representados nos meios de expressão artística. Como tema central desta pesquisa, apresentamos novas formas de investigação sobre essa relação, que não se detenham tão somente em noções convencionais, mas que, ao contrário, possam abranger um campo mais amplo e ao mesmo tempo aprofundado de investigação e debate, ao confrontar temáticas tais como ‘corpo’, ‘arte’, ‘linguagem’, ‘deficiência, ‘cinema’, ‘estigma’, todas pautadas, justamente, pela ideia de representação. Priorizamos, com esta pesquisa, analisar o corpo deficiente, com seus aspectos simbólicos e múltiplos significados, principalmente, quando esse corpo é trazido como elemento central, que ganha lugar na narrativa fílmica.   Para isso, nosso estudo se baseia, prioritariamente, em uma análise comparativa entre dois filmes, com contextos, narrativas e conteúdos bastante semelhantes: ‘Feliz Ano Velho’, no cinema brasileiro, e ‘Intouchables’, no cinema francês. Ambos os filmes são inspirados em obras literárias, mais precisamente em autobiografias e, seus personagens centrais, Mário, no filme brasileiro ‘Feliz Ano Velho’, Phillipe di Borgo em ‘Intouchables’, vivem situações de vida parecidas.  A opção por esse tipo de análise se dá, justamente, em razão de considerarmos a possibilidade de confrontar simetrias, ou não, entre esses trabalhos, justamente, pelas semelhanças entre as histórias vividas por seus protagonistas, pois ambos são vitimados em acidentes, ficam incapacitados para andar e transpõem suas experiências para a literatura. Segundo a perspectiva de análise e abordagem das relações que procuramos aqui entender, as possibilidades desta pesquisa, são complexas e intermináveis. Nesse sentido, tornou-se necessário um estudo mais específico sobre o corpo no cinema como indicador do lugar e do olhar assumidos na construção de nossa narrativa.

Esta pesquisa derivou a construção de uma tese dividida em quatro partes ou quatro atos. A princípio, a feitura da composição do arquivo sobre grupos teatrais, induziu-me para o método cartográfico e, possivelmente, ao etnográfico. Para início dos estudos, foi necessário conhecer e escrever sobre o panorama do teatro amapaense, com a finalidade de lançar um olhar crítico e sócio-político-cultural sobre os cenários do teatro no Amapá. Observei que havia uma quantidade enorme de material sobre teatro em geral, mas sobre grupos teatrais do Amapá nenhuma ou poucas referências. Comecei por referências bibliográficas: Elderson, MELO. Teatro de Grupo: Trajetória e prática do teatro acriano – 1970 a 2010. 2006. Samantha Agustin, COHEN. Teatro de grupo: Trajetória e relações. Impressões de uma visitante., 2010. Um autor específico é, constantemente, utilizado por quaisquer pesquisas, no que diz respeito às atividades teatrais amapaenses, o professor-pesquisador, Romualdo Palhano, da Universidade Federal do Amapá. Esse autor serviu como suporte bibliográfico principal, para uma pesquisa que até então, estava no lusco-fusco, pois, apesar de saber que havia trabalhos teatrais no Estado do Amapá, eu os desconhecia. Assim, decidi mudar o foco principal do trabalho e me dedicar a um objeto: os grupos de teatro do Amapá. Ou seja, a pesquisa deixou de ser exclusivamente bibliográfica e passou a ser in loco. A cartografia é uma ciência que, tradicionalmente, refere-se à habilidade de elaborar mapas, cartas e outras formas de representar e descrever, detalhadamente, ou expressar objetos, fenômenos físicos e socioeconômicos. É, também, uma demarcação, ou territorialização; uma determinação de espaços com a finalidade de orientação e de conhecimento a respeito dessas mesmas porções espaciais. Amparado por essas características, deixei que a pesquisa seguisse seu processo, explorando cada parte que se sobressaía, seus desdobramentos, porém, com o cuidado de não perder de vista o objetivo principal: registrar, quantificar, qualificar, quando for preciso, sem esquecer seu caráter libertário. Percebi que minha pesquisa também possuía um caráter etnográfica. Afinal, a etnografia, é um método das ciências sociais, mas não apenas, principalmente da antropologia, em que o principal foco é um estudo das culturas e o comportamento de determinados grupos sociais. No primeiro ato, faço um breve panorama histórico das atividades de cunho teatral desenvolvidas no Estado do Amapá. Passeio pela cronologia mais ou menos fiel de imagens selecionadas que contam como o teatro, seja com o primeiro prédio ou nas primeiras atividades teatrais, vem sendo apreciada, vivenciada, constituída no Estado. No segundo ato, piso o terreno movediço, por assim dizer, das políticas públicas de incentivo às artes cênicas. De todos os atos, esse é aquele ao qual dediquei cuidado especial, por tocar em questões conflituosas, por dialogar com temas caros às instituições públicas governamentais e não governamentais, e por descortinar situações visíveis, porém mudas, caladas por uma opressão conveniente. O terceiro ato é dedicado aos espaços teatrais ou aos lugares de teatro. A cidade de Macapá possui poucos espaços institucionais, constituídos como lugar de teatro, o que leva muitos grupos teatrais a buscarem alternativas para o desenvolvimento de suas atividades. Destaco, com essa evidência, que não apenas os lugares de teatro são necessariamente espaços teatrais. Surgem outros territórios, ditos aqui como “alternativos”.  O quarto ato, eu considero a alma do projeto de pesquisa. É nele que dedico e concentro esforços para construir uma espécie de narrativa, que expresse todos os anseios, alegrias, lutas dos grupos teatrais para fazerem arte, para se fazerem existir, em um lugar em que a valorização artística é tão incipiente. A cada conversa, a cada descrição dos grupos e suas atividades, era o descortinar de um perfil apaixonante. Independentemente, das farsas e dos disfarces, dos dissonantes discursos, das máscaras e maquiagens, busquei descrever e reverberar vozes que gritam, choram, lamentam, suplicam para se fazerem ouvir, mas também riem e trazem e sentem felicidade.

A presente pesquisa tem como objetivo propor uma reflexão sobre os processos de
criação duas obras cênicas: Vereka e Bonecos & Tambores nos seus aspectos
técnicos, estéticos e de identidade. As obras refletem de forma bio-ficcional a obra e
vida do Mestre Verequete. A pesquisa procurou compreender a importância do lugar
onde esses dois artistas foram forjados, tanto o pesquisador/artista, como o Mestre
Verequete e ratificar a importância desse lócus na formação de uma identidade
negra-amazônica-urbana-periférica. Os dois espetáculos se preconizam em fazer
uso dos instrumentos musicais utilizados no carimbó para a cena, mais
precisamente o tambor, o tambor ecoado da poética de um artista negro amazônico.
E é dentro desta perspectiva que identificamos os princípios de funcionamento da
“Roda de Carimbó” como metodologia de criação destas duas obras. Soma-se aqui
o uso do tambor a partir do teatro de animação contemporâneo, neste caso, o teatro
de objetos. A metodologia utilizada na pesquisa se desenvolve a partir da análise
dos documentos gerados nos dois processos: filmagens, fotografias, sites,
memórias e dramaturgias das obras.

Na Amazônia todo mundo é índio, exceto quem não é. E quem não é? Aqueles cuja feitiçaria colonial transformou em pobres justo aqueles que não reencontraram seu Povo. A partir desta etnografia etnogênica, criam-se camadas de autocompreensão étnica e caminhos de conhecimento sobre a ancestralidade matrilinear uroxilocal da etnia indígena Mebengokre-Kayapó localizados no sul e sudoeste da Amazônia paraense nas confluências dos rios Tocantins-Araguaia, Rio Xingu e Rio Fresco. Até terem transformado todos os indígenas do mundo em pobres, teremos enfeitiçado todos os pobres em indígenas.  

A insatisfação experenciada ao abrir livros dedicados à escrita dramatúrgica e encontrar um número reduzido de nomes femininos foi o mote inicial para o desenvolvimento da presente pesquisa. Notar que, dentre tais nomes, os de dramaturgas paraenses são majoritariamente ignorados, solidificou o desejo de destacá-los. Tendo em vista que eu, pesquisadora, também sou uma dramaturga paraense, tratar desse tema na Academia tornou-se um imperativo. Este trabalho – que integra o projeto Memórias da Dramaturgia Amazônida: Construção de acervo dramatúrgico, coordenado pela professora Bene Martins – objetiva refletir sobre o contexto de silenciamento da figura feminina no decorrer dos séculos, examinando importantes momentos históricos até o advento das dramaturgas brasileiras. A partir deste cenário, buscamos aprofundar questões relacionadas às dramaturgas paraenses, apontando especificidades de suas composições textuais para cena. Optamos por uma abordagem criativa de desenvolvimento, que combina a forma tradicional de escrita acadêmica com diálogos em formato dramatúrgico que transformam as escritoras estudadas em personagens de uma trama teatral, entremeada por conceitos de autoras da área. Os dados foram coletados por meio de pesquisas bibliográficas em livros, revistas especializadas, artigos acadêmicos e dissertações que versam sobre temáticas afins; além disso, informações reunidas a partir de entrevistas diretas com dramaturgas paraenses foram fundamentais para o desenvolvimento da pesquisa. Como referenciais relevantes, destacam-se as obras de Gerdal Lerner, bell hooks, Hannah McCann, Simone Beauvoir, Angela Davis, Angela Saini, Mary Wollstonecraft, Virginia Woolf, Heloísa Buarque de Hollanda, Naomi Wolf, Valéria Souto-Maior e Elza Cunha de Vincenzo. Por fim, pretendo contribuir para os esforços de mapeamento dos trabalhos artísticos femininos, buscando reunir trabalhos dramatúrgicos produzidos por escritoras amazônidas, de modo que não sejam relegados ao ostracismo.

Esta dissertação apresenta reflexões sobre como os processos educativos em Artes Visuais podem ocorrer por meio de procedimentos curatoriais, mediações culturais informais e práticas educativas digitais, sendo estas ocorridas no contexto de pandemia. Para isto, analiso três exposições ocorridas nos anos de 2019 e 2021, nas quais participei ativamente dos processos curatoriais e  pude analisá-los de dentro para fora. Para tal análise fiz uso do método de Estudo de Caso com viés interpretativo, tendo como procedimentos metodológicos a pesquisa bibliográfica em fontes diversas e a coleta de dados via observação participante, o que possibilitou a interpretação das experiencias por meio das entrelinhas dos fatos vivenciados. Para o diálogo compartilhei dos ensinamentos teóricos de Éder Chiodetto (2013), Felipe Scovino (2016), Caroline Ruoso (2019), Ana Amélia Bulhões (2014) e Mariza Morkazel e Rosangela Britto (2020) os quais dialogam comigo sobre processos curatoriais e sistema da arte em seu contexto nacional e local. Djamila Ribeiro (2019), bell hooks (2017; 2019), Homi K. Bhabha (2001), John Fletcher (2020)  e Rafael Bqueer (2020) para discutir sobre revisões identitárias no sistema da arte brasileiro, com Ana Mae Barbosa (2002), Inês Ferreira (2014), Tereza Scheiner (2003), Teixeira Coelho (2004) para analisar a mediação cultural através da própria obra de arte e por fim Paulo Freire (1980, 2003), Carlos Rodrigues Brandão (2007), Timoty Ingold (2000) e Jorge Lorrosa Bondía (2002) para discutir sobre os diferentes tipos de educação e seus modos diversos de aprendizagem. Compreendo esta dissertação como uma análise autocritica de experiencias profissionais que possibilitaram discutir outras perspectivas, locais e conhecimentos para arte educação, assim desejo ter contribuído para ampliar os processos educativos em Artes Visuais e com isto ter ajudado a promover a diversificação do pensamento local sobre o papel das Artes Visuais e de sua importância como formadora de perspectivas socioculturais.

Os amigos que desconheço é um processo de criação artística e poética concebido como uma performance caminhante em que o caminhar é composto como um fundamento e qualidade de guerrilha e posto em prática como um cuidado de pensamento e ação em relação à emergência e a permanência do Antropoceno. Se o Antropoceno, a época geológica do homem, o homem tornado força geológica, indica um tempo inexorável de intensificação das catástrofes em todo o planeta, como é possível caminhar-viver por entre catástrofes? E o que o caminhar pode nos fazer ver e criar como linha de fuga e deserção em relação ao modo como temos vivido, sobretudo, frente às estruturas de colapso que são os grandes centros urbanos? Assim, este caminho artístico é pronunciado através dos impactos e das metamorfoses que afetam o performer-caminhante em um mundo que rapidamente e violentamente se atropela de novas premissas à vida. Os calçados, nesse sentido, se situam como o ponto de partida que o orientam na trama deste processo-caminho. Aparecem como imagens espectrais que insinuam tragédias. Calçados nas ruas: que dizem da falência do mundo e o que podem sugerir de histórias e ou situações que suscitem sensibilidades e/ou cuidados que nos fortaleçam e/ou apontem outros caminhos? Para pensá-los nestes termos, performei um modo de ir e de me fazer ao encontro deles; sou seu amigo, eu lhes disse. Junto a eles é que esse processo foi se alargando – dando origem, inclusive, a séries performativas consequentes – e sendo esculpido através de inúmeras linhas de escrituras e densidades literárias, entre enxertos e estratos de pensamento, fragmentos poéticos e insinuações teóricas e ou imagéticas, que especulam e discorrem, à sua maneira, acerca dos modos e das possibilidades de caminhar e, portanto, de existir, em um mundo cada vez mais hostil ao corpo e aos corpos.

Esta pesquisa para ter como possível resultado de uma poética performativa. desenvolveu-se por meio do processo de experimentação. A partir da palavra força “queda”, buscou- se experienciar no meu corpo as sensações por quais ele passou quando parte da parede de minha casa, feita de barro caiu. Esse experienciar foi atravessado por múltiplos intercessores, processos anteriores meus que tem em comum a substância barro. A pandemia da COVID 19 confluiu com a pesquisa, fazendo emergir de uma das linhas de fuga do experimento a arte em vídeo, pois o que seria um trabalho performativo presencial, tornou-se em um teatro performativo pandêmico filmado. Meus objetivos a saber eram: capturar minhas sensações do corpo no momento da queda, trans criando-as em um dispositivo poético, o panôcorpo; transmutar a poética do panôcorpo em ações performadas como traços de uma autobiografia cênica; performar um acontecimento de desabamento como um devir que mundia o barro-corpo. O Panôcopo foi o dispositivo poético que cartografei com o desejo de tatear o processo e perceber as aberturas possíveis para a poética “Visagenta e o Desabamento do Mundo” resultado desse estudo. Meu procedimento metodológico foi a cartografia. Nessa espiral criativa, artistas de Belém contribuíram com essa fabulação, assim como Ana C Colla, Ana F Mendes, Cecilia Almeida Salles, Gilles Deleuze e Félix Guattari, Janaina Fontes Leite, Josette Fèral, Iara Regina da Silva Souza, Karine Jansen, Valzeli F Sampaio, Virgínia Kastrup dentre outros.

Palavras Chaves: Panôcorpo, cartografia, barro corpo, autobiografia, teatroperformativopandêmicofilmado 

AZEVEDO, Thiago Guimarães. O OLHAR NA PERIFERIA: A trajetória de Luiz Braga através de Retumbante Natureza Humanizada, 2021. 276 fls. Tese (Doutorado em Artes) – Programa de Pós-Graduação em Artes, UFPA, Belém

A vasta obra do fotógrafo paraense Luiz Braga representa a construção do olhar de um artista que desenvolve uma identidade a partir de uma estética visual que dialoga com diversas frentes de atuação, como fotografia, cinema, artes plásticas, publicidade e propaganda, entre outras. Nesse sentido, Luiz Braga ao longo de 40 anos buscou e desenvolveu uma produção visual sobre a Amazônia que representa uma percepção desse espaço para além dos estereótipos já construídos em outras imagens. Todavia, tornando a periferia paraense-amazônica um lugar de potência visual, principalmente por conta da intervenção feita por esses personagens retratados pelo fotógrafo com o uso da cor e da sua relação com a paisagem. Dessa forma, essas manifestações visuais captadas por Luiz Braga criam um amplo diálogo que vai da antropologia como método para criar relações com seus entes a serem fotografados, como das próprias artes visuais na relação com a montagem das cenas, a captura de luz e cor e a subversão da imagem através do Nightvision. Tem-se na exposição "Retumbante Natureza Humanizada", o ponto de ancoragem para compreender essa trajetória desenvolvida pelo fotógrafo e buscar nela esses pontos de singularidade que o fazem referência no campo da fotografia autoral. Como aspecto metodológico recorreu-se a entrevistas com o fotógrafo, amigos, parceiros de trabalho, curadores. Pessoas que de certa forma tem relação com o artista ou com a exposição em si. Foi realizada também pesquisa nos arquivos do fotógrafo e de pessoas que possuíram algum vínculo com o artista que possam contribuir na construção narrativa em torno da exposição e das imagens. Por conta da pandemia de COVID-19, Luiz Braga passou a participar de Lives em canais do Instagram, conversando sobre sua trajetória com curadores e críticos. Como ponto teórico buscou-se em Walter Benjamin, João de Jesus Paes Loureiro, Roland Barthes, François Soulage, Roberto Signorini e outros como forma de compreender o processo de narrativa dessa trajetória do fotógrafo, bem como no entendimento para leitura de suas imagens. Essa pesquisa foi financiada pela Universidade do Estado do Pará através da bolsa de incentivo à capacitação.

A qualidade do ensino de música nas séries iniciais e os desafios da inclusão, revelam a importância de se fornecer oportunidades de capacitação. Este estudo objetivou construir uma proposta de capacitação para professores de Música ao ensino de alunos com Transtorno do Espectro Autista (TEA), na Educação Infantil e, para tal: (a) formatar uma proposta de capacitação para docentes de Música com enfoque ao Ensino de Música para crianças com TEA na Educação Infantil; (b) aplicar a capacitação para professores de música em atuação em Castanhal/PA; e, (c) avaliar seu impacto na prática dos cursistas, durante a pesquisa. Trata-se de um estudo experimental com fundamentação técnico-científica, de corte transversal e com enfoque teórico-prático, dentro dos parâmetros metodológicos da pesquisa-ação. A amostra obtida pela técnica de amostragem não paramétrica inclui 3 professores formadores e 13 cursistas. Foram formatados cinco módulos (O Transtorno do Espectro Autista e desenvolvimento humano na infância; EDUCAÇÃO MUSICAL E AUTISMO: materiais e técnicas para o ensino de música e inclusão; A Teoria de Aprendizagem Musical de Edwin Gordon aplicada ao Autismo; EDUCAÇÃO MUSICAL E INCLUSÃO: Planejamento e avaliação; e, Prática supervisionada ao Ensino de música para crianças com TEA). Um site e seis protocolos foram elaborados para coleta de dados: Questionário sócio demográfico e de sondagem de conhecimentos do cursista; Avaliação estrutural dos módulos da capacitação MusiTEA; Questionário para validação do site MusiTEA; Ficha para avaliação e lapidar das ementas dos módulos da capacitação MusiTEA; Ficha de avaliação do plano de aula (Prática Supervisionada); e, Ficha de avaliação de prática supervisionada (MusiTEA) – Atividade gravada MLT. As ementas dos módulos, protocolos e site foram validados por pares de juízes independentes até a obtenção mínima de 80% de concordância. Os dados coletados passaram por análise exploratória, abordando a estatística descritiva, assim como, a utilização do Teste de Wilcoxon, hipóteses nula e alternativa: H0=0,5 e H1>0,5 e α>0,5, adotando α = 0,05 (erro adotado 5%) e nível de significância de 95%. Foi utilizado o programa Excel para estatística descritiva, realização de tabelas, gráficos e limpeza dos dados. Observou-se um bom desempenho dos cursistas entre a aplicação dos módulo 1 e 2 (T ⁺ = 46,5 > T(tabelado) = 5, rejeita H0). Entretanto, não foram verificadas melhorias entre os módulos 1 e 3 (T ⁺ = 17,5 > T(tabelado) = 0, não rejeita H0); registrando-se uma “queda” entre a aplicação dos módulos 2 e 3 (T ⁺ = 10 > T(tabelado) = 2, não rejeita H0). Já em comparação dos módulos 1 e 4, este último apresentou melhor rendimento (T ⁺ = 37 > T(tabelado) = 8, rejeita H0). As oscilações de desempenho subsidiam que H0 não deve ser rejeitada em prol de H1, não se podendo afirmar que o curso melhorou o desempenho dos cursistas, embora os dados descritivos revelem o alcance substancial da capacitação. O retorno dos participantes para ministrar aulas em formato híbrido durante a ocorrência do módulo 3 mostrou-se um dos impactos do cenário Pandêmico. Sugere-se replicação do estudo com um n maior e lapidar dos módulos.

RESUMO

O objetivo deste estudo é analisar metodologias sensoriais de ensino e aprendizagem aplicadas a um processo de criação em dança desenvolvido com bailarinos que possuem deficiência visual. Os conceitos que balizam a pesquisa são: o háptico a partir de Ingold (2015) e Deleuze e Guattari (1997) e a fenomenologia da percepção de Merleau-Ponty (2011). O processo de criação poética ocorreu nas dependências da Escola de Teatro e Dança da Universidade Federal do Pará (ETDUFPA), com a execução de laboratórios de experimentação e criação em dança em dois grandes eixos: 1. A dança háptica e 2. O corpo sonoro, ambos pautados em vivências em dança com a exploração dos sentidos remanescentes dos sujeitos da pesquisa, bem como a aplicação das metodologias advindas desses laboratórios no espetáculo Corpus Sensorialis. A análise conta com dois sujeitos, quais sejam um bailarino cego e uma bailarina com baixa visão. O método de abordagem é o fenomenológico-hermenêutico. A pesquisa de campo é alicerçada pelo procedimento de estudo de caso, e tem como técnicas de coleta de dados o uso de registros audiovisuais e fotográficos, entrevistas semiestruturadas e depoimentos verbalizados gravados em áudio durante os laboratórios e o espetáculo.  A pesquisa poética e teórica, base deste estudo, ao investigar metodologias sensoriais no processo criativo em dança para pessoa com deficiência visual, trouxe como possibilidade a dança pensada e executada a partir da percepção háptica e sonora. Os laboratórios de criação mostram a urgência de se pensar nas especificidades, necessidades reais do sujeito. Emergiram dessas experiências algumas metodologias sensoriais no fazer dança para pessoa com deficiência visual, pautadas nas experiências corporais dos sujeitos bailarinos desta pesquisa. As proposições metodológicas experimentadas nos laboratórios de criação, ao serem aplicadas no processo de criação do espetáculo Corpus Sensorialis, evidenciaram uma forma de pensar e fazer a dança que contempla os sentidos remanescentes dos sujeitos bailarinos com deficiência visual. Propiciaram, também, um estar em cena de forma autônoma por parte dos bailarinos e despertaram nesses corpos percepções sensoriais no ato de dançar, significativas.

Palavras-chave:  Dança. Deficiência visual. Processo de criação. Háptico. Sensorialidade.  

Este estudo compreende a alteridade que vivenciei no cemitério São Bonifácio e Bosque da Igualdade com biscateiros, famílias enlutadas, vendedoras de manicuera, de doces de tapioca, de grinaldas de flores e com os praticantes da Iluminação dos Mortos em Curuçá-PA nos anos de 2017, 2018, 2019, 2020 e 2021. Vivência que trouxe à luz o corpo da pesquisa em suas dimensões econômicas, sociais, simbólicas e de pertencimento como etapa importante para a saída do luto e o apaziguamento entre vivos e mortos. Com o mergulho epistemológico na Etnocenologia, enquanto Etnocenóloga de Ritos Fúnebres, adenso as discussões sobre espetacularidades apresentando o corpo-cemitério, territorialidade habitada por mortos que possuem Vizinhos de sepultura, zeladores de túmulos e biscateiros (trabalhadores exclusivos para construção, pintura, limpeza e identificação de suas casas-túmulo) – nomenclatura própria do fenômeno e que compreendo como um papel social dentro das Práticas e Comportamentos Humanos Espetaculares Organizados (Armindo Bião). Na Iluminação dos Mortos, os túmulos são enfeitados com grinaldas de flores, velas são acesas e preces realizadas pelos participantes que desfilarem seus estilos escolhidos para aquela ocasião em um verdadeiro Cemitério Fashion, com camisas personalizadas homenageando o morto familiar, sendo o corpo, o templo do afeto (Miguel Santa Brigida) para honrar seus antepassados. Para desenterrar as concepções que cercam a mudança de mentalidade sobre a morte de si para a morte do outro (Philippe Àries), pelo deslocamento do espaço geográfico da igreja-cemitério para o cemitério secular, na secularização da morte (Cláudia Rodrigues) em Curuçá-PA, movi o olhar e meus estudos para a Igreja histórica da Ordem Terceira do Carmo em Sabará – MG, por ainda conservar indícios de igreja-cemitério. Assim, apresento como contribuição epistemológica o Campo Movente, noção que possibilita ao pesquisador mover o olhar e seus estudos para outro campo/corpo que abriga semelhanças históricas, territoriais, simbólicas ou de pertencimento para a compreensão do fenômeno estudado. Na trajetividade deste estudo, enfrentei da morte do meu pai em 2019, passei pela compreensão do luto e saio junto aos curuçaense que se reconectaram aos seus entes queridos com velas acesas e preces em quintais, durante a Pandemia de Covid-19.

A presente pesquisa-criação filia-se à linha de pesquisa Poéticas e Processos de Atuação em Artes do programa de Pós-graduação em Artes da Universidade Federal do Pará (PPGARTES/ICA/UFPA). Seu objetivo principal é realizar experiências de imersão e emersão (EIEs) a partir do encontro entre a dança imanente (Mendes, 2010), as encantarias (Loureiro, 2008) e a noção de poesia (Cotê, 2015). Propondo-se a sublinhar interações teórico-artísticas emergentes no processo de criação, as EIEs são a metodologia da pesquisa de onde nascem os procedimentos de experimentação, criação e reflexão, assim como as próprias poéticas em dança. Os processos de criação artística tomam como inspiração os mundos mágicos submersos nos rios amazônicos: as encantarias, espécie de dimensão transcendental onde habitam os seres encantados poetizadores da existência desses rios. A ideia de uma profundeza encantada no rio encontra-se nesta pesquisa com a dança imanente, fundando como proposição teórico-prática principal a noção de encantaria-corpo, a qual fora aplicada junto ao coletivo Companhia Moderno de Dança, visando o estímulo de processos criativos. Os resultados da pesquisa são a obra cênica Na Beira, as vídeo-danças Poesia Submersa, Vamos falar de poesia?, Nas águas do invisível, Onde estará o além das coisas?, Dar-se em Vertigem, Ecos das Entranhas e Seres de Si e, ainda, este texto memorial.

Escritos Vagalumeantes. São ações presente na vivência-memória-criação deste pesquisador durante sua fase criança, reverberadas ao longo dos anos até a atualidade. Sob(re) a observação dos voos dos vaga-lumes no escuro da mata, essa (vivência-memória-criação) se apresenta nas proximidades do rio Xingu, no município de Altamira, no interior do Estado do Pará-Brasil. Dessa observação surge a provocação de refletir sobre processo de transcriação vagalumeante e potencializar as interpretações do que seria luz, breu, trajeto, encanto, mistério, frustração, mo(vi)mento, imaginação e (trans)criação no meu fazer artístico, da minha dança. Para tanto, o momento atual atravessa esse processo, pois estamos em tempos de busca de uma cura mundial devido à COVID-19, onde busca-se também curas individuais da saúde mental pelas reflexões e ações, sendo estas pessoais e sociais. Acredito que tais ações e reflexões de cura podem ser acionadas diretamente pelo âmbito artístico, mas, paradoxalmente, a Arte vive um momento de desvalorização ainda maior, social e individualmente, diria até mesmo por parte de nós artistas, que não enxergamos em muitos momentos a relevância da Arte na cura da humanidade historicamente reconhecida, pois nos cegamos ao buscar a sobrevivência por meios que nos põem em um estado alheio ao corpo artístico e presos em um corpo biológico, e assim buscamos sobreviver e nos curar por outros meios que não o fazer-pensar a Arte do/para/no corpo. Não aceitar as mudanças, as diferenças e os mo(vi)mentos coletivos diante de uma doença adoece tanto quanto a contaminação por um vírus no sangue. Escritos Vagalumeantes são mo(vi)mentos, observAções, são infinitas luzes e breus em meio ao caos das incertezas apresentadas pelo meu processo-vida. Isso em um coletivo artístico chamado Companhia Moderno de Dança, se instaura na corporificação do coletivo artístico em seu fazer-pensar o corpo múltiplo e uno, sob o nome Etá para esta pesquisa atravessada pelas possibilidades midiáticas e afetivas. Gerando como resultados o memorial composto por seis livretos e uma poética denominada de Vagalumear, essa composta de quatro vídeos.

RESUMO

Esta pesquisa enfocará a história do cineclube da Associação Paraense de Críticos Cinematográficos (APCC), pela importância do registro, análise e divulgação dos trabalhos desenvolvidos, desde a criação aos dias atuais e estabelecer relações e propostas educacionais de interação do cinema com os sujeitos inseridos no mundo. Todos os trabalhos são fontes para a revisão e criação de conceitos, função e importância do cineclubismo, como espaço para exibição de filmes e estímulo a estudos sobre a evolução do cinema como arte e suas variadas alternativas de criação e comunicação com os espectadores. Um dos objetivos é valorizar o trabalho dos Cineclubes e atualizar, na contemporaneidade, sua importância como elemento de ação cultural e de educação cinematográfica. Visa, ainda, documentar e analisar as ações realizadas pelo Cineclube da APCC, no período de 1967 a 2020, por meio da investigação bibliográfica e documental (artigos de jornais, entrevistas e anúncios), tal como das atividades exercidas, dos agentes culturais envolvidos, dos parceiros que colaboraram com sua atuação e dos espectadores das programações realizadas, nesse movimento cineclubista de Belém-PA. Ao pesquisar o histórico de um cineclube que compartilhou experiências fílmicas com diversos espectadores, entende-se que a evolução da arte cinematográfica precisou de várias tentativas para criar linguagem própria com a contribuição de diversos artistas. Mas, a extensa trajetória de experimentações precisou de outros meios de inserção para o público como os cineclubes, estes criados nos anos de 1920, na França. Estes cineclubes foram fundamentais para o entendimento e valorização de outras estéticas cinematográficas. A partir do estudo da atuação de um cineclube localizado na Amazônia, com maiores adversidades operacionais que em outros centros urbanos, ressalta-se o intenso despertar da cinefilia de seus agentes e a importância de compreender sua história para manter ideais cineclubistas em atividade. Com vistas a manter e ampliar as ações de cultura cinematográfica praticadas por esse cineclube, é preciso pensar em uma cinefilia ampliada que inclua uma maior relação entre o cinema como arte e sua relação com o mundo em propostas que desenvolvam e explicitem seu potencial como meio artístico- educacional. 

Os fios que tramam a escrita desta Tese se entrelaçam aos fios de experiências vividas pela artista-pesquisadora/focalizadora-dançante Ana Cláudia Pinto da Costa, no contexto do coletivo UBUNTU, movimento de Danças Circulares Sagradas da cidade de Belém/PA. O trabalho é fruto de uma pesquisa de cunho etnográfico no campo das Artes, acerca das doze Orações Corporais, inspiradas na Cabala pela bailarina e coreógrafa Frida Zalcman. Tais danças correspondem à “tradução” dançada das orações cantadas na sinagoga. A pesquisa se insere num estudo mais amplo acerca das chamadas orações corporais, norteadas, neste caso específico, pelos preceitos da Cabala, a Árvore da Vida, levando-se em consideração seus quatro mundos e suas emanações energéticas (sefirót). Essas orações corporais são um modo de vivenciar, por meio da dança, os rituais litúrgicos do Judaísmo, favorecendo o contato do praticante com os mundos da Cabala, onde supostamente acontece o encontro com o Criador. O estudo busca compreender o sentido e o significado que os preceitos da Cabala dão à dança, tal como foi organizada e sistematizada por sua idealizadora, implícitas no contexto da performance ritual da Oração Corporal Mode Ani Lefanecha, a partir da cosmovisão das dançantes. A pesquisa se inscreve em três campos teórico-metodológicos: 1. Antropologia da Dança, campo que possibilita observar, vivenciar, e compreender a “dança” – movimentos, passos, ritmos, gestos, simbolismos, ritual, entre outros elementos – em sua relação com o contexto no qual ela é transmitida e praticada; 2. Fenomenologia da Percepção de Merleau-Ponty, com estudos focados na estesiologia do corpo; 3. Dança Terapia de Andrea Bardawil que se constitui na experiência com a dança, a partir do diálogo com a educação somática, a consciência corporal e a improvisação.

Esta pesquisa apresenta reflexões sobre a poética de quatro artistas visuais negras/negre da Amazônia, sendo ume da cidade de Manaus, uma de Porto Velho e duas de Belém, a partir de temas que emergem de suas obras, como ancestralidade, corpo, funcionalidade da arte e construção da imagem. Para adentrar o universo de cada artista, foi necessário contextualizar o território, a autodefinição de cada ume e as discussões sobre imagem e racialidade na Amazônia. Para refletir sobre essas questões abordarei o pensamento des própries artistas Rosilene Cordeiro, Marcela Bomfim, Kerolayne Kemblim e Maria Luiza Nunes registrados por meio de conversas, entrevistas e vivências em atelier e exposições. Estes estarão em diálogo com a base teórica, composta por autoras como bell hooks, Zélia Amador de Deus, Grada Kilomba, Rosana Paulino, Naiara Eugenio, Azoilda Loretto Trindade e Lélia Gonzales. Percebo que o trabalho des artistas compreende um processo individual e coletivo de fazer e refazer, contar e recontar histórias e narrativas interrompidas, são maneiras de fazer arte que interligam a Amazônia a África.

A pesquisa consiste em analisar e compreender aspectos do repertório musical tradicional japonês (tendo como foco obras do repertório da música clássica tradicional japonesa - obras para koto do compositor Tadao Sawai - e obras do repertório da música popular tradicional japonesa - min'yô, especificamente do estilo Tsugaru shamisen). Esses aspectos constituem-se de forma orgânica como elementos de multiplicidade e diversidade que habitam diversos domínios culturais nipônicos (princípios ético-estéticos presentes na cerimônia do chá, na literatura japonesa, na música, etc). Dessa forma a perspectiva de pesquisa almeja compreender lógicas musicais e modos de organização elementais entendidas e observadas a partir de uma perspectiva em que a intertextualidade atue de forma orgânica sobre esses diversos domínios. Estes sendo transversalizados com o apanhado teórico e a vivência musical do próprio pesquisador ao identificar e reconhecer aspectos musicais com inter-relações em níveis e domínios culturais diversos. A prática de pesquisa desenvolvida se intitula como uma prática Musecológica, que tem por base tanto uma dimensão etnomusicológica, como uma dimensão musicológica, e opera por princípios empíricos e fenomenológicos estabelecendo como elemento norteador o conhecimento do objeto a partir da prática, da inserção e do aprendizado não-distanciado das práticas musicais estudadas. A pesquisa também opera por meio de um resultado criacional, partindo do princípio que a melhor forma de comunicar o conhecimento sistematizado na pesquisa é gerando vivências e contatos com o próprio material musical derivado desse discurso polifônico.

"Crônica/memorial sobre a produção artística na Belém do final do século XX: três coleções e alguns biografemas" é um estudo crítico-analítico de parte da produção artística paraense nas três últimas décadas do século XX, a partir de três coleções particulares.

Esta tese deve ser compreendida como uma produção têxtil, tessitura e texto de uma dança tramada, um tecido doutoral bordado em linhas de processos de criação, processo estes cerzidos a partir de três fios condutores a se ver: memória, afeto e artesania. Arte(sanato) que se alinha a têxteis outros, tessituras de Saramago (2009), Bettani (2015), Sennett (2009), Ostrower (2013) e Salles (2013), a compor uma trama inicial de um processo que se pretende criação de uma dança bordada que se configura a partir de linhas, fios e tecidos.

A formação de um músico profissional consiste em diversos fatores que são ensinados de acordo com a condição técnica e artística. Um desses fatores demarca um momento ocorrente na transmissão pela comunicação e expressão musical ao espectador, tornando-se, via de regra, o produto final da consolidação do ensino instrumental naquilo que se pode denominar apresentação ao vivo, presencial, do musicista, isto é, seu desempenho em frente ao(s) espectador(es). A prática de apresentações revela um aspecto crucial na compleição formativa do músico. Observando este momento sensível de compartilhamento de experiências, mais das vezes olvidado nos currículos de ensino musical, esta pesquisa propõe uma teoria para a preparação do músico. Os ditames de investigação se deram junto a estudantes do curso de Bacharelado em Música de Belém do Pará, realizado no Conservatório Estadual Carlos Gomes, averiguando a organização e preparo para obtenção de um nível satisfatório na performance musical e aferindo o domínio psicofísico dos instrumentistas durante e após as apresentações, e desenvolvendo princípios recorrentes. Para isto, foram realizadas pesquisas de campo com apresentações do projeto de pesquisa, entrevistas e observação de aulas com a turma de violino de diferentes semestres. Com a contribuição da modalidade de estágio do Programa de Pós-Graduação em Artes, foi possível obter a convivência com os estudantes, durante as aulas, e diagnosticar o comportamento das habilidades canalizadas para uma apresentação e as interferências no palco. Logo, foi possível refletir sobre as membranas que dão suporte ao violinista, direcionando suas competências e habilidades para uma teoria que é sintetizada na figura de um Tetraedro. Esta figura tem embasamento em técnicas das artes cênicas que apresentam uma reflexão sobre o estado do performer, permitindo um maior desenvolvimento no palco. Como questão norteadora, tem-se o questionamento sobre a necessidade de um preparo do violinista, habilitando-o ao domínio psicofísico durante a apresentação em cena, conforme o aporte teórico de autores como David Roland (2001), Sonia Ray (2005), Barry Grenn (1987) e Eugenio Barba (1991).

Este memorial apresenta a minha pesquisa sobre processos de criação, em especifico o processo de construção poética do espetáculo Isso não é um Poema! Nele, relato a minha experiencia de vida, autobiografia, confissão, memórias e suas luminosidades como artificio para a criação cênica. Como base para analisar o meu próprio processo de criação, converso com Cecilia Salles (2011), Eleanor Arfuch (2018) com o conceito de espaço biográfico e confissão de Oscar Conargo (2009). Relato nesse percurso a teia simbólica relacional da vida com o momento de criação. Trago referencias de primeira grandeza, minhas próprias vivências enquanto artista criador para exemplificar meus passos no processo construtivo de um novo território imagético pessoal. Como metodologia utilizo a cartografia na produção de dados no início da pesquisa, utilizando pistas para a atenção do cartografo organizadas por Virginia Kastrup (2009), Rastreio, toque, pouso e reconhecimento atento. Relato memórias pessoais e suas luminosidades, com cores, intensidades e texturas na tentativa de responder a pergunta como ser luz na escuridão?.

Esta pesquisa trata do fazer artístico da pessoa com deficiência, isto é, do processo de criação em dança em que esta é capaz de desenvolver diante desse corpo peculiar, o corpo girassol. Partindo desse ponto de vista, podemos dizer que é de suma importância que a pessoa tenha conhecimento do seu próprio corpo, por vezes, adormecido e inexplorado. Proponho-me a vivenciar caminhos de uma dança desprendida de suportes técnicos ou padrões já estabelecidos de movimento, buscando, todavia, experienciar a necessidade do ato de se mover em suas diversas qualidades cotidianas de movimento, considerando a diversidade de expressão artística da pessoa. Lanço-me então à dança como um meio e não um fim em si próprio, segundo Santos e Figueiredo (2002-2003). Como resultado de nossas vivências, os artistas da Associação dos Pais e Amigos de Excepcionais (APAE) do município de Marituba participaram do espetáculo da Ritmos Escola de Dança: Nheengatu, uma criação em dança colaborativa - investigativa - inclusiva, enfrenta problemas no que diz respeito à compreensão da dimensão técnico, em especial, sobre o seu ensino, iremos nos valer de especial, sobre o seu ensino, iremos nos valer de diversos estudos feitos por especialistas na temática em tele, a saber: Izabel Marques ( 2010), Klauss Vianna ( 2005), Cecília Salles ( 2016), Jussara Miller ( 2010), Ana Flávia Mendes (2010). Tais referências serão fundamentais para elaborar uma visão de dança que vise incluir, em detrimento da aula engessada de dança, algo tão recorrente na nossa realidade.

Por linhas sinuosas de pensamentos aéreos tecidos por uma escritora-borboleta, escrevo sobre o corpo-cavalo de Dona Rosinha Malandra, Entidade da Esquerda umbandista. Dona Rosinha é recebida por Rosa de Luyara, Mãe de Santo trans/travesti da periferia de Belém, fator preponderante para o desenvolvimento de epistemologias libertárias de cunho imoral, cujos atravessamentos poéticos foram vivenciados pela atriz-pesquisadora-bacante, na encruzilhada afetiva da Umbanda Amazônica. Sob a imagem poética da vulgaborboleta, a metodologia desenvolvida nesta tese configurou-se num processo envolvendo doces mortes para novas vidas transformadas. Pupas, vulvas quentes, casulos, estranhamentos de si na compreensão da casa-cosmos perfumada com essências de cobra, força motriz de um corpo-cavalo-travestido. Puta, Pistoleira, Dona de Cabaré revela mistérios, segredos de uma cosmovisão malandra, pertencente ao tempo presente, para o empoderamento social de uma comunidade. Como contribuição epistemológica para a Academia, desenvolvo a noção de corpo-encostado, que se configura em uma proposta epistemo-metodológica de um corpo em processo de criação. Trata-se de uma tese feminista, transformadora, transgressora, deliciosamente imoral. A pesquisa deseja alçar ardentes voos borboletários, fundamentados em noções etnocenológicas, imagens bachelardianas, no imaginário de Durand e no pensamento sensível de Maffesoli para preparar os caminhos a serem percorridos na construção identitária de gênero, de comunidade e de liberdade epistêmica-artística.

O presente trabalho vinculado à Linha de Pesquisa de Poéticas e Processos de Atuação em Artes apresenta os diversos movimentos poéticos que emergiram do meu processo de criação a partir da apropriação de acúmulos de imagens fotográficas autorais, produzidas por meio de dispositivo móvel e um álbum de fotos antigo de família. Ao longo do memorial serão elucidadas as camadas operacionais de construção desta pesquisa -  o que fora vivenciado, o que fora materializado e o que fora pensado conceitualmente. O fruto destas três instâncias delineia a trama de um Projeto Poético contaminado por memórias, desejos, complexidade e uma viagem em torno da multiplicidade da imagem.

A presente pesquisa se volta à prática musical – expressão aqui usada em termos conceituais - no contexto do Projeto Pará Caribe, realizado em Belém, pela Fundação Cultural do Pará, de 2015 a 2017. Investigar a prática musical no contexto do Projeto Pará Caribe da Fundação Cultural do Pará foi o objetivo principal desta proposta. Os específicos foram: fornecer informações contextualizadas sobre o projeto Pará Caribe; expor os processos de transmissão musical e descrever as práticas musicais no Projeto Pará Caribe, com atenção à relação entre os processos de composição musical e performance naquele contexto. Nesse intuito, implementou-se pesquisa bibliográfica sobre prática e transmissão musical, à luz da Etnomusicologia, buscando também fundamentação teórico-metodológica na Educação Musical. A pesquisa se referencia em autores como Gerard Béhague (1992), Alan Merriam (1964), Bruno Nettl (1983; 1992), Anthony Seeger (1991), John Blacking (1992) e Sonia Chada (2007), Keith Swanwick (1992), Margarete Arroyo (2002) e Jusamara Souza (2004). Realizaram-se entrevistas semi-estruturadas com alunos e professores do projeto. A análise de dados realizada levou em conta dimensões sintáticas e semânticas tanto das entrevistas quanto das letras e músicas criadas em sala pelos alunos e registradas em estúdio, shows e ensaios. Tais procedimentos permitiram que a forma e o conteúdo do material analisado fossem passíveis de interpretação, considerando-se aspectos históricos, musicais, contextuais e cognitivos da prática musical em questão. Os processos criativos e seu fazer musical conjunto com a performance, bem como os resultados alcançados no projeto - onze músicas gravadas e dezoito shows realizados entre o laboratório de criação musical e a mixagem do fonograma Pará Caribe -, instigaram a pesquisa aqui apresentada. O trabalho resulta na presente dissertação, tendo como anexos um caderno de partituras e um CD com as músicas produzidas pelos alunos durante o projeto e citadas no decorrer do texto. Entender contextos nos quais criação musical e performance são possíveis porque concomitantes, disponibilizou uma chave importante de compreensão do processo criativo no contexto do Projeto Pará Caribe. Além disso, conclui-se que o estudo de práticas musicais em Belém, no Pará, contribui para a compreensão de como tais práticas formam, constroem ou influenciam as noções de identidades sonoras na Amazônia brasileira, ao compartilharem subjetividades coletivas transformadas e (re)construídas para além do contexto dos estados nacionais, uma realidade presente na América Latina e no Caribe como um todo.

A presente pesquisa de mestrado discorre sobre experiências que emergem do encontro entre memória e performance, tanto no campo teórico-metodológico, quanto na prática de pesquisa, e suas relações com o ensino de arte. Neste trabalho, buscamos compreender o espaço da sala de aula como lugar de formação de sensibilidades, a partir de experiências com a arte, em especial a performance enquanto linguagem, compreendendo a sala de aula como um espaço liminal e a própria educação como um ato performativo. Desse modo, o objetivo principal desse trabalho é refletir sobre as vivências de formação e de interação realizadas com três turmas do ensino fundamental de uma escola pública do bairro do Guamá, em Belém-PA, e analisá-las no contexto das discussões dos estudos da memória como lugar potencializador de sujeitos e de suas histórias de vida, suas narrativas, suas experiências de vida e de arte. Temos enquanto campo teórico-metodológico a chamada pesquisa-ação (TRIPP, 2005) que partiu de pesquisa bibliográfica, e também autobiográfica, ao propor a discussão de conceitos de memória, pautados em autores como Halbwachs (1994) que inicia as discussões sobre a memória ser uma função social e comunicativa, Pollak (1992) e Assman (2011), quando propõem reflexões sobre os sentidos socioculturais dos lugares e formas de memórias, de silenciamento e sobre as experiências culturais de sujeitos sociais; e dos estudos da performance, tais como Schechener (1985) e Icle (2017), que analisam e refletem sobre a linguagem performativa e suas dimensões plurais. Desse modo, este trabalho revela a importância do desenvolvimento de práticas pedagógicas em e com a arte, no envolvimento com histórias, reminiscências, experiências de vida em suas dimensões individuais e coletivas, contempladas na pedagogia performativa; e que revelam a força que tem um processo educativo que aconteça por meio da coparticipação dos sujeitos envolvidos, marcando um importante território, a Escola, espaço da experimentação das mais diversas linguagens, inclusive a artística que, quando trabalhada por meio de processos sensíveis de ensino/aprendizagem, se tornam potentes no cenário de transformações que vive a educação e os processos de escolarização na contemporaneidade.

O presente memorial dissertativo apresenta e analisa o processo criativo 1900 – o ranger da liberdade, um conjunto de performances desenvolvido pelo Zecas Coletivo de Teatro, nas ruas da região metropolitana de Belém do Pará no ano de 2019. A pesquisa objetivou evidenciar a importância e as multicamadas de significações de trabalhos de performances cênicas, como processo prático-teórico, em interface com os estudos da história e da memória social e cultural, a partir dos postulados de Le Goff (2013), Nora (1993), Candau (2011), e Assmann (2011). Sobre as questões referentes à linguagem, propusemos uma reflexão sobre a relação entre o teatro e a performance na perspectiva do “entre”, em Bonfitto (2013) e Féral (2015); e sobre as especificidades da linguagem da performance embasadas em Cohen (2013), Goldberg (2007), Glusberg (2009), Schechner (2006; 2010), e Pavis (1996; 2017). A partir desse universo, abordamos a noção de experienciar a rua na relação entre os performers, os transeuntes e a cidade, no diálogo com as discussões sobre práticas cênicas na rua, propostas por Carreira (2007; 2009; 2011; 2012; 2020), Teles e Carneiro (2005). Como resultados, apontamos: a) a realização de oito performances de rua; b) a proposição do método de instigação e o dispositivo de criação, agenciados durante a pesquisa, a partir dos estudos de Rangel (2015) e Sales (2011) sobre o processo criativo como metodologia de pesquisa em artes, e Cypriano (2015) sobre a potência dos processos criativos em performance; e c) a memória como indutora de performances de rua, como base de criação de obras artísticas desalienantes que, em um diálogo entre o passado e o presente, expõem, performaticamente, questões que potencializam o respeito com as diferenças. 

A pesquisa “Cantos de Aparições” consiste em práticas artísticas, acerca do potencial da experiência auditiva, relacionada ao campo das artes visuais, sobretudo seu aspecto performático vocal. A pesquisa propõe: o som, como principal referência na criação de acontecimentos performativos; o deslocamento da referência visual para a auditiva na concepção de rádio performances. O meio rádio é utilizado como suporte e ambiente de onde emergem os cantos. Por se tratarem de textos para rádio, sua escrita foi construída para ser falada, o que a caracteriza como uma escrita performativa, ou escrita falatória. Compõem o resultado da pesquisa: sete cantos, em formato de programas de rádio, transmitidos pela Rádio Catimbó. Além da própria rádio, outras e outros personagens narram os cantos. As reflexões e escutas presentes neste memorial foram compartilhadas de autoras e autores como Achille Mbembe, Ailton Krenak, Hilda Hilst, Eliana Alves Cruz, Eduardo Galeano, bell hooks, entre outras e outros, e contribuíram na busca pela diversidade do olhar pela escuta, do ver no tempo da escuta, liberar o corpo do imobilismo da arte Ocidental, diversificando experiências estéticas. Boa escuta.

O trabalho analisa, a partir do conceito de corpo performático do negro da diáspora, de Zélia Amador de Deus, a trajetória artística dessa atriz e diretora e o seu caráter poético-político. A pesquisa foi dividida a fim de analisar suas três principais personagens: Catirina, personagem do auto Coronel de Macambira (1972); Suely, personagem da peça Quarto de Empregada (1976); e personagem sem nome, interpretada para o espetáculo Theastai Theatron (1983). A reflexão que norteia a pesquisa é feita à luz do feminismo como perspectiva de análise crítica e teórica das categorias de classe, raça, gênero, conforme teorizado pela filósofa Angela Davis (2016) e combate ao epistemicídio, categoria de pensamento realocada pela filósofa Sueli Carneiro (2005). Ao traçar a trajetória artística de Zélia Amador de Deus encontro uma nova forma de pensar a construção do corpo do negro da diáspora e de seus descendentes pelo viés performático que representa os atravessamentos político-socio-culturais que diferenciam ainda hoje esse corpo. Por se tratar de uma problemática que inicia no corpo e não se desvincular dele, as análises partem do corpo de suas três principais personagens para demonstrar não apenas a evolução artística da atriz, mas principalmente a evolução política e existencial de uma mulher negra na Amazônia.

A contemporaneidade indica a necessidade de promoção de suporte tecnológico de caráter inovador e relevante para melhorar condições de autonomia e independência de estudantes com privações sensoriais, intelectuais e motoras. Portanto, a pesquisadora objetiva investigar como a tecnologia assistiva pode facilitar o processo de pesquisa dos estudantes de música com privações sensoriais, intelectuais e motoras. Este objetivo se desdobra especificamente em dois, quais sejam: (a) Criar um protótipo como ferramenta de visualização estratégica do movimento de pesquisa para auxiliar estudantes de música com privações sensoriais, intelectuais e motoras no desenvolvimento de projeto de pesquisa; (b) Testar e avaliar a tecnologia de visualização estratégica do movimento de pesquisa para auxiliar estudantes de música com privações sensoriais, intelectuais e motoras no desenvolvimento de projeto de pesquisa. Para o alcance dos objetivos propostos, adotaram-se a Pesquisa Bibliográfica e a Pesquisa Experimental. A Experimental são os procedimentos para a criação, os testes e as avaliações do dispositivo protótipo. Foi realizado um projeto piloto − com estudantes do Curso de Especialização em Nível Médio da Escola de Música da Universidade Federal do Pará, bem como houve uma intervenção com estudantes de graduação em Licenciatura Plena em Música na Universidade do Estado do Pará e na Universidade Federal do Pará. Os participantes foram estudantes com privação sensorial, intelectual e/ou motora e sem privações. A aplicação dos Testes centrou-se na utilização da ferramenta de visualização estratégica do movimento de pesquisa MOVE para a construção do projeto de pesquisa pelos participantes. Os testes aconteceram em seis encontros e a avaliação se encaminhou de duas maneiras: (a) a primeira pelos estudantes participantes que responderam a um questionário utilizando a escala tipo Likert de 10-pontos, apresentando três justificativas e sugestões para avaliar a funcionalidade do dispositivo; (b) e a segunda foi a avaliação dos projetos de pesquisas em pares por juízes independentes que seguiram a escala para avaliação de projetos acadêmicos, dando nota na escala de 0 a 10 para cada item avaliado. Os dados coletados foram analisados quantitativamente e suas representações foram expressas por tabelas e gráficos, que foram comparados com a análise documental e serviram de suporte visual para projetar os resultados e suscitar reflexões e contribuições. Em geral, nota-se, nas respostas, que mais de 85% dos participantes Concordam Totalmente com o facilitador da pesquisa em música para estudantes com privações sensoriais, intelectuais e/ou motoras. O estudo revelou a importância fundamental da equipe multidisciplinar para obtenção de resultados eficientes. Foi observado que a facilitação promovida pela ferramenta MOVE geralmente esteve relacionada à dificuldade apresentada no perfil de cada estudante. A pesquisa confirmou que a ferramenta MOVE não exclui a necessidade de um orientador, mas oferece autonomia e independência para que o estudante organize as suas ideias a fim de manter a coerência e não fugir ao tema.

A tese analisa por meio da subjetividade e de forma narrativa, a produção do conhecimento no Mestrado Profissional em Artes, visando elaboração de referencial teórico que subsidie o fortalecimento de Política Educacional para a melhoria da Educação Básica. Teve o objetivo de analisar as produções dos discentes, turmas 2014 e 2016, visando à construção de referencial teórico que subsidie o fortalecimento de Política Educacional para a melhoria da Educação Básica no Estado do Pará. Para tanto foi necessário estudar e refletir, respectivamente, acerca das vinte e cinco produções textuais e produtos dissertativos; além de identificar um conjunto de diretrizes e, consolidar a construção de referencial teórico. O método utilizado para a pesquisa foi de abordagem qualitativa que utiliza, como instrumento de coleta de dados, as vinte e cinco produções (dissertações e produtos) geradas pelos mestrandos das duas turmas. Os referenciais teóricos estão embasados na normatização e normalização da Lei nº. 9394/1996, de 20 de dezembro - Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional (LDB). Os resultados dos estudos sinalizam para a necessidade de estudos futuros: identificar quais os cursos de formação profissionais necessários para a promoção do desenvolvimento dos municípios e das mesorregiões estudadas, tanto em nível de graduação e pós-graduação; analisar os impactos provenientes pela participação dos docentes no Curso de Mestrado Profissional em Artes; como também, avaliar a capacidade das Universidades Públicas do Estado do Pará em instalar o Curso de Mestrado Profissional em Artes, e outros Cursos de Mestrados Profissionais nas diversas mesorregiões do Estado do Pará.

A prática musical realizada na Tenda Miry Santo Expedito, um centro umbandista localizado no bairro da Campina em Belém do Pará, é o objeto de estudo dessa pesquisa, que buscou investigar como essa prática musical acontece, para que ela acontece, por que ela acontece e o que ela faz com as pessoas que a praticam. Fornecer informações contextualizadas sobre a Tenda Miry Santo Expedito; Registrar, analisar e classificar o repertório musical entoado nos rituais da Tenda Miry Santo Expedito e, descrever a prática musical umbandista da Tenda Miry Santo Expedito, tendo como foco a festa dedicada a Nossa Senhora da Conceição, destacando a função da música nos diversos momentos do ritual e o que essa música provoca nas pessoas que frequentam a casa, se constituíram nos objetivos específicos da pesquisa.

Meu interesse pelo tema se firmou a partir do momento que passei a frequentar a casa no ano de 2015 para desenvolver meus dons mediúnicos e, também, quando em paralelo a isso, estava assistindo, como ouvinte, a disciplina Etnomusicologia, no curso de mestrado no PPGArtes-UFPA.  Aceitar meus dons mediúnicos e, principalmente, procurar desenvolvê-los em um centro umbandista foi sem dúvida uma de minhas maiores batalhas psicológicas. Essa luta era uma questão de extrema importância para minha mãe, que em vida se chamou Maria Paraense. D. Maria, como era conhecida em nosso bairro do Coqueiro, um pequeno povoado localizado no município de Ananindeua, era uma senhora respeitada e reconhecida por seus “benzimentos” e por sua profunda dedicação ao próximo.  “Erveira” e “Senhora das rezas”, como também era conhecida, constantemente era procurada por um grande número de pessoas para os aconselhamentos espirituais, para pedir uma receita de chá e de banhos para as mazelas do corpo e da alma.  Mamãe era professora e alfabetizou e encaminhou para o “sucesso escolar”, como costumava dizer, inúmeros alunos. Entre trabalhos, cadernos, provas e livros, ela dividia seu tempo com as aulas, as visitas que chegavam sem cerimônia e eram sempre bem vindas, e a atenção aos inúmeros filhos - treze do ventre e mais um número significativo de “filhos do coração”. Nesse ambiente me criei e testemunhei grande parte desses momentos de dedicação de minha mãe ao bem do outro através de sua mediunidade, porém quando ela me dizia que eu tinha esses mesmos dons espirituais de ver, sentir e pressentir o que estava além da matéria, minhas inquietações e incômodos sobre o assunto passavam a me perturbar, e em mim causavam grande desconforto.

Nossa casa é um sítio com muitas árvores, plantas, bichos e com a liberdade de pisar a terra e sentir a natureza bem próxima. Foi nesse cenário de contato com a mata que tive o privilégio de ser criada e todos esses fatores contribuíram para que meus dons mediúnicos se manifestassem desde muito cedo em minha vida, porém o receio de tantos elementos como o medo, o preconceito, as dúvidas, me afastaram durante muito tempo da possibilidade de ser uma trabalhadora da e para a espiritualidade, como minha mãe foi. Todavia, finalmente depois de passar a frequentar a Tenda Miry Santo Expedito, o centro que minha mãe por vezes visitava e me levava com ela, aceitei esses meus dons e busco desenvolvê-los nesta casa.

Minha experiência artística se dá pelo viés da música “erudita”. Possuo formação em canto lírico. Ao adentrar na Tenda Miry Santo Expedito, causou-me grande encantamento a prática musical que emergia daquele lugar, pois a mesma se faz apenas através do uso do canto, sem a utilização de qualquer outro instrumento musical. Neste momento minhas memórias junto à minha mãe se fizeram fortemente presente, pois havia guardado em lugares subterrâneos de meu inconsciente aquela casa, seus cheiros característicos da defumação dos trabalhos espirituais, o altar com a estrela de cinco pontas, as velas de cores. Porém, com certeza, a maior lembrança se deu no momento em que a música passou a ser cantada. No quadro que “se pintava” à minha frente, via e ouvia claramente a voz de minha mãe cantarolando algumas daquelas músicas. Essa experiência vivida é um conceito criado por Pierre Nora (1993) e intitulado pelo autor de “lugares de memória”. Lugares não no sentido geográfico do termo, mas gatilhos que disparam as lembranças guardadas no campo da memória, como cheiros, cores, formas, sons, entre outros elementos, e esses lugares de memórias, pude observar que não somente em mim, mas em várias pessoas que fazem parte do centro pesquisado, são acionados quando essas estão participando do culto religioso que é praticado na Tenda Miry Santo Expedito. Em seus relatos, assim como nas minhas experiências vividas na casa, o perfume da defumação, as cores das velas, e principalmente a música cantada, trazem algum tipo de lembrança, por vezes da infância, ou dos entes que já passaram pela casa, ou de alguma vizinha ou vizinho ou conhecido que benzia ou rezava em seu bairro ou que faziam parte de sua própria família.

 A música sempre esteve presente na minha vida e trago da infância e adolescência as lembranças dos vários estilos e formas de música que se apresentavam no meu dia a dia, como a seresta que acontecia toda quinta-feira na casa do Sr. João que morava em frente a janela do meu quarto e que ansiosa eu esperava para ouvir o som dos Chorões e seus violões e cavaquinhos tocando Pixinguinha, Ernesto Nazaré, Dilermando Reis, entre outros. Aos sábados pela manhã a rua cedo era acordada pela aparelhagem do marido da D. Assunção que trazia os discos de guitarradas das Caienas e fazia questão de colocar para que a rua inteira ouvisse. Lembro que esse som para mim era o estímulo para fazer a faxina da casa como mamãe nos designava aos sábados.  O volume do som era realmente muito alto, o que provocava por vezes a discórdia entre os vizinhos, mas eu especialmente gostava daquela música tão dançante. Aos domingos pela manhã, antes ou depois da missa, éramos embalados pelas músicas do Pe. Zezinho nos primeiros Lps que meu irmão João comprou pra ouvirmos na nossa vitrola. E o som do violão e da música popular brasileira era uma constante nas rodas de conversas que meus irmãos Zeca e Paulo promoviam no quintal de nossa casa com seus amigos dos tempos de FCAP¹. Além das músicas da missa que nosso irmão Tonho tocava no pátio, onde mamãe e papai nos reuniam, principalmente nas noites de luar, quando ele vinha nos visitar em suas férias do seminário onde estudava fora de Belém para ser um irmão marista, e na adolescência, as rodas de violão com os amigos de minha irmã Lia nos nossos tempos de Caju². E ainda hoje, o som do Regue em volume bem auto, ouvido por nosso vizinho Celso na sua taberna. Nesse ambiente de tão variados tipos de música passei grande parte de minha vida, e ainda hoje alguns desses momentos se repetem no quintal de nossa casa.

 Aos 12 anos passei a estudar música no S.A.M³ e por quatro anos o som da casa era dos meus estudos em violão clássico que minha mãe me pediu pra estudar, para que eu pudesse tocar “Abismo de Rosas”, do Dilermando Reis para ela. Não cheguei a realizar esse sonho, pois antes que dominasse a técnica para tocar essa peça musical me encantei pela viola de orquestra e deixei os estudos de violão, me transferindo assim para o Conservatório Carlos Gomes, onde passei a estudar viola e canto lírico. Posteriormente meus estudos na viola foram interrompidos, após doze anos. Devido ao grande número de pessoas interessadas em ingressar na casa, o governo do Estado na época, decretou que os alunos só poderiam estudar um instrumento no curso técnico do Conservatório ,e como a viola que eu tocava não era minha e sim emprestada da EMUFPA, fui obrigada a devolver o instrumento nesse mesmo período do referido decreto, me obrigando assim a continuar apenas no curso de canto lírico, que concluí no ano de 2002, na classe da minha querida Mestra, Professora Malina Míneva, onde fui sua primeira aluna mezzo- soprano, quando ela chegou em Belém, em 1992, vindo da Bulgária. Malina foi a primeira professora que em minha formação musical me fez refletir sobre a importância do contexto no qual uma música é produzida e praticada, pois me ensinava que como cantora eu deveria ser também uma pesquisadora do repertório que cantaria, buscando saber como e para que aquela música havia sido produzida, fazendo que eu apenas não me tornasse uma mera reprodutora de notas musicais, mas que soubesse o que estava cantando. 

Passando minha infância e toda minha adolescência ouvindo tão diferentes estilos musicais, sempre ouvi das várias pessoas do meu convívio frases do tipo: “isso lá é música?”, “isso não é música que preste”, “isso sim é que é música de qualidade”, “isso que é música boa”. Essas frases sempre me intrigavam, pois ainda criança me questionava - mais se é som, tem melodia, é cantada ou só tocada, então é música, por que será que as pessoas dizem que não é música? Mais tarde descobri o significado da palavra gosto e da expressão, “juízo de valor”, então fiz minha primeira dedução: as pessoas não se agradavam de alguns sons, ou seja, elas não gostavam de determinadas músicas, por essa razão diziam que algumas músicas não “prestavam”, ou mesmo que não eram música, e foi então que somente no mestrado pude enfim constatar que minha dedução da infância tinha sua validade, pois ao me deparar com o estudo da etnomusicologia pude começar a compreender o que significa o contexto e a importância desse contexto na prática musical de uma determinado grupo social, e de como suas relações com a música se estabelecem. A partir dessas descobertas sobre a prática musical, a funcionalidade da música e a importância dessa funcionalidade para determinados grupos sociais, passei a investigar as práticas musicais que acontecem na Tenda Miry Santo Expedito.

Prática musical será abordado na pesquisa considerando os estudos no campo da Etnomusicologia, que considera o objeto musical a partir do contexto no qual está inserido, o que ele faz, bem como o que faz com os sujeitos envolvidos. Segundo Chada (2007) prática musical é:

Um processo de significado social, capaz de gerar estruturas que vão além de seus aspectos meramente sonoros, embora estes também tenham um papel importante na sua constituição, sendo de extrema importância neste contexto (...) A execução, com seus diferentes elementos (participantes, interpretação, comunicação corporal, elementos acústicos, texto e significados diversos) seria uma maneira de viver experiências no grupo (CHADA, 2007. p. 139)

A investigação proposta foi constituída de duas fases paralelas. A primeira compreendeu o levantamento de fontes bibliográficas que versam sobre a Umbanda, sobre a Umbanda no Pará e sobre a Tenda Miry Santo Expedito, assim como fontes etnomusicológicas que serviram de fundamentação teórica para a pesquisa.

A abordagem se configura, principalmente, na proposta de etnografia musical expressa no discurso de Anthony Seeger (2008), que se relaciona à transcrição analítica dos eventos, mais do que simplesmente à transcrição dos sons. A inclusão tanto de descrições detalhadas quanto de declarações gerais sobre a música. Segundo Freire:

[...] os estudos etnográficos pressupõem a total imersão do pesquisador no fenômeno, diluindo a separação sujeito-objeto. Os diferentes sujeitos envolvidos no processo são também sujeitos da pesquisa, uma vez que são usadas técnicas de tradicional uso da etnografia, tal os autores do processo de desenvolvimento da pesquisa (2010. p. 37).

A etnografia pretende descrever significados e/ou saberes, interpretando sentimentos e compreendendo percepções em que o sujeito é o foco principal da pesquisa, levando em consideração o proposto por Geertz:

Fazer a etnografia é como tentar ler (no sentido de construir uma leitura de) um manuscrito estranho, desbotado, cheio de elipses, incoerências, emendas suspeitas e comentários tendenciosos, escrito não com os sinais convencionais do som, mas com exemplo transitório de comportamento modelado (1989. p. 13).

A coleta de dados compreendeu a segunda fase da pesquisa. A observação no campo é a primeira etapa de desenvolvimento da etnografia que ocorre na Tenda Miry Santo Expedito. Foram realizadas observações da manifestação e entrevistas semiestruturadas com os praticantes e a comunidade que frequenta esse contexto, assim como registros audiovisuais. A observação “é considerada participante na medida em que se estabelece um grau intenso de interação do pesquisador com a situação em estudo, fazendo que ele seja afetado por ela, e vice-versa.” (FREIRE, 2010, p. 37). A escolha do local para o desenvolvimento da pesquisa levou em conta a inserção da pesquisadora no centro umbandista, o que colaborou sensivelmente para a coleta de dados.

As entrevistas tiveram como principal objetivo contribuir com os dados que não foram suficientemente alcançados com a observação. Freire observa que:

Nas pesquisas de caráter subjetivista, os questionários costumam ser abertos ou semiabertos, ou seja, não há interesse em pré-direcionar as respostas, mas em garantir ao depoente espaço para respostas não previstas, o que contribui para enriquecer ou aprofundar o conhecimento sobre o fenômeno estudado, possibilitando novas interpretações. Como exemplo de pergunta não pré-direcionada, podemos no estudo de uma determinada prática musical, indagar de cada um dos intérpretes quais aspectos dessa prática ele considera mais relevante, em vez de perguntar, por exemplo, qual a importância da condução harmônica no processo (2010, p. 35).

Ainda na observação do campo foram realizados registros e transcrições do repertório musical presentes nas festas espirituais e sessões que acontecem na casa, com destaque para uma dessas festas, a de homenagem a Nossa Senhora da Conceição - mãe Iemanjá. O modo no qual o material está sendo transcrito leva em conta a inserção da pesquisadora no centro pesquisado e sua formação musical, considerando os objetivos da pesquisa e, principalmente, tendo em vista que a mesma deverá refletir a prática musical.

Por fim, os dados obtidos na observação e entrevistas estão sendo analisados e interpretados de modo a alcançar os objetivos propostos. Para a interpretação dos dados consideramos as narrativas dos entrevistados e o proposto por Béhague (1992, 1999); Blacking (2000); Nettl (2005); Seeger (2004) e Coelho (2007) sobre etnografia e prática musical.

No presente trabalho, o cenário do rock em Belém do Pará é abordado a partir de suas características sociais, culturais, artísticas e econômicas para, com isso, investigar como três artistas paraense foram formados cultural, política e artisticamente por ele, bem como, para entender também de que forma estes artistas fizeram deste cenário, a partir de suas vivências, o palco de suas atuações artísticas. Os artistas são: Alexandre Washington, Cosme Luiz e Marcos Moraes. O primeiro artista, que também atende pelo pseudônimo Joker Índio, desenvolveu uma forte ligação entre a sua participação no Movimento Anarco-Punk e a sua produção nas áreas da poesia, do fanzines, da performance e do vídeo-poema. O segundo artista, por sua vez, atuou enquanto cantor e compositor de uma banda de punk rock e hardcore chamada Sem Deus Nem Pátria, além de também ter trabalhado com teatro de rua, teatro de bonecos, e com performance. Já com relação ao artista Marcos Moraes, destaca-se que este também atuou enquanto músico e compositor em muitas bandas de rock em Belém, além de possuir uma fecunda trajetória na produção de fanzines, trabalhando, assim, com o desenvolvimento de textos e imagens em projetos que, a seu modo, articularam a sua vivência no Movimento Anarquista, no Movimento Anarco-Punk e a sua inclinação para o campo das artes. Desta forma, a atual pesquisa desenvolve uma análise interdisciplinar no campo da história da arte, articulando a história, a antropologia e a filosofia da arte no intuito de rastrear a contribuição destes artistas para a história social da arte em Belém do Pará. As fontes historiográficas que deram base para estas reflexões foram: relatos orais, os fanzines e panfletos feitos principalmente pelos artistas aqui estudados, assim como, as produções destes artistas, desde a escrita de poemas, até às vídeo-performances. Neste sentido, as fontes foram compreendidas enquanto documento/monumento e serviram de bases para as reflexões históricas por agora apresentadas. Já como principal base para as reflexões teóricas, a história social da arte e a relação entre história e biografia cederam contribuições importantes para o entendimento da forte ligação entre arte e vida no desenvolvimento de uma historiografia da arte que se estendesse para além dos cânones artísticos estabelecidos pelas academias e circuitos elitistas da arte. 

Esta dissertação é uma pesquisa tem como objetivo analisar a visualidade e processo criativo das máscaras, do estandarte e das letras do barco do cordão Última Hora, e não menos importante, descrever o processo criativo da tipografia “Última Hora” e do documentário audiovisual criado para esta dissertação com o material registrado em vídeo durante os anos de 2014 a 2019. No primeiro trajeto, conto uma breve história de Cametá e da Comunidade do TenTém, com a ajuda dos estudos de Raimundo Coelho (2012). Utilizo as pesquisas de Georg Simmel (2009) e João de Jesus Paes Loureiro (2015) sobre a paisagem e visualidade amazônica respectivamente para refletir a cerca da paisagem dos rios e afluentes do Rio TenTém. No segundo Trajeto, utilizo os estudos de Felipe Ferreira (2004) e Miguel Santa Brígida Junior (2006) para tratar sobre os conceitos e origens do Carnaval, Eric Hobsbawm (2008) sobre tradição e Michel Maffesoli (1986) sobre o sentimento de coletividade da Comunidade do TenTém. Seguindo no terceiro Trajeto, utilizo os estudos de Richard Sennet (2013) sobre o papel de Vital 2 como Artífice, Martine Joly (2015) sobre analise da imagem artística, Fayga Ostrower (2016), e novamente João de Jesus Paes Loureiro (2015) sobre os barcos e suas letras decorativas. No quarto Trajeto se inicia o memorial, onde descrevo o processo criativo da Tipografia “Última Hora” e do documentário audiovisual com o material registrado da pesquisa de campo no período do carnaval dos anos 2014/2019.

Esta dissertação busca compreender o meu processo criativo, por meio da minha percepção como participante desta cultura, utilizo as paisagens amazônicas, humanas e emocionais como esquema motor da pesquisa, além da análise de seus esquemas simbólicos como, o barco, o rio/água e a floresta e da influência da cultura popular na produção artística em sua relação com a matéria miriti e em trocas simbólicas por intermédio de narrativas autoetnográficas e estas como instrumentos culturais. Por fim, exponho o processo produtivo em etapas. ‘Travessia Etnopoética’ tem como base a compreensão dos processos particulares desta cultura, e tem como método de reflexão a autoetnografia, que busca compreender o meu percurso, por meio das minhas experiências com o meio em que vivo, ou melhor, busco compreender como as paisagens amazônicas, humanas ou emocionais norteiam o meu processo criativo, que se desenvolve por meio da utilização de algumas técnicas artísticas como a fotografia e a serigrafia, tendo o miriti como matéria e/ou suporte que identifica o meu espaço territorial, assim como a paisagem como referência identitária e de consciência socioespacial de pertencimento.  Em uma composição íntima, como uma estrutura de um ser, onde as imagens trabalhadas (fotografias) seriam uma espécie de fisionomia, em paralelo com o humano – pele - aquilo que dá rosto, que vai sobre o corpo (miriti), ou em uma relação dualística de geografias, paisagem humana dentro da paisagem geográfica, uma geografia íntima que carrega a subjetividade de uma relação mnemônica que constitui e construiu a artista, como um fôlego que dá vida a esses seres, a essas geografias.  que despertam a minha memória afetiva como artista-pesquisadora e resultam na produção artística de objetos autorais desenvolvidos em diversas linguagens e técnicas, tendo como suporte o miriti. A condução da pesquisa tem sido guiada a partir de aportes teóricos estabelecidos na pesquisa norteada pela autoetnografia. O arcabouço teórico utilizado encontra amparo em BARROS et. al. (2016) PIZARRO (2012), LOUREIRO (2000) BENJAMIN (2012) MOREIRA (2012) ROTHENBERG (2006).

Este trabalho abordará a sistematização de um treinamento psicofísico por meio do malabarismo, assim como sua aplicabilidade. A intenção da pesquisa tem sido fundir as duas áreas que mais me fascinam dentro das artes cênicas: a investigação do corpo e o circo. Pelo fato de a investigação incluir a apresentação de um conteúdo prático, será exibido o conteúdo do treinamento. Nesta expressão poética, serão apresentados três monólogos que dela farão parte no quesito subjetivação. Posteriormente, haverá comentários, discussões e considerações sobre cada etapa do treinamento até o momento da construção das cenas. Quanto à parte escrita, abordarei  a teoria do treinamento, inicialmente versando os conceitos de presença e técnicas corporais, acompanhando. Posteriormente, comentarei o trabalho de alguns os teóricos que me chamaram muita atenção ao construir suas próprias formas de trabalhar o corpo em suas empreitadas psicofísicas, acompanhando os comentários com conjecturas, quando necessário. A seguir, discorrerei a respeito do trajeto da sistematização do treinamento, abordando algumas metáforas que permeiam o trabalho, a metodologia, os problemas e dificuldades encontradas. 

Entende-se o conceito de paisagem como um lugar epistemológico habitado por diferentes campos do conhecimento. Dessa forma, a presente pesquisa busca contribuir para os entendimentos sobre a paisagem, desde uma perspectiva interdisciplinar a partir do enfoque das artes, pensada na Amazônia, atravessada por contribuições de outros territórios. A construção do trabalho, em parte, se debruça sobre o percurso metodológico desenvolvido ao longo da pesquisa, perpassa por um memorial dialógico de processo de criação e conclui com um ensaio literário-visual no formato de livro de artista. Reúne-se como principais pensadores a filósofa Anne Cauquelin, o xamã Davi Kopenawa com o antropólogo Bruce Albert, o poeta Michel Collot e o antropólogo Tim Ingold, bem como articula-se trechos da literatura marajoara de Dalcídio Jurandir, para pensar a paisagem entre a experiência e a partilha. A partir desta apreensão conceitual e uma experiência vivida no vilarejo de Joanes, ilha do Marajó – na qual mulheres, homens e crianças coletam sementes que chegam a cada maré – produz-se um esboço para uma possível poética da coleta, a partir da leitura de cinco trabalhos de arte contemporânea, bem como um ensaio narrativo sobre materialidade, temporalidade e potência imaginante a partir da imagem simbólica de uma semente. Neste trecho, diálogos de superfície entre Tim Ingold, Henri Bergson e Gaston Bachelard integram os conceitos de mundo aberto, duração e instante. Na sequência, apresenta-se um memorial dialógico que narra processos de criação da obra Exílio do Tempo – produzida durante a pesquisa – na medida que dialoga com temas transversais como narcisismo e lugar de fala, e imagens-semente e constelações imaginantes. Ao final, no formato de livro de artista, se apresenta um ensaio literário-visual, como desdobramento de reflexões teóricas e experimentações plástico-poéticas, no intuito de contribuir para uma apreensão sobre o conceito de paisagem, que se dá, sobretudo, entre a experiência daquele que, no fluxo movente, sente, percebe e partilha.

Mufarrej, Pablo. Eu, O Horizonte e Minha Caverna - III movimento. Estudos Práticos/ reflexivos em arte contemporânea - Por entre os vestígios e as centelhas do espaço/tempo/experiência. 2019.(50f.versão/qualificação) Memorial ( Mestrado ) - Instituto de Ciências da Arte - Programa de Pós-Graduação em Arte, Universidade Federal do Pará.

Eu, O Horizonte e Minha Caverna é uma série de procedimentos artísticos iniciada por Pablo Mufarrej em 2014, em Belém do Pará. Trata-se de um campo de estudos teórico/práticos/reflexivos em torno das possibilidades de exibição da Arte Contemporânea. A pesquisa tem como foco/objeto estrutural aberto questões relacionadas ao modo de fazer arte e as ideias de acúmulo, espaço-tempo e vestígio, sendo este último um conceito/procedimento central deste trabalho, desenvolvido e aplicado na pesquisa como uma ferramenta metodológica, analítica e experiencial para execução de seus desdobramentos teóricos/práticos/reflexivos.

Neste memorial/dissertação/obra, o trabalho artístico não se constitui apenas como uma poética. Trata-se de uma reflexão sobre um campo que, ao longo de seu desenvolvimento, gera: plataformas e/ou obras, e/ou citação, e/ou processos de arte, e/ou processos reflexivos que se materializam, supostamente, como obras, mas que buscam se constituir como obras/pensamento que pulsam as reflexões e os vestígios gerados pelo próprio processo de pesquisa.

Este estudo reflete sobre como dois documentários de arquivo realizados por diferentes diretores atuantes na TV Cultura do Pará se relacionam com a ideia de “lugar de memória” proposta por Pierre Nora (1984). A abordagem das obras é feita a partir da noção de análise fílmica defenfida por Manuela Penafria (2009) que considera a relevância de analisar aspectos internos e externos ao filme para a sua compreensão mais ampla. A partir disso empreende-se um esforço analítico que considera os dois documentários em sua relação com o espaço institucional de sua criação, a TV Cultura do Pará, seus realizadores, as condições de sua produção e as memórias do próprio autor do estudo, compondo uma espécie de memória documentária.

Esta pesquisa busca compreender os processos criativos da maquiagem da Comissão de Frente revelados na espetacularidade deste fenômeno cênico de dimensões singulares como cortejo dramático, a partir do olhar de artista-pesquisador-participante do Auto do Círio. Fundamentado teórico-metodologicamente na Etnocenologia, enquanto Etnociência das Artes e formas de espetáculo, acolhemos como principais autores deste campo de conhecimento, Armindo Bião (2008), Jean-Marie Pradier (1995) para a abordagem de espetacularidade; teatralidade; matrizes culturais; matrizes estéticas e Michel Maffesoli para Comunidades Emocionais. No estudo do imaginário, Paes Loureiro (2010) em sua proposição de Conversão Semiótica como chave conceitual para a compreensão da poética da cultura amazônica. Para o enfoque dos Processos Criativos, Sônia Rangel (2015) e Philippe Hallowell (2010). Como premissa etnocenológica dominante, privilegiamos nos procedimentos metodológicos as múltiplas vivências internas no fenômeno da pesquisa, dando relevância a sabedoria dos praticantes e suas trajetórias no espetáculo, por meio de registros fotográficos, vídeos do processo criativo de automaquiagem e coreográfico, além de entrevistas semiestruturadas. Esses registros audiovisuais compõem um documentário intitulado Auto Etnodocumentário, indissociado desta reflexão, contribuindo, enquanto maquiador, para a construção de conhecimento que brota da complexidade e riqueza das práticas espetaculares de rua na Amazônia contemporânea.

Essa escrita memorial é uma encruzilhada, no meio está a viajante, provocadora e artista-pesquisadora que, movida por incidentes, se inspira com a imagem arquetípica do Mago, o mensageiro, que diz - Sou todas as artes em potência, tenho a habilidade com o tempo presente, viajei longas distâncias e trago ferramentas para compartilhar nesta travessia, desejo um corpo coletivo que dá passagem, e por isso atravessa e é atravessado - , em que dar passagem é uma perspectiva presente na pesquisa de Bondía (2002) sobre o sujeito que vive a experiência, essa que também é “travessia”. Na busca por ferramentas para a pesquisa, me deixo conduzir pelo contato improvisação (CI) que me leva a participar de residências, festivais e laboratórios; são acontecimentos que movem a pesquisa e com isso a cartografia como procedimento, inspirada na obra de Deleuze e Guatarri (2012), encontra princípios que nutrem a composição da poética. As experiências práticas se encontram com abordagens sobre a improvisação, o intérprete-criador e a composição em tempo real (CTR) a partir das pesquisas de Mayrla Andrade (2012), Waldete Brito (2012), Eleonora Leal (2012), Ana Flávia Mendes (2008), Hugo Leonardo (2008), Ana Mundim (2018) e Ciane Fernandes (2018). Esses estudos trazem princípios para a realização de uma prática em laboratório que aconteceu nos dias 23 a 29 de janeiro de 2019, em que conduzido pelo CI a partir da imagem-força da “travessia”, gerou-se um ato performativo de composição em tempo real.

Essa tese-inventário é resultado de uma pesquisa em Etnomusicologia Aplicada, pesquisa participante nos termos de Brandão (1999a). O trabalho buscou, dentro de interesses comuns pesquisador-pesquisados, investigar a musicalidade e a Viola de Buriti produzida no quilombo do Mumbuca, localizado na região do Jalapão no Estado do Tocantins. Entre as ações desenvolvidas, trabalhou-se para a viabilização do registro da Viola de Buriti como Patrimônio Imaterial junto ao Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional – IPHAN. Para tanto, foi produzido um inventário participativo com metodologia do IPHAN (2016) e um documentário audiovisual. Também como demanda do quilombo, foi criado um caderno de partituras com a transcrição das canções da comunidade e a produção de textos acadêmicos de escrita coletiva, envolvendo um grupo de pesquisadoras do quilombo. A participação em editais de fomento à cultura que beneficiaram o povoado foi outra ação que fez parte desse trabalho. A pesquisa foi interdisciplinar, envolvendo a grande área das Artes, incluindo a Etnomusicologia e a Educação do Campo, área que fundamentou a metodologia adotada baseada nos princípios freirianos. A fundamentação teórica principal da tese foi a poética do próprio quilombo, considerando a indissociabilidade entre o intelecto e a sensibilidade (MAFFESOLI, 1998), as músicas serviram de guia para a escrita do trabalho. Também nesse sentido, optou-se pela autoetnografia, baseado em Fortin (2009) e Aschieri (2018), como ferramenta de campo e na reflexão sobre os dados coletados. Além dos resultados para a comunidade, foi possível compreender que a musicalidade do quilombo possui aspectos que refletem uma resistência ao pensamento musical hegemônico, como do uso de estruturas modais, corporais e também no modo de pensar, como no tipo de raciocínio que classifiquei como intelorgânica musical, um tipo de pensamento orgânico que imbrica necessidades estéticas com recursos naturais.

RESUMO

Esta pesquisa objetiva apresentar e compreender o processo criativo do Rito artístico Farinha poética, por meio de diálogos teóricos e práticos, enquanto produção de conhecimento artístico e acadêmico. Por rito artístico entende-se o momento em que o produto cênico desta pesquisa é entregue ao público. Para construir a obra de arte e chegar neste momento, aciono como estratégia o que chamo de coreocartografia familiar- proposição metodológica de pesquisa em dança inspirada na cartografia (DELEUZE, 1995) em diálogo com os processos de criação (SALLES, 2006), uma experiência que desvela os (r)encontros deste interprete-criador em dança com sua família, com sua história e com sua dança, tornando-se assim uma rede ampla de conectivos artísticos, epistemológicos e de vida, um mapa de uma família de saberes dispostos a serem compartilhados. Na realização da pesquisa emprego os procedimentos de preparo da farinha como metáforas para a criação em dança, observo os processos de “conversão semiótica” (LOUREIRO, 2007) do gesto na “dança contemporânea” (ROCHA, 2016)) e destaco a relevância da subjetividade como valor necessário para a criação cênica. Como resultado, verifica-se que a pesquisa tratada neste memorial transcende as reflexões sobre os recursos e procedimentos de construção cênica Rito artístico Farinha Poética e avança no sentido de ver a construção deste Rito como processo de cura e reencontro que tem como base situações de vida e de arte, relações intimas com um  dos contextos sociais de minha cidade natal, contexto este que minha família vivencia durante a produção de farinha de mandioca.

Esta é uma tese-memorial-poética composta por escritos intitulados “O Camelo, O Leão e A Criança Que Brinca: transmutações da busca de si em três atos-poéticos; e por uma obra cênica, Árvore de Mim.Igualmente a componho pelo desenho simbólico de uma árvore, me valendo dos estudos em minha árvore genealógica pela Metagenealogia (JODOROWSKY, 2009c), para resgatar minhas origens e transformá-las em poesia no espaço. Recupero nas raízes, as lembranças de minha infância, as memórias tão guardadas dentro. Ritualizo o (des)encontro de meus ancestres (as três linhagens que estão acima de mim, ou, a baixo, pois gosto de pensar que estou erguida em seus ombros); como tronco desta pesquisa-árvore apresento a construção da Dramaturgia do Si-mesmo, criada a partir de imagens-força, de arquétipos, mitos, estudos filosóficos, ritualísticos, místicos, alquímicos e pela ferramenta metafisica do Tarot,como aceso fundamental a criação e a abertura de consciência e conexão com quem somos. Nasce assim, como fruto da descoberta desta árvoreuma Trilogia da Escuridão, na cria-ação de três atos-poéticos:Ritos (2011), Para você...(2014) e Árvore de Mim (2018). Que assinam um fazer artístico que se dá na realização lúdica de tudo que se encontrava escondido, e de repente irrompe o limite entre vida e o poético de forma bela e cruel por se dar no afeto, no compartilhar com o outro quem realmente somos e por isso se revela um fazer curativo. 

Tem palhaça na rua-rio? Tem sinsinhô configura-se como uma pesquisa lítero-científica que investiga as relações entre a palhaçaria e a prática da educação popular no contexto do projeto Ter.Ser, de arte e educação popular, desenvolvido na comunidade do Porto do Sal, no bairro da Cidade Velha em Belém do Pará. O projeto, de cunho social, artístico e político, organiza-se por meio de uma escolinha popular com atividades regulares na comunidade e intervenções artístico-políticas pontuais. A pesquisa, fundamentada na fenomenologia de Gaston Bachelard e na fenomenologia do olhar de Alfredo Bosi, entre outros autores, configura-se como bibliográfica e de campo, mergulhando na obra poética de Manoel de Barros e na obra literária Peter Pan para construção da escrita lítero-científica. Parto da minha trajetória enquanto palhaça-educadora-pesquisadora e atravesso estes três olhares para discutir as vivências da pesquisa, pois me posiciono enquanto pesquisadora-participante. O trabalho é dividido em três cadernos conduzidos por três verbos norteadores: olhar, brincar e esperançar. Estes verbos e cadernos mostram-se interdependentes e interligados pela escrita narrativa que estabelece sempre uma continuidade, trazendo referências diretas à obra de James Barrie – Peter Pan – desde o sumário até as considerações finais do trabalho. Nas considerações iniciais – Em busca da terra do nunca – contextualizo minha trajetória a partir da relação com o brincar, apresentando os elementos da obra de Barrie e Manoel de Barros que conversam com a pesquisa e nesse contexto convido o leitor a voar comigo nessa busca. No caderno 1 – Olhar, intitulado Segunda à direita, depois direto até amanhã de manhã, apresento a perspectiva dos três olhares que assumo na pesquisa, palhaça-educadora-pesquisadora, trazendo as imagens poéticas e reais construídas a partir do contato com a comunidade do Porto do Sal, é o caderno de apresentação do lugar e da prática educativa do projeto. Neste, recorro aos estudos de João de Jesus Paes Loureiro, Gaston Bachelard, Alfredo Bosi, Sônia Rangel, Paulo Freire, Carlos Rodrigues Brandão, entre outros. No caderno 2 – Brincar, intitulado Pó de pirlimpimpim, atravesso os nascimentos da minha palhaça Xulipa Margarida e a relação com o brincar, o jogo, a palhaçaria e o teatro de invasão, buscando referenciais de Alice Viveiros de Castro, Marton Maués, Romana Melo, Andréa Flores, André Carreira, Johan Huizinga, e Tizuko Kishimoto. O caderno 3 – Esperançar, também chamado de Com um pouco de poeira de fada a menina perdida começa a voar, traz o voo da palhaça-educadora-pesquisadora à terra do nunca e ao universo da palhaçaria e educação popular na comunidade do Porto do Sal. Entrelaçando teoria e relatos das vivências, é o caderno que constroi os atravessamentos de todo o caminho do voo até aqui. No lugar das considerações finais, Pois tudo isso aconteceu há muito tempo, se organizam as reflexões sobre as vivências, a educação popular e sobre a produção de conhecimento em artes, pretendendo deixar sempre a janela aberta para que o voo para as muitas terras do nunca sempre exista. Dito isto, fechemos os olhos, pensemos em coisas boas que o pó de pirlimpimpim nos mostrará o caminho!

A palavra animação provém do termo latino “anima”, que significa “alma”, no sentido de “sopro da vida”. Segundo Perisic (1979), a animação é uma maneira de se criar uma ilusão, dando “vida” aos objetos inanimados – objetos reais/virtuais ou simplesmente desenhos feitos a mão livre ou no computador. Nascida da mistura entre arte e tecnologia, o cinema de animação surge no final do século XIX, e se desenvolve durante todo século XX em inúmeras produções pelo mundo. No entanto, somente no início do século XXI, surgem os primeiros curtas de animação produzidos em Belém do Pará. Esta pesquisa compreende a formação do campo da animação audiovisual paraense, segundo Pierre Bourdieu. Reúne narrativas sobre a produção de animações realizadas até 2018, considerando as redes de relações pessoais, a formação dos grupos, assim como as técnicas e metodologias empregadas para a realização de cada obra. Realizo este estudo por meio da pesquisa de campo participante, entrevistas, pesquisa bibliográfica e filmográfica, observando eventos socioculturais, personagens, produções, políticas e instituições que contribuíram para o desenvolvimento da animação paraense.

A “Amazônia”, nascida como uma criatura da imaginação de um povo que projetava as suas obsessões num território já habitado por diversas outras etnias, é um fantasma que carrega consigo profundas e conflituosas questões. O cinema, no século XX-XXI, reatualiza e reconfigura, de forma mais ingênua ou mais crítica, várias destas questões. Este trabalho propõe formas de abordagem crítica dessa memória. Como artista-pesquisador, que experimenta diretamente o audiovisual e que acredita na potência epistemológica do cinema, parte significativa desta pesquisa ensaia-se dentro dessa linguagem, tendo como método a “remontagem”, o “remix”. Outra parte, não menos significativa, se ensaia através da palavra. Apresentando a trajetória e as buscas metodológicas do autor durante a sua própria revisão crítica, este trabalho aposta num processo pedagógico de constantes revisões individuais integrado à proposição de ações culturais que estimulem exercícios coletivos contínuos de reflexão histórica, política e estética acerca deste território que ainda chamamos “Amazônia”. Como propositor de um trabalho dentro da linha de História, Crítica e Educação em Artes, antes de pesquisador ou artista, me apresento enquanto cineclubista, e apresento esse texto como ponto de partida para uma educação como prática da liberdade. 

Em meio ao universo tão amplo da filmografia brasileira, elegemos o filme Jogo de cena (2007), de Eduardo Coutinho. que exemplifica traz um dos aspectos que nos interessa particularmente, ou seja, a diluição das fronteiras que se estabelecem entre a realidade e a ficção. Trata-se, nesse sentido, daquilo a que se convencionou chamar de linguagem híbrida no cinema. O filme versa sobre esse jogo da representação. O que pertence ao real? Como representar esse real? Como estabelecer os limites entre o ficcional e o real? Como tais instâncias, nesse filme particularmente, se articulam? Em se tratando de um filme de entrevistas, com atrizes profissionais e mulheres do povo, são interessantes os rumos que as entrevistas evidenciam no jogo dramático-representativo.

O Projeto Choro do Pará tem como proposta difundir e incentivar a prática do Choro, atraindo jovens músicos de diversas faixas etárias e classes sociais e estimulando a formação de novos grupos. Nesse contexto, os processos e situações de transmissão de música ocorrem de diferentes formas e são (re)modelados e (re)definidos, em sua concepção e aplicação, por meio de oficinas coletivas — de instrumentos de cordas, de sopro e de percussão — que culminam na apresentação dos resultados em concertos da Orquestra Choro do Pará. O repertório utilizado na prática musical inclui desde composições já consagradas do gênero a obras inéditas de artistas paraenses, de modo a valorizar e divulgar a produção local. Investigar a prática e a transmissão de música no Projeto Choro do Pará, utilizando o enfoque de autores como Nettl (2010), Blacking (2007) e Merriam (1964) foi o objetivo principal deste trabalho. Tencionamos, especificamente: a) Traçar o percurso histórico do Choro, no intuito de compreender os processos que culminaram na atual configuração da prática deste gênero no Pará; b) Examinar, por meio de entrevistas e pesquisas de campo, os métodos de transmissão musical praticados durante as oficinas do Projeto Choro do Pará; c) Verificar, por meio de entrevistas e pesquisas de campo, o processo de construção dos arranjos musicais executados pela Orquestra Choro do Pará; e d) Averiguar se o Choro paraense apresenta características que o diferem do Choro produzido em outros Estados do Brasil. Para tanto, fizemos o levantamento de fontes bibliográficas pertinentes e realizamos entrevistas semiestruturadas com participantes do Projeto e músicos locais. Nossas entrevistas com personagens ligadas ao Projeto Choro do Pará se enquadram no escopo da pesquisa qualitativa, no que se denomina “entrevistas do tipo semiestruturado com um único respondente”, ao qual Bauer e Gaskel (2002, p.64-65) também se referem como “entrevista em profundidade”. O espectro dos pontos de vista sobre os temas de nosso interesse reúne depoimentos: do coordenador do Choro do Pará, Paulinho Moura; dos cinco facilitadores, Carlos “Buchecha”, Claude Lago, Diego Santos, Emílio Meninéa e Iva Rothe; de dois compositores cujas obras se fazem presentes em vários módulos das oficinas, Luiz Pardal e Adamor do Bandolim; de quatro participantes do Projeto; de duas ex-participantes; e, também, de personalidades cujas trajetórias perpassam a narrativa do movimento do Choro no Estado do Pará. Nossa análise envolve significados e saberes, reconhecendo que a prática musical é um reflexo da vida em sociedade e transmite valores singulares, frutos de fontes e experiências distintas.            

O presente trabalho investiga a presença do gênero musical Schottisch
em Belém durante o final do século XIX e início do século XX, com foco
no trabalho do compositor, professor, maestro e pianista Clemente
Ferreira Júnior. Na investigação são utilizadas ferramentas ligadas ao
estudo etnomusicológico, além de ferramentas analíticas relacionadas
ao universo da teoria e composição musical. Neste ínterim, a partir do
conceito de Prática Musical de Sônia Chada, busca-se a compreensão
acerca da prática musical do compositor, tendo como parâmetro
principal seu contexto social. De maneira complementar, o trabalho
oferece um quadro sobre o fenômeno de transformação da música
brasileira ocorrida a partir da segunda metade do século XIX, propondo
a elaboração do termo “novidades musicaes” para designar a constante
importação de gêneros musicais estrangeiros para o país, durante o
período. Por último, é apresentada uma composição musical acompanhada
de memorial que detalha as decisões composicionais do autor, onde se
propõe o conceito de transmutação musical, que utiliza características
da música de Clemente Ferreira Júnior como material para composições
inéditas.

A jardinagem praticada pela lógica da floresta, baseada na manutenção da vida pela diversidade e abundância de recursos próprios, é a metáfora para os cultivos da compreensão nesta pesquisa que fala de um casarão antigo que é sede de um grupo de teatro com bonecos e espaço compartilhado de trabalho coletivo de 37 artistas/produtores de cenas diversas, recebedor de fluxos de público para experiências estéticas em comum. São pontos de vistas, lugares de onde se olha. Paisagem e sujeito se confundem em plataformas entrecruzadas em frequente comunicação. De dentro do Casarão do Boneco, em qualquer uma das plataformas, percebo que estamos diante de uma peculiaridade, uma nuance no âmbito relacional, entre os habitantes, seus espaços, as diversas linguagens artísticas, o público e a cidade. Essa intensa ocupação e o que dela faz movimentar o Casarão do Boneco indicia um rearranjo de realidade ante a potência para as maneiras de se relacionar. O Casarão parece apresentar suas próprias qualidades, componentes absorvidos nos meios que se sobrepõem, que o diferenciam sob diversos aspectos e, nas linhas de fuga, juntos se dimensionam a um devir-expressivo territorializante. São seguidas algumas das pistas do método cartográfico de Gilles Deleuze e Félix Guattari e seu pensamento rizomático. É vislumbrado os vários lugares que definem e que tornam o Casarão, um lugar único, um corpo único sendo definido pelas relações estabelecidas entre três blocos de força: seus habitantes, seus espaços, seus movimentos. Um corpo, como Deleuze observa o corpo definido por Espinoza (2002), composto por uma infinidade de partículas, que se elabora das relações entre velocidades e lentidões, repousos e movimentos dessas partículas. Não é definido como forma, mas como força interativa. Um corpo composto por outros corpos, tal a ideia cosmogônica da pessoa marubo, ou mesmo animado tal ao boneco que vira personagem pela manipulação de tantos atores. Um corpo tramado em mapas.

A presente dissertação trata de uma análise crítica sobre o processo criativo de Tatsumi Hijikata, quando em sua produção do butô.

A presente pesquisa tem como objetivo geral traçar o perfil da Banda 31 de Agosto a partir de seus contextos histórico, sociocultural e educacional. O percurso metodológico tem caráter qualitativo, bibliográfico, documental e de campo. Especificamente a pesquisa se caracteriza como estudo de caso, com ênfase em uma abordagem do tipo etnometodológica, e o uso de técnicas próprias da investigação etnográfica. Optou-se também por realizar pesquisa de campo através de coleta de dados em entrevistas semiestruturadas e abertas. Os sujeitos da pesquisa foram: alunos, professores, maestros e membros da diretoria da banda pesquisada. Os resultados da pesquisa apresentam o perfil de uma banda de música da cidade de Vigia como um tipo de instituição de valor sociocultural que se construiu historicamente além de exercer um importante papel educacional. Espera-se, por meio deste estudo, contribuir para a construção de conhecimento no campo da Arte em interface com a Musicologia no âmbito dos estudos sobre a música no Pará.

Este trabalho aborda questões relacionadas ao ensino de música no Ensino de Jovens e Adultos – EJA em uma escola pública em Belém do Pará. Investigar como é construído o gosto musical dos discentes da modalidade EJA, da Escola Estadual de Ensino Fundamental Professor Waldemar Ribeiro foi o objetivo principal da pesquisa. Seguindo orientações teóricas do campo da sociologia, em conexões com o campo da educação musical, esta pesquisa coletou dados em 2017, onde foram realizadas observações e entrevistas semi-estruturadas com discentes da EJA da 3º etapa do Ensino Fundamental, 4º etapa do Ensino Fundamental, 1º etapa do ensino médio e 2º etapa do ensino médio. Os dados coletados dialogam com os autores: Setton (2002a e 2002b), baseado na teoria das culturas híbridas e do habitus híbrido; Canclini (2015) com a teoria da hibridação; Quadros Jr e Lourenço (2013), Monteiro (2008), Hennion (2002) e Tinhorão (2001) para dialogar sobre gosto musical e, Souza (2004 e 2008), Louro e Souza (2013) e Penna (2003 e 2010) para referendar sobre educação musical e cotidiano. Os resultados aqui obtidos apontam que a família e a escola ainda continuam sendo os principais responsáveis pela construção do gosto musical, porém, a presença da mídia, o bairro, a religião também emergem como dispositivos de potência na construção do gosto musical dos estudantes da EJA.

SILVA, Silene Trópico. Motivação para aprender música: um estudo com alunos do ensino médio. ano. xxx fls. Dissertação (Mestrado em Artes) – Programa de Pós-Graduação em Artes, UFPA, Belém.

Nesta pesquisa, realizou-se um estudo exploratório com a finalidade de conhecer os direcionamentos empíricos aplicados na área de educação musical e outros aplicados em conformidade com a Teoria da Autodeterminação (TAD) possíveis para este estudo, para revelar o estado da motivação dos alunos e descrever o comportamento do estudante de acordo com as influências internas e externas para predizer-lhes a orientação motivacional para aprender música no ensino médio. A teorização sobre o sentimento autodeterminado realizado pelos psicólogos Deci e Ryan (1985) aproximou-se da perspectiva sociocognitiva da motivação e da visão humanista das necessidades que originaram o conceito de autodeterminação, segundo o qual, ao se identificar pessoalmente com as informações que recebeu do contexto, o sujeito torna-se capaz de agenciar e gerenciar seu aprendizado para realizar metas e objetivos futuros que oportunizaram a interação entre o sujeito e seu mundo de forma dialética e organísmica. Com o emprego do survey para 64 alunos do ensino médio, objetivou-se compreender as contribuições da motivação para aprendizagem musical e conhecer o estado e estilo da motivação, para: (a) explicar as influências internas e externas que motivam o envolvimento em práticas musicais; (b) verificar por intermédio da literatura os mecanismos psicológicos básicos que motivam o educando a aprender música; (c) descrever como os fatores educacionais e socioculturais influenciam a compreensão dos conteúdos; e (d) conhecer a natureza (intrínseca e extrínseca) que origina a motivação para aprender conteúdos musicais. Ao trilhar o caminho da compreensão da motivação do estudante do ensino médio, percebeu-se que considerar a avaliação qualitativa da aprendizagem com o emprego da pesquisa de survey foi uma alternativa bastante valida para conhecer como está a aprendizagem conceitual dos estudantes do ensino médio, a partir da observação e do relato das experiências musicais vivenciadas pelo aluno na sala de aula. Para desenvolver este estudo, considerou-se ainda adotar um novo olhar acerca das dificuldades de aprendizagem para captar destes jovens quais fatores motivaram sua aprendizagem musical, bem como compreender a situação do ensino paraense. Como estas questões foram abordadas no ensino médio, acredita-se que as ações empreendidas fazem a diferença para melhorar a qualidade do ensino. Com o desenvolvimento da pesquisa de survey e análise quantitativa dos dados verificou-se nos estudantes o estado motivacional controlado e incentivado por influências internas e externas e menos por suportes de autorregulação e o estilo orientado por motivação extrínseca com regulação introjetada e externa. A contribuição da motivação para aprender música foi determinada pela percepção de atendimento das necessidades psicológicas básicas avaliadas pelos estudantes em grau moderado e baixo e próximo de 45% do índice total da escala e, a frustração destas mesmas necessidades foram avaliadas moderadas e próximas de 55% do índice de frustração total da escala. Os sentimentos de autonomia e competência se aproximaram na escala likert do nível de 32% de atendimento e, o sentimento de relacionamento se aproximou do nível de 31% de atendimento. Confirmou-se neste estudo que os fatores psicológicos motivadores da aprendizagem dos alunos foram de ordem pessoal e sociocultural que em seus desdobramentos motivacionais contribuem para incrementar o aprendizado musical dos estudantes do ensino médio. 

Esta ação de pesquisa cartografa, pela inscrição performativa de mapas, os dispositivos poéticos e de gestão de uma rede de espaços artísticos autopoiéticos de Belém do Pará, entendidos como unidades autônomas pela totalidade sui generis de sua composição poética-política, cuja capacidade de se autogerir como estratégia de resistência, sobrevivência e amadurecimento de seu fazer dentro de um contexto cultural da cidade, dialoga com a estrutura e o sentido que criou para si. Espaços independentes, autônomos, autogestionados e intencionais, são outras terminologias dadas ao que é definido aqui como espaço artístico autopoiético, sendo este o lugar gerido por artistas que firmam uma produção poética com potência política, ao promover, de modo autônomo, práticas de intervenção, formação e experimentação artística que se constituem como micropolíticas para cidade. O termo autopoíetico é uma declinação do conceito de autopoiese, dos biólogos chilenos Humberto Maturana e Francisco Varela, acionado para sustentar um pesquisar na diferença, na medida em que os espaços se autogerem como poiese de um artista ou coletivo que interage de modo cognitivo com seu meio, produzindo subjetividades que estruturaram, de forma singular, suas atividades, processos criativos, discursos ideológicos, modos de se definir, organizar, e constituir territorialidades na cidade. Essa poiese que resulta numa obra de arte enquanto fenômeno do lugar, faz um deslocamento do seu sentido estritamente material, ampliando esse fazer para as relações de produção e vivência do espaço enquanto obra. A rede de espaços artísticos autopoiéticos, nesse sentido, é heterogênea, polifônica, e se comunica de modo colaborativo como um organismo sistêmico pulsionado pela insurreição de corpos que encontram no circuito de afetos seu fluxo condutor.

O presente memorial corresponde à parte descritiva, tanto quanto a vislumbres, que nortearam opções poéticas do espetáculo O tudo anexo, cujos princípios metodológicos de criação correspondem à investigação de uma simbologia pessoal do ator. Tais princípios, conforme vimos examinando, tendem a habilitar o artista da cena ao alcance de um estado criativo alimentado por uma simbologia compartilhada no inconsciente coletivo. Aquisitivos transversalmente das singularidades relativas à experiência simbólica de cada um, tais princípios, sem embargo, e em continuidade, parecem incitar o ator rumo ao alcance de um estado criativo alimentado por uma simbologia ímpar compartilhada no inconsciente coletivo. Entre eles estão a noção de mitologia criativa, de Joseph Campbell, segundo a qual existe um novo tipo de experiência mitológica emergente, onde o indivíduo experimenta símbolos, e a mitologia de maneira íntima e transformadora, cuja comunicação de tal experiência - desde que verdadeira - teria a força de um mito vivo. Em consequência, o trabalho do artista cênico, nesse contexto, se faz valer pela exploração, manuseio e comunicação da matéria dessas experiências. Nisto, alertamos quanto à elucidação da diferença de perspectivas entre essa mitologia e a mitologia considerada tradicional, impositora, socialmente, de convenções e ritos, conquanto falha no processo de alcance espiritual desses. Outro princípio metodológico, ou transformador, é o da individuação da psicologia analítica junguiana, onde os símbolos advindos do inconsciente têm papel fundamental no amadurecimento da psique do indivíduo. Estruturalmente, o espetáculo acima referido se complementa com memorial escrito e memorial poético, ambos erigindo questões, propondo diagnoses e definindo parâmetros ao emprego da simbologia pessoal do ator na criação cênica. No caso do memorial poético, correspondências imagéticas e escriturais insurgentes no processo criativo são exploradas de forma a contribuir ao entendimento via expressão metafórica de princípios criativos abordados. Quanto ao trajeto do pensamento criativo, este se permite calcado na experiência simbólica, em suas pertinências transformadoras e numinosas, em suas nuances frente ao trabalho do ator e à encenação, tanto quanto as qualidades próprias das suas especificidades, dificuldades e fluxos que deram luz ao processo de composição dramatúrgica, sonora, espacial, enfim, cênica. Por meio dos ensaios investigativos voltados a uma conduta de encenação apta a explorar o nível simbólico de forma a extrair, do ator, ao máximo, as suas potências simbólicas, buscamos prover consistência investigativa na prática. Ademais, elucidamos o caráter empírico da metodologia, aquele surgido das experimentações, da lida frontal com o símbolo, em laboratórios de atuação cênica. Dentre os referenciais teóricos podemos destacar Friedrich Nietzsche (1844-1900), no que tange ao entendimento do filósofo alemão sobre e a filosofia do instinto e sua crítica à superestimação do conceito de consciência,  o diretor polonês Jerzy Grotowski (1933-1999) e os princípios criativos de seus experimentos junto ao seu Teatro Laboratório que, dispostos em conjunto, receberam o nome de Teatro Pobre, e Gilbert Durand (1921-2012), quando relacionadas às suas noções de imaginação simbólica, termo caro a esse filósofo francês, e aqui apropriado quanto a elucidações de símbolos elementares e urgentes, situados no imaginário coletivo, nas mitologias e nas amplitudes individuais, entre outras efetuações.

O Povo Mẽbêngôkré-Kayapó vivia em uma grande aldeia denominada Pykatôti. Na contemporaneidade, as aldeias Mẽbêngôkré estão localizadas no Norte do Mato Grosso e Sul do Estado do Pará nas margens do Rio Fresco e do Rio Xingu. Este trabalho tem como objetivo realizar um estudo da corpografia do Povo Mẽbêngôkré a partir da experiência corporal vivenciada ao longo do trabalho de campo-vida para fins de atividade artística. A metodologia desta pesquisa, denominada teia da aranha, é tecida por meio da ética - kumerex e estética-mej nas relações míticas em kapran ok. Como artista-etno-pesquisador, o autor experimenta corporeidades no trabalho criativo em processo, Círculo de Pykatôti. Na tessitura das tramas estão amarrações entre a Etnocenologia, Antropologia Estética, Sociologia Compreensiva, a partir do perspectivismo indígena Mẽbêngôkré. Os resultados são contribuições às PCHEO – Práticas e Comportamentos Humanos Espetaculares Organizados no entendimento de relações não apenas humano-humano, mas nas relações humano-bicho como proposição fundante do termo Kukradjá para o Povo Mẽbêngôkré.

Este trabalho consiste em uma pesquisa fundamentada em História Oral, que propôs como principal objetivo compreender o sentido da educação musical em escolas de educação básica em Belém do Pará, a partir de Memórias de Professores de Música. Especificamente, foram analisadas quais as concepções de professores de Arte/Música nessas escolas, quais os objetivos estabelecidos por esses professores para a educação musical na educação básica e quais as “estratégias” por eles desenvolvidas para efetivação do ensino de música na educação básica. Ainda relacionou-se e analisou-se de que forma as concepções, “estratégias” e objetivos eleitos pelo professor de Arte/Música direcionam o sentido do ensino da educação musical em escolas de educação básica. Por meio da história oral foi possível compreender as escolhas pedagógico-musicais dos professores de Arte no ensino da música, através da investigação de suas memórias especialmente quanto às suas formações advindas de experiência, institucionais e de práticas docentes, que aqui entendo serem a base de suas práticas como professores. Para desenvolvimento da pesquisa foram visitadas 29 escolas, com o intuito de identificar quantos professores de arte licenciados em música atuam nessas escolas. Tendo conhecimento dos professores, foram realizadas duas entrevistas: com uma professora licenciada em música que atua na rede pública de ensino há mais de 20 anos e um professor licenciado em música que atua na rede pública de ensino há mais de 10 anos. Essas entrevistas foram transcritas, textualizadas e transcriadas, resultando em duas narrativas, que posteriormente foram interpretadas e analisadas a partir de um olhar transdisciplinar que possibilitou um diálogo com o conceito de memória, à luz de autores da História, Sociologia, Antropologia, Filosofia e da Educação Musical. Pode-se concluir que os principais apontamentos desta pesquisa foram de que a educação musical escolar é trilhada não apenas por um caminho, mas por vários caminhos que os professores, superando obstáculos, constroem cotidianamente. Suas experiências de vida e formação institucional se mostraram como pilares de sua atuação como profissionais, ressignificando práticas de ensino e concepções de vida. Além disso, o diálogo entre gestão escolar e professores se torna imprescindível para efetivação do ensino da música na escola. 

A presente pesquisa tem o objetivo de investigar recursos de preparação para a construção de um espetáculo de improvisação em dança junto aos integrantes do Grupo de Pesquisa Coreoepistemologias, da Universidade Federal do Pará (UFPA). O conceito de improvisação aqui apresentado pauta-se em MARTINS (2003) e como conceito também pertinente destacam-se MUNIZ (2015) e FREITAS (2012). A metodologia aplicada lança mão de laboratórios cênicos que utilizam a improvisação em dança como resultado cênico, sendo o espetáculo criado no instante da sua execução. Adotou-se ao longo da pesquisa o uso de roteiro pré-estabelecido, no qual o enredo da história é previamente definido, deixando a cargo dos bailarinos a resolução da cena e sua movimentação. Tendo como resultado um experimento artístico no qual, a partir da utilização de roteiros e das conexões entre os corpos dançantes participantes, o processo de criação é simultâneo ao processo de contemplação.

Esta pesquisa, inserida na linha de processos de criação e atuação em artes, centra-se na análise do processo criativo de trabalhos fotográficos produzidos durante o mestrado, dentre eles: Palacete Faciola, Réquiem para Bayard, Deambular, e A Cidade. Tomando como eixo a cidade, abordando-a como ideia, como conceito, na elaboração dos ensaios mencionados, se indaga sobre diferentes possibilidades de construção do objeto fotográfico, considerando as particularidades da fotografia encenada.  A partir desse processo, se estabelecem também uma série de considerações sobre a prática fotográfica, e sobre como essas reflexões influenciam o processo de criação. Essas considerações se referem principalmente a relação fotografia e cidade, fotografia e outras artes, fotografia e ficção, e fotografia e experiência. Nesse sentido é adotado o conceito de experiência expressado por John Dewey, e este é relacionado com os conceitos do ao mesmo tempo e ação fotográfica de François Soulages

Nesta pesquisa, apresento um estudo sobre o Cinema de Animação, a partir de conceitos proporcionados por autores cujasanálises aproximam-se da esfera simbólica da história do cinema. Partindo do princípio do professor, escritor e pesquisador de multimídia brasileiro Arlindo Ribeiro Machado Neto (1949-) de que o cinema materializa um movimento milenar de “representação do imaginário”, e ainda como o pensamento de Edgar Morin em descortinar a realidade semi-imaginária do homem, dialoga com a face “noturna” do filósofo francês Gaston Bachelard(1884-1962), ou seja, sua “metafísica da imaginação poética” e sua sistemática de investigação da gênese da imagem poética a partir dos arquétipos dos 4 (quatro) elementos da natureza (ar, água, terra e ar), ao qual acrescento mais um (elemento éter). Para conduzir o presente trabalho, admito, como objetivo precípuo, demonstrar a ligação entre o modus operandi da criação de um filme, ou seja, os procedimentos metodológicos utilizados em sua feitura, e a sua faceta consequente do contexto histórico-social vivenciado e experienciado por seu(s) criador(es), contexto esse em plena influência amalgamada ao devir do imaginário destes. Assim sendo, por necessidade de me ater aos objetivos, acautelo-me, no decurso da pesquisa, em evitar o aporte teórico no sentido do rompimento com as abordagens estritamente históricas, sobretudo com as que privilegiam a decomposição e síntese de movimento e a invenção de dispositivos técnicos, tais como do cinematógrafo, criado pelos irmãos franceses August M.L.N. Lumière (1862-1954) e Louis J. Lumière (1864-1948),  e as que reduzem o cinema de animação a conteúdo de manuais técnicos de como fazer Cinema de Animação. Enquanto resultado em andamento de um produto artístico-científico, empenho-me em criar um filme curta-metragem de animação, intitulado Alma de papel, no contexto do Laboratório de Animação das Oficinas Curro Velho da Fundação Cultural do Pará, procurando compreender as etapas processuais da referida criação acorde os preceitos, mais acima citados, do contexto histórico-cultural, do devir criativo e do modus operandi inerentes ao momento, ao lugar, às singularidades inerentes ao meu imaginário e idiossincrasias expressivas, além dos meios materiais disponíveis.

O presente trabalho busca compreender, através de uma linguagem poética, a representatividade da banda paraense Delinquentes para a cenário de rock na cidade de Belém. Com trinta anos de atividades, a banda Delinquentes é uma das principais referências da cena rock de Belém atuando sempre de forma independente e, no chamado, meio underground. A pesquisa foi realizada, principalmente, através de entrevistas e o resultado disso é a produção de um filme documentário sobre a banda, abordando o contexto de quando ela fora criada; as relações que eles estabeleceram com os outros personagens da cena local e a produção e o processo de criação da banda. O trabalho escrito em forma de memorial, busca recriar um dos mais importantes meios de divulgação das bandas independentes há três décadas: o fanzine. Além disso, propõe uma reflexão sobre a importância da banda na construção de uma cena musical underground que já não é mais tão primitiva e amadora, mas que precisou se profissionalizar e se adequar aos novos modelos de comercialização da música.

A arte popular entre o real e o fantástico: o imaginário na xilogravura e no cordel de J. Borges usa uma investigação sobre a Arte Popular através do estudo da arte de J. Borges e os vários olhares voltados a esse tema desde a primeira metade do século XX. A pesquisa sublinha o entendimento e o posicionamento de artistas e estudiosos sobre o papel da arte do povo brasileiro na criação de uma identidade nacional e cultural, assim como o espaço da arte popular no sistema de arte; particularmente os aportes de Mário de Andrade e Lina Bo Bardi e as considerações de Gilbert Durand e Michel Maffesoli sobre o imaginário. Ao longo dessa narrativa é traçado um panorama possível da arte popular e sua evolução (ou evolução do seu estudo e debate) para ambientar e situar o tema historicamente até os dias atuais. Em meio a isso, a pesquisa apresenta o artista pernambucano J. Borges, reconhecido por seus cordéis e suas xilogravuras. O trabalho tenta demonstrar como o artista é influenciado pelas mais diversas questões e transpõe isso para seu trabalho, fazendo dele um relato de experiências cotidianas, sociais e imaginárias. Pesquisa bibliográfica com entrevistas e observações de campo e de vida se encontram para construir este trabalho e formar uma base - entre tantas possíveis - sobre a qual se pode pensar e discutir a arte popular brasileira.

A presente dissertação aborda a experiência com jogos (games), focada em estudo de caso que considera a análise da imagem, a experiência e os modos de mediação propostos pelo jogo Journey (TGC, 2012). Para tanto, observa-se as características interativas, simbólicas, de interface e de funcionalidade do jogo em questão e suas possibilidades de diálogos estéticos com outras formas de artes, como os quadrinhos e a ilustração. Nessa perspectiva, valemo-nos de teorias e autores que consideramos pertinentes ao estudo de caso e relacionáveis a aspectos importantes para a abordagem do jogo (Johan Huizinga; Roger Caillois; Eric Zimmerman; Katie Salen), do imaginário (Gilbert Durand; Philippe Malrieu), da experiência em geral e da experiência estética em particular (Robert Solomon; John Dewey) e da linguagem e da mídia (Lucia Santaella; Julio Plaza; Monica Tavares). Tendo a interação lúdica como lente, promove-se uma análise dos meandros do jogo, suas relações com o(s) jogador(es), as questões propostas durante e no fim de sua experiência para, assim, compreender como ocorre o mimetismo com outros meios de expressão que não apenas o próprio jogo. Os atravessamentos teóricos tendem a cooperar com os estudos do jogo enquanto campo expandido da arte.

Fundamentada na Etnocenologia em sua perspectiva transdisciplinar, esta pesquisa buscou compreender a espetacularidade das roupas utilizadas por Mariinha de Jesus Costa Feio, mãe-de-santo e zeladora do Terreiro Estandarte de Rei Sebastião, localizado na Ilha de Outeiro, no Pará. As roupas são vestidas em dias que se festeja as entidades cabocas do Tambor de Mina, Herondina e Maria Légua – chefa e contra-chefa da mãe-de-santo respectivamente – e que pertencem a uma categoria de encantados do panteão mineiro – conforme Luca (2010), os encantados são descritos como os que não passaram pela experiência da morte e fizeram morada em encantarias: matas, rios, entre outros ambientes. Para compreensão dessas roupas e vivência plena junto ao fenômeno pesquisado, valeu-se dos pressupostos da pesquisa etnográfica de Geertz (2014); o período de vivência no terreiro compreendeu de junho de 2015 a maio de 2016, no qual se vivenciou duas festas: da caboca Herondina em agosto e da caboca Maria Légua em dezembro. Esta pesquisa visa contribuir para os estudos etnocenológicos na Amazônia, tendo em vista a força e a tradição do Tambor de Mina no Pará. Destaca-se também a importância para os que trabalham com roupas em um contexto geral e mais especificamente aos figurinistas, pois durante as reflexões e escrita desta dissertação, assumi a proposição autoral da Figurinista-Etnocenológica, que necessita exercitar constantemente o olhar ontológico – no sentido elaborado por Paes Loureiro (2008). Exercício este que ajudou a compreender o caráter espetacular dessas roupas, que para sua feitura atendem especificidades previamente organizadas, sobressaindo o que a mãe-de-santo deste lugar diz sobre as suas cabocas e os mitos relacionados a Dona Herondina e Dona Maria Légua.

Waldemar Henrique compôs diversas canções, peças para piano solo, coro, orquestra, músicas para novela, teatro e filmes inspirados no folclore amazônico, indígena, nordestino e nas representações das crenças e dos hábitos das populações afrodescendentes na Amazônia e no Brasil. A presença da cultura afro-brasileira na obra de Waldemar Henrique pode ser percebida pela simples observação das letras, ritmos e gêneros utilizados em diversas de suas obras. Investigar os fatores que contribuíram para a presença da cultura afro-brasileira na obra deste compositor foi o objetivo principal desta pesquisa. Os específicos: fornecer informações contextualizadas sobre Waldemar Henrique; verificar como o compositor aborda a temática afro-brasileira em suas composições e, descrever e analizar as composições denominadas de “Pontos Rituais”. Para isso, foi necessária a busca de informações contextualizadas sobre a vida e a obra do compositor, verificando sua possível relação com pessoas ligadas à cultura afro-brasileira, e a análise de sua obra. Nosso ponto de partida foi a revisão da bibliografia disponível, tendo como referência o catálogo de suas obras publicado por Claver Filho (1978) e Miranda (1978), assim como foram consideradas as questões propostas por Béhague (1992), Durand (2001) e Blacking (2000), entre outras, a investigação das dimensões socioculturais e estético-ideológicas no estudo de um compositor, para a compreensão da sua produção musical. Diante da carência de escritos sobre o assunto em tela, foram realizadas coletas de dados em campo, em forma de entrevistas semiestruturadas, e “episódicas”, com personalidades musicais relacionadas ao maestro, que estudaram e analisaram suas obras. A partir dos resultados obtidos, é proposta uma classificação para as obras inspiradas ou que apresentam temas relacionados à temática afro-brasileira em três categorias e um catálogo atualizado da obra do compositor.

A pesquisa parte da pergunta: Como ocorre a prática musical da Associação de Koto de Belém? Para respondê-la parto da abordagem Etnomusicológica e do método da Cartografia para abordar está prática musical. Sendo uma prática musical nipo-brasileira emergem conceitos que permitam tramar os conhecimentos obtidos junto à Associação de Koto de Belém, partindo da vivência como membro do grupo, e compartilhando textos que me serviram para imergir na prática musical. Entre estes conceitos que compartilho nessa pesquisa há: Transterritorialização musical (SATOMI, 2004), Mudança musical (NETTL, 2005; BLACkING, 1995) e energia musical (NETTL, 2005). Pareyson (2005) e Rangel (2015) imergem na pesquisa como método de estruturação e formação da dissertação, onde há o recolhimento de pistas do próprio instrumento musical desta pesquisa (o Koto) para desenvolver as Invocações que constituem todo o texto.

A proposta desta pesquisa tem como foco, os processos criativos de três sambas de enredo compostos para três escolas de samba de Belém do Pará: Amanheceu, do Grêmio Recreativo Jurunense Rancho Não Posso Me Amofiná (1985); Paid’égua, do Império de Samba Quem São Eles (1986) e Sonho Cabano, do extinto Grêmio Recreativo Cultural e Social Acadêmicos da Pedreira. O objetivo geral é investigar aspectos dos processos criativos dos sambas de enredo: Amanheceu, Pai d’égua e Sonho Cabano. Os objetivos específicos visam conhecer a trajetória artística dos compositores dos sambas objetos do projeto; verificar os aspectos históricos das escolas de samba Grêmio Recreativo Jurunense Escola de Samba Não Posso Me Amofiná (Rancho), Império de Samba Quem São Eles e Escola de Samba Acadêmicos da Pedreira e analisar os sambas de enredo: Amanheceu, Pai d’égua e Sonho Cabano.  A pesquisa se fundamenta na Etnomusicologia. Para tanto, levou-se em consideração, a trajetória artística de seus compositores e o histórico das escolas de samba onde esses sambas se originaram. A metodologia apoia-se em entrevistas, com os compositores dos sambas e outras pessoas envolvidas na história e na composição dos sambas já citados, leituras e levantamento documental relacionado à Etnomusicologia, Carnaval, Carnaval paraense, samba, e samba de enredo.

Esta dissertação apresenta a mitoanálise do curta-metragem paraense de 2011 “Juliana Contra o Jambeiro do Diabo pelo Coração de João Batista”, escrito e dirigido pelo cineasta Roger Elarrat. A mitoanálise objetiva apontar vestigios do deus grego da morte, Thanatos perpassando o enredo do filme.Utilizo“A Jornada do Herói” (ou teoria do Monomito), desenvolvida pelo norte-americano Joseph Campbell, somada ao universo da Mitoanálise (ou Mitanálise) do francês Gilbert Durand, como embasamento teórico. Para o procedimento metodológico deste trabalho, recorro à zona de sfunatto, de Paes Loureiro. Para legitimar este sfumatto, inauguro a linguagem lúdico investigativa como meio expressivo a dar voz a um texto lítero-científico. Transgredindo com os moldes acadêmicos da escrita dissertativa, apresento ao leitor uma narrativa ficcional reflexiva, no corpo de um conto fantástico repleto de personagens conceituais desenhados por mim, os quais conduzem o leitor à compreensão do passo-a-passo da mitoanálise apresentada.

Essa pesquisa se lança no universo da imagem para livro infantil, tendo como objetivo geral, analisar a interação verbo/visual no livro paraense “A história das crianças que plantaram um rio” (2013) a partir de uma compreensão complexa das imagens. A pesquisa se desenvolve em três capítulos: o primeiro reúne páginas da história da ilustração, percorre as suas origens, o contexto europeu, a ilustração brasileira e alcança algumas considerações sobre a ilustração infantil no Pará. O segundo capítulo trata das nuances teóricas da pesquisa, apresenta as bases epistemológicas dos Estudos Visuais sob a introdução de Domènech e seu conceito de “ecologia”, seguido pelo conceito de “mimese” aristotélica, revisitado por Guerbauer e Wulf, pelo qual encontramos as produções estéticas como fenômenos inscritos no território simbólico e aportamos no campo do imaginário, sob a ótica de Gilbert Durand. O terceiro capítulo se dedica à análise do livro mencionado, aspectos concernentes às relações entre texto, imagem e suporte, seguidas de leitura das imagens e suas ressonâncias simbólicas. A metodologia consiste em uma abordagem qualitativa para os dados levantados, em uma pesquisa de tipo exploratório-descritiva, com procedimentos de pesquisa bibliográfica e documental, desdobrada em estudo de caso. Esperamos que esta investigação contribua para os estudos no campo da visualidade e para o campo cultura amazônica, bem como para a compreensão da imagem enquanto objeto de conhecimento.

Trânsitos e estratégias epistemológicas em Arte nas Amazônias é a linha de pesquisa que se vincula esta dissertação. Tem como objeto de estudo as pinturas de paisagens de Pinto Guimarães, desenvolvidas durante a segunda metade do século XX. Relaciona as suas características estilísticas às das pinturas impressionistas produzidas na França na segunda metade do século XIX. Tem como objetivo examinar as pinturas do artista paraense Pinto Guimarães, tanto nos seus aspectos procedimentais de execução, quanto na escolha temática dos cenários e dos motivos paisagísticos, bem como a visualidade da técnica pictórica. A metodologia é teórica com aporte documental e biográfica. Examina pinturas produzidas pelo artista no período de 1963 a 1997 à partir de obras originais e da leitura de fotografias de obras importantes, mas não encontradas em acervos. Reúne autores da história da arte que tratam dos fundamentos da escola impressionista francesa, dentre os quais destacam-se Argan (1992), Balzi (2009), Cavalcanti (1981), Gompertz (2013), Lobstein (2010), Mason (2009), Newall (2011), Serullaz (1989) e Hauser (1998). Esclarece-se o legado visual que as pinturas de paisagens trouxeram para a contemporaneidade da arte pictórica em Belém, conforme as influências estilísticas que elas estavam submetidas durante o período em que foram realizadas. Disso resulta que o estudo aponta para as marcas objetivas de existência de um impressionismo na obra do artista e de características vinculadas à modernidade, mas também, revela as verdadeiras motivações que conduziram o autor para o desenvolvimento das suas pinturas de paisagens.

Este trabalho apresenta um instrumento musical virtual para o gênero musical uirapuruverdadeiro, expressando uma das linguagens musicais presentes nas pesquisas de Albery Albuquerque Junior, linguagem esta baseada na musicalidade do universo sonoro dos animais, denominada de Música Viva da Floresta. Trata-se de um projeto de software de comunicação síncrona, constituindo-se de um dispositivo de cristalização deste gênero musical, no entanto, transfigura-se esteticamente dentro dos processos de transmissão de dados que as redes web oferecem atualmente. Dessa forma, utilizando mecanismos de aleatoriedade temporal, apresenta assimetria nas sonoridades executadas, causadas pelas variações de velocidades em que os dados são enviados na rede. Temos assim a apresentação de dois elementos: em primeiro lugar a linguagem musical dos animais de onde se constitui as sonoridades uirapurinas, e em segundo um software que constitui o instrumento musical virtual. As sonoridades e o software são respectivamente fundamentados no Transmorfismo de Albery e na Estética Relacional de Nicolas Bourriaud.

Esta dissertação apresenta fragmentos de narrativas de vida de duas mulheres de teatro, a partir do encontro ocorrido em momentos decisivos de suas vidas. Uma artista veterana como referência, Wlad Lima, e eu, Marluce Oliveira, aprendiz do ofício de ser atriz. No primeiro ato, registro minhas memórias traduzidas em cenas cotidianas e artísticas. No segundo ato, o encontro de duas mulheres gordas, com semelhantes vivências; destaco a poética da atriz veterana e seu envolvimento profissional; espaços onde trabalharam, dividiram e (des)construíram sonhos; semelhanças identificadas desenvolvidas no lado afetivo, familiar e profissional ao longo dos anos. Esse encontro foi determinante para a poética emergente da pesquisadora, como atriz iniciante. No terceiro ato, um estudo do espetáculo O Homem Que Chora Por Um Olho Só, adaptação do texto Os Sete Gatinhos, do dramaturgo Nelson Rodrigues. Este espetáculo repercutiu fortemente em nossas vidas, uma como encenadora, a outra como atriz. O estudo visa ainda compreender especificidades e correlações do encontro poético entre nós.  Divergências e convergências identificadas em fragmentos vividos compreendem esse encontro. Metodologicamente, a pesquisa foi efetivada sob o enfoque da etnometodologia, a partir de entrevistas abertas, análise de documentos, memória individual, e referenciais necessários. Amparada pelos autores François Dosse, Michel Maffesoli, Ecléa Bosi, e a obra da encenadora pesquisada: Dramaturgia Pessoal do Ator, dissertação de mestrado. Obra mediante a qual revisito memórias e registros de um espetáculo fundamental em nossas trajetórias de vida.

A presente pesquisa tem como objeto a sistematização do ensino do violão em Belém do Pará, enfatizando o seu uso como instrumento solista. No Pará, o violão foi introduzido pelo colonizador português, sendo poucas as informações sobre quando, como e por que este ensino foi sistematizado, daí a necessidade deste estudo. O objetivo geral foi investigar como se deu a sistematização do ensino de violão solo na capital paraense. Os objetivos específicos consistiram em: apresentar breve histórico sobre a sistematização do ensino de violão solo em Belém tomando como base o Instituto Estadual Carlos Gomes, analisar como o violão solo foi introduzido e como vem sendo constituído seu ensino e sua prática ao longo de diferentes gerações e refletir sobre o legado do processo de sistematização para a comunidade local quanto à prática de violão solo e a contribuição dos seus principais colaboradores (compositores, intérpretes e didatas) para a atual conjuntura do ensino do instrumento em Belém do Pará. A metodologia compreendeu estudo bibliográfico, análise documental e entrevistas no âmbito da história oral.

A Casa da Atriz: uma Cartografia Desassossegada das Sociabilidades de um Coletivo Teatral em Belém do Pará assume como princípio criador arriscar-se por caminhos bifurcados, que a investigação das conviviabilidades deste coletivo teatral, exige. A pesquisadora sabe que para desbravar caminhos iniciais de uma cartografia precisa criar um território existencial entre as jornadas anteriores e o presente para compreender, a necessidade ou não, da existência da casa-útero. Tem como fundo da investigação, outras casas-sedes aqui reconhecidas como geografias interiores onde moradores e abrigos se confundem, convergindo memórias, sentimentos e poéticas. Como objeto, sensações dicotômicas existentes e habitantes em ambas as estruturas (viajante e casa). No meio dos caminhos, no entre, a escolha da pesquisadora é ser cartógrafa da alma e dos desassossegos, andarilha e moradora. Ao se lançar no caminho do pensamento poético, descobre nos traços dos passos deixados no asfalto fervente outros pés, então, sabe-se acompanhada por outros caminhantes em livros: Gaston Bachelard dizendo do bem mais precioso, o ter e o ser casa; Fernando Pessoa poetizando que os descaminhos desassossegados existentes nos planos das ideias e a vida não passam de um ensaio do poder vir a ser; Lewis Carroll e Alice como seres que arriscam o novo, o tempo todo; e Ítalo Calvino, presente nas linhas do imaginário, que retrata e reconhece através da fábula, o próprio habitat. Assumindo o erro e o inacabado como parte dos caminhos percorridos, a artista-pesquisadora precipita uma nova jornada.

O objetivo principal desta pesquisa foi o de investigar a experiência de construção de uma “identidade”, a partir de um repertório musical do Coro Cênico da UNAMA, que originou a produção da série de CDs Trilhas D’Água, constituído de repertório musical de carimbós, lundus, cantos pastoris, cordões-de-bicho, bois, acalantos e canções, uma releitura do universo musical amazônico para a linguagem do canto-coral. Questões como de que forma a mudança no repertório musical contribuiu para a construção da “identidade” do grupo, as transformações observadas nos coristas quanto ao pensamento, o comportamento e o próprio som gerado, na comunidade acadêmica que o mantém, assim como no contexto cultural em que este grupo se insere são abordadas. A dissertação é estruturada em três seções. A primeira apresenta uma biografia contextualizada do Coro Cênico da UNAMA; a segunda descreve o processo de ensino e aprendizagem do grupo e, a prática musical é analisada na terceira, considerando a esfera social na qual o grupo se insere. São utilizadas fontes bibliográficas sobre mudança musical e identidade musical, à luz da etnomusicologia. Levantamento de dados disponíveis em blogs, revistas e sites sobre a prática coral foram realizados, assim como entrevistas “semiestruturadas” e “episódicas” com a comunidade acadêmica, alunos participantes do grupo, antigos alunos, reitor e pró-reitor da instituição, compositores e a regente, considerando a história oral recontada pelos agentes que constroem e executam a prática musical de alguma forma na universidade. Parte-se do princípio de que esses agentes são as pessoas que detém as bases e as concepções do que seja a prática musical na Universidade da Amazônia.

Sabe-se que a educação musical possibilita desenvolvimento de várias habilidades, no que diz respeito ao ensino de música para crianças com deficiência ou transtornos, em especial nesta pesquisa Transtorno do Espectro do Autismo (TEA) a educação musical vai além do processo de ensino aprendizagem. Com este trabalho pretendeu-se Analisar o aprendizado musical de crianças com Transtorno do Espectro do Autismo em aulas de percussão. Para o alcance do objetivo prosposto, foi realizado um curso de treinamento teórico e prático para graduandos a fim de introduzi-los a pesquisa ciêntifíca e para que estes podecem atuar como monitores. Foi repassado a estrutura da intervenção e forma de manejo com as crianças. Participaram desta intervenção 20  crianças com idades entre 6 e 9 anos, sendo 8 com autismo e 12 típicos (sem o transtorno). Cada responsável assinou um termo de consentimento livre esclarecido, onde constavam os objetivos desta pesquisa, preencheram o relatório que traçou o perfil comportamental de cada criança. A coleta de dados foi realizada na Escola de Música da Universidade Federal do Pará. Cada dia de intervenção tinha duração de 1h e ocorria uma vez por semana, durante 3 meses, constando de 10 atividades fundamentadas nos métodos de Carl Orff e Zoltán Kodály. Para realizar a avaliação do aprendizado musical desses alunos, foi utilizado a Escala de Avaliação do Aprendizado musical-Percussão, construída por Oliveira, Pantoja, DeFreitas Jr., Espírito Santo e Nascimento (2011), a partir da adaptação da Escala de Verificação do Aprendizado Musical no Instrumento Violoncelo (DEFREITAS Jr., 2007), esta Escala vem composta por instruções e ilustrações para melhor compreensão do avaliador

Os jogos eletrônicos se configuram em uma experiência estética e cultural (Zimmerman, 2004) profundamente relacionada à vida contemporânea. A Amazônia, em conexão com o pensamento global a partir das culturas urbanas de suas metrópoles, participa deste universo muito mais como receptora que como produtora de conhecimento científico e artístico. Em resposta a essa lacuna esta dissertação parte da investigação do projeto em aberto do jogo “O Chalé” observando-o como um objeto de arte de criação coletiva, concebido e desenvolvido de maneira independente, explorando seu percurso criativo e a expressão de suas ideias. A partir dessa experiência, contextualiza o cenário atual dos videogames sob a ótica de seus entrecruzamentos com o universo artístico e traça aproximações entre game arte e game de mercado. Ao abordar o desenvolvimento intuitivo de um processo criativo de videogame a partir de uma perspectiva interna, esta dissertação abrange um objeto hipermidiático e intercultural (Canclini, 2009) cujo conteúdo conecta uma série de  atravessamentos que também são epistemologicamente pertinentes como a cultura amazônica em diálogo com a cultura global, seu imaginário e história, sem abandonar suas questões estéticas e representações visuais.

É dentro deste armário que esta pesquisa visa se debruçar para investigar minhas
encenações teatrais, meu solo de imanência e de composição. São elas, a saber: Ao Vosso
Ventre (2012), Amem!(2013) e Santa Pocilga de Misericórdia (2014). A partir da realização
do que chamo de Trilogia do Armário, tendo como norte metodológico as quatro variações da
atenção do cartógrafo, pretendo insinuar uma aproximação da reflexão teórica sobre o
cuidado de si da discussão acerca do ofício do encenador teatral da cidade de Belém, para
então, investigar a forma como minhas encenações teatrais, já citadas, podem ser defendidas
como uma prática de liberdade, um estilo de vida, que implica em uma existência ética e
estética. Sigo acompanhado dos pensamentos dos filósofos Nietzsche e Foucault para
responder uma questão disparadora: É possível pensar os processos de encenação teatral de
um artista homossexual como uma prática de liberdade comprometida com um processo de
estilização da vida? Acredito que exista uma linha que atravessa estes três processos de estilização da vida? Acredito que exista uma linha que atravessa estes três processos de encenação onde posso encontrar diversas semelhanças e divergências que apontam para uma estilização da vida. Minhas encenações teatrais dão conta de tornar a minha “saída do armário” em um convite ao exercício de problematizar o próprio ato de se “esconder no

armário”.

A presente pesquisa aborda parte da obra de Sinval Garcia (1966 -2011), que realiza significante produção no âmbito das Artes Visuais no Brasil. Em sua produção, abordaremos as exposições Samsara (1997), Paisagens Invisíveis (2005) e A Câmara da Transmutação Secreta (2009). Este recorte de sua obra se constitui no interstício entre a fotografia e outras linguagens, os concentrando, especialmente, na relação estabelecida com a pintura, observada nos
vínculos entre os trabalhos dentro do contexto da produção do artista. Para tal foram
utilizados os conceitos sobre fenomenologia de M.Merleau-Ponty, o estudo de Laura
Gonzalez Flores sobre fotografia e pintura, além do pensamento de Vilém Flusser
acerca de uma filosofia para a fotografia. Este trabalho pretende colaborar para as
discussões de uma História da Fotografia Contemporânea no Pará e no Brasil, bem
como contribuir para o posicionamento reflexivo e crítico da arte contemporânea em
âmbito nacional.

Esta pesquisa investiga o processo de criação da visualidade em iluminação cênica dentro dos espetáculos da Companhia Moderno de Dança. Entendendo que a iluminação cênica no processo criativo desta companhia absorve os princípios criadores do corpo que dança e desenvolve sua poética própria, aponto aqui as aproximações entre a metodologia do grupo, isto é, a dança imanente, e os procedimentos que permeiam a criação da iluminação na referida companhia. Partindo de uma análise das suas particularidades cenográficas e das visualidades obtidas na cena através da iluminação cênica, a pesquisa tem como mote a busca pela assinatura visual do iluminador cênico e o modo como este desenvolve seus processos de criação. Como fundamentação teórica utiliza-se os estudos sobre estética da luz, criatividade e processos de criação e dança imanente, entre outras teorias que tratem de visualidade e corporeidade. Como metodologia utiliza-se o referencial da etnopesquisa, na perspectiva da observação participante, adotando como estratégias a pesquisa bibliográfica, entrevistas abertas e análise documental. Dessa forma, dar-se-á bases para o entendimento desta visualidade obtida na dança contemporânea, assim propondo a ampliação do conceito de Atmosfera Influente por meio da aproximação da dança imanente, desenvolvendo e organizando a Atmosfera Imanente como uma assinatura visual do iluminador cênico.

Esta de pesquisa tem como proposta compreender de que maneira um professor de música articula suas vivências em banda musical em Santarém-PA com a formação em licenciatura em música em sua atuação na educação básica. Optei por uma abordagem qualitativa, fazendo uso da entrevista na perspectiva da história oral. O intuito é de contribuir para a compreensão do processo de formação do professor de música no início do século XXI, em Santarém, de modo a subsidiar tomadas de decisão para o incremento do ensino da música na escola de educação básica, em Santarém-PA.

Bonecos formado em 1996 em Belém, e que até os dias atuais tem sido referência na cena teatral paraense, principalmente no que se refere à linguagem do teatro com bonecos.  A pesquisa se debruça sobre a dramaturgia do grupo, explora os procedimentos que induzem a criação do espetáculo com bonecos, assim como analisa os elementos indutores que se apresentam como componentes da encenação do grupo. A perspectiva metodológica rizomática, de Gilles Deleuze e Félix Guattari, dá suporte a compreensão desta poética, de criação de uma obra artística em continuidade. O sobrevoo sobre a experiência desta dramaturgia utiliza como instrumento de navegação um movimento em direção à compreensão dos seus signos de processualidade ou codificações artísticas. Uma ação sobre um campo de concepções estéticas e éticas da obra do grupo In Bust Teatro Com Bonecos, um panorama deste platô constituído de criações de espetáculos. Pensar esta dramaturgia tem como propósito observar, através dos espetáculos Fio de Pão – A lenda da Cobra Norato, O Curupira, Humanos e Catolés e Caraminguás, os elementos componentes deste platô, ou melhor, utilizando uma terminologia rizomática, as raízes pivotantes que ramificam e proliferam esta criação artística, seus aspectos preponderantes, como o boneco enquanto objeto-personagem, o jogo entre este e o ator, a relação com a plateia, a desconstrução da neutralidade do ator-manipulador e a atuação híbrida do ator e do boneco na cena de animação.

Esta dissertação tem como objetivo principal reunir acervo de informações sobre a consolidação de uma cultura cinematográfica, com ênfase nos filmes considerados de arte, a partir da trajetória de atuação de Alexandrino Gonçalves Moreira (A.G.M.), importante colaborador da atividade cineclubista em Belém do Pará. Registrar tal trajetória; os parceiros envolvidos; influência e legado deixados para os amantes do cinema; destacar a importância das histórias dos que ajudaram a transformar o cenário cultural cinematográfico da cidade de Belém-PA é, uma espécie de dívida a ser paga a todos os cinéfilos. Neste estudo, A.G.M. e seus colaboradores mais próximos, além de revelar a urgência da continuidade de ações dessa natureza, para manter e ampliar olhares e estudos sobre cinema como memória/arte na cultura local.

A partir dos conceitos de memória, tempo e cultura; trânsitos culturais; narrativas de vida; esquecimento; cinema de arte; cineclubismo dentre outros conceitos, a pesquisa foi embasada nos autores Ecléa Bosi, Jerusa Pires Ferreira, Kátia Canton, Marc Augé, André Bazin, Pedro Veriano, Antoine de Baecque entre outras referências adequadas a esta pesquisa.

Ao registrar e analisar a trajetória profissional de A.G.M. na área cinematográfica foi evidenciado a importância de suas ações, desde o papel como cineclubista até seu maior sonho, ter salas de cinema para a criação do circuito exibidor chamado Circuito Cinearte. Este, a partir da sua programação inspirada nos ideias cineclubistas, formou plateia e outros olhares sobre o cinema em Belém do Pará.

Para esta pesquisa, foram utilizados livros, jornais, artigos, revistas e demais publicações como fontes de consulta incluindo sites específicos e informações disponíveis em outras modalidades on lineForam realizadas entrevistas com personalidades que, direta e indiretamente, participaram do período pesquisado. As entrevistas tiveram a finalidade de aferir a recepção do público com relação ao alcance do circuito cineclubista, principalmente, com as ações elaboradas por A.G.M. no Circuito Cinearte. A análise contextualizada permitiu o registro consubstanciado do objeto/sujeito desta pesquisa.

Este trabalho consiste em uma tradução visual e sonora das intervenções cotidianas produzidas
por trabalhadores do Complexo do Ver-o-Peso – maior feira a céu aberto da América Latina – e
do centro comercial em seu entorno, localizados em Belém (PA). Considerando esses espaços
como um Corpo Espalmado Movente – proposição desta dissertação –, que compreende a
totalidade urbana e humana como uma imensidão, espaço obrado dinamicamente espalhado,
fragmentado, organismo em expansão regido por suas movências. Essa tradução em som e
imagem é representada através de fotografias e gravações em áudio e vídeo, tudo com uso de
baixa tecnologia de captação e produção, coletadas em pesquisa de campo a partir de uma
Etnografia de Passagem, em que descubro a dinâmica cultural desse universo do trabalho,
traçando meus próprios caminhos e refazendo-os sempre que necessário, mantendo-me perto
e dentro.De passagem, percebo a Semiosfera desse corpo, baseada nos estudos do semioticista
da cultura Iúri Lotman; seu estado de Liminalidade, a partir do conceito de Victor Turner; e as
correlações entre Trabalho, Obra, Arte-Ação, apoiada nas teorias de Hannah Arendt. No
atravessamento entre diversas linguagens, aproprio-me da Intermidialidade, presente em Claus
Clüver; dos princípios da Música Aleatória, representada por John Cage; da Paisagem Sonora,
explorada por Murray Schafer e Carlos Fortuna; e da Antropologia Fílmica, aprofundada por
Claudine de France. Como resultado, apresento os tecidos fotográficos, um ensaio de imagens
recriadas pelas frestas saturadas do Ver-o-Peso; além de uma (inicial) grafia sonora, mapas
construídos a partir das ocorrências sonoras das paisagens; e um ensaio audiovisual
experimental, discurso em que abstraio a realidade e exercito a composição em som e imagem.

A pesquisa intitulada “MEMÓRIA E ORALIDADE EM MÃE DAS ÁGUAS.
Performance de Narradores em Icoaraci”, apresentada ao PROGRAMA DE PÓSGRADUAÇAO
EM ARTES (PPGArtes), se vincula à Linha de Pesquisa Processo de
Criação e Atuação em Artes, Instituto de Ciências das Artes-ICA, Universidade Federal do
Pará. O trabalho expõe a trajetória e envolvimento com contadores de histórias de Icoaraci,
procurando evidenciar a riqueza do patrimônio imaterial desta comunidade. O objetivo
central é o registro das narrativas, com ênfase na memória dos contadores e na
performance dos mesmos ao narrar os fatos. Procuramos, ainda, demonstrar e destacar a
importância da memória enquanto elemento construtor das identidades das pessoas desse
lugar.
As narrativas foram coletadas nas “Rodas de Conversas” e delas emergem olhares e
falares sobre o local; saberes e curiosidades; particularidades e pontos comuns ou distintos.
Os participantes das Rodas materializam, através da palavra, dos gestos, das expressões
corporais e faciais, acontecimentos, vivências reais ou imaginárias, que, na maioria das 

vezes, se relacionam com a identidade amazônida de nossa gente. A voz, os gestos, o
corpo, o silêncio, expressam sensações que advêm dessas reminiscências. A memória
lembrada – e, por vezes, esquecida - eterniza experiências de sujeitos que vivem o presente
com lembranças do passado; deixam-se perceber através da performance; ganham forma e
trazem para o momento atual lembranças/imagens de épocas e acontecimentos idos.
O trabalho se pauta no valor que a memória, performatizada pela oralidade, tem para
afirmação, pertencimento e emancipação desses sujeitos cujas histórias pouco aparecem no
mundo letrado, defensor de relatos históricos que primam pela verdade dos fatos. Um
registro dessas memórias, fundamentais para a comunidade e os sujeitos/moradores de
Icoaraci, quer pertençam ou não nesta pesquisa.

O presente trabalho, de natureza qualitativa, investigou a Capoeira do Grupo Muzenza, de
Belém do Pará, à luz dos Estudos da Performance, contribuindo, assim, com as pesquisas sobre
Capoeira e Performance no âmbito acadêmico das Artes Cênicas, no Brasil. Ao compreender a
Capoeira como performance, privilegiando a análise de alguns de seus elementos constitutivos,
tais como jogo e a luta – categorias nativas utilizadas pelos capoeiristas em praticamente todos
os grupos do país –, a pesquisa filia-se a uma rede de teóricos voltada para a construção
epistemológica da performance enquanto categoria analítica. São eles: Victor Turner, Richard
Schechner, Paul Zumthor, Jorge Glusberg e Aldo Terrin. O estudo foi desenvolvido em duas
etapas: a primeira corresponde a uma revisão bibliográfica da literatura (livros e teses) sobre
Capoeira produzida no Brasil, dentre os quais citamos: Waldeloir Rego, Nestor Capoeira,
Eusébio Silva, além das referências dos Estudos da Performance já citados. A segunda
correspondente a uma pesquisa exploratória, de caráter etnográfico. Após coleta de dados e
análise desse material, chegou-se a seguinte apontamentos: de que os elementos constitutivos
para realização do jogo de capoeira do Grupo Muzenza transcendem a peformance puramente
corporal (habilidades motoras), para revelar outras características mais sutis, tais como
improviso, risco, surpresa, susto, etc. Esses elementos, considerados fundamentais para a
cultura praticante, assim, foram identificados na performance (jogo, luta) dos capoeiristas do
Grupo Muzenza, tanto nas rodas públicas de Capoeira (apresentações artísticas e acrobáticas)
quanto em seus treinos cotidianos.

As cenas poéticas da Marambaia pulsam a condição ontológica desta pesquisa que se desafia
por si própria, pela via de escrituras erráticas e cujos fragmentos revelam/refletem a produção
de poetas/criadores de uma possível e invisível arte periférica, aqui afirmada dionisiacamente
por uma estilística aforismática (Nietzsche) e por uma filosofia rizomática (Deleuze) que
ressignificam as leituras dos percursos espontâneos e das vivências dos artistas da Marambaia.

A abordagem emergente nesta pesquisa relaciona aspectos que direcionam o olhar à trajetória em música de pessoas com Transtorno do Espectro do Autismo (TEA) para adquirir um diploma em música. Este é um estudo de caso do processo de formação no curso técnico em música de pessoas com TEA, para tanto foi selecionada a Escola de Música da Universidade Federal do Pará (EMUFPA) por ser uma escola técnica em música que já formou estudantes com TEA. A pesquisa tem como objetivo geral compreender o processo de formação em música de estudantes com TEA no curso técnico da EMUFPA. Se desdobrando especificamente em identificar o papel do Programa Cordas da Amazônia (PCA) na inserção de pessoas com TEA para o aprendizado musical; descrever a ação do Núcleo de Atendimento a Pessoas com Necessidades Específicas (NAPNE) da EMUFPA, relacionada aos estudantes com TEA; e analisar o processo de formação em música de estudantes com TEA no curso técnico da EMUFPA. Para o alcance do objetivo proposto foi adotada a abordagem qualitativa e como técnica de coleta de dados foram utilizados a entrevista semi-estruturada e análise documental. Os interlocutores de pesquisa foram: o diretor do PCA, o coordenador do NAPNE na EMUFPA, a diretora da EMUFPA, dois (n=2) estudantes com diagnóstico de TEA formados no curso técnico da EMUFPA e suas respectivas cuidadoras. Os dados obtidos nas entrevistas semi-estruturadas foram transcritos literalmente, categorizados e analisados juntamente com os documentos evocados na pesquisa. O pesquisador da presente investigação aponta o PCA com um ação efetiva diante da inserção de pessoas com TEA na aprendizagem e atividade musical; dificuldade na implantação do NAPNE na EMUFPA pela falta de recursos materiais, humanos, didáticos, estruturais e financeiros, bem como a falta de definição de papeis entre a DIS e o NAPNE e apoio da escola; também demonstra caminhos diferentes percorridos pelos estudantes com TEA, mas destaca o interesse, a oportunidade, as barreiras, conquistas e continuidade como partes relevantes do processo de formação. A contribuição desta pesquisa ultrapassa os casos particulares dos atores envolvidos, emergindo na elaboração de propostas concernentes à educação musical de pessoas com TEA, culminando na sua formação profissional e em seus efeitos podendo se referir também as diversas necessidades específicas.

Esta pesquisa analisa o percurso da transciação entre palavra, imagem e corpo no processo de criação coreográfica, com o intuito de desenvolver uma reflexão sobre este na cena da dança contemporânea. Para tanto, foram realizadas experimentações nos períodos de setembro de 2013 a março de 2014 com o Grupo de Dança Moderno em Cena - GDMEC. Estas experimentações são consideradas como sugestão de uma metodologia para desenvolver e compreender a transcriação coreográfica, associando-a metaforicamente ao ciclo de vida da borboleta. Acredita-se que este estudo auxilie na reflexão sobre os processos de criação em arte e, mais especificamente, na potencialidade criativa dos bailarinos, no que tange suas observações sobre seus corpos, suas imagens e suas palavras em uma experiência transcriativa sob os princípios da poética da dança imanente, vertente da própria dança contemporânea.

Esta dissertação trata da dança autoral dos casais de mestre-sala e porta-bandeira das
escolas de samba de Belém do Pará, participantes das atividades da Academia Paraense de
Mestre-sala, Porta-bandeira e Porta-estandarte, da qual sou instrutora e que serviu de campo
de estudo e aplicação metodológica da pesquisa. A dança autoral é uma proposição
constituída a partir do meu processo de composição coreográfica e pesquisa do movimento
enquanto porta-bandeira, bailarina e professora de dança. Desta forma, esta pesquisa implica
na análise do processo de investigação corporal como fomentadora de assinaturas na dança
que identificam e diferenciam os casais de mestre-sala e porta-bandeira, mesmo diante do
compartilhamento de um repertório gestual comum. Assumo como metodologia a etnografia,
a autoetnografia e o “número 3 em sua dimensão simbólica e metodológica na pesquisa em
artes”. A dança imanente é a principal base teórica adotada, por subsidiar minha investigação
sobre a dança autoral através do encaminhamento da dissecação artística do corpo. A
investigação do corpo, dos movimentos, o reconhecimento e assinatura da dança autoral
efetuados pelos casais de Mestre-sala e Porta-bandeira, demarcam resultados alcançados com este estudo.

È UMA NARRATIVA DO COTIDIANO DE UMA PROFESSORA DE ARTES QUE VIVE A CIDADE DE BELÉM DO PARÁ COM UM  OLHAR ESTÉTICO, TÊM O OBJETIVO DE INSTIGAR AS PESQUISAS SOBRE A CIDADE, SOBRE ESTÉTICA E SOBRE ARTE-EDUCAÇÃO TUDO ISSO ATRELADO À ESTÉTICA DO COTIDIANO E RELACIONAL, ONDE TODAS AS VIVÊNCIAS SÃO APROVEITADAS (PERCEPTO E AFECTO) UMA APREENSÃO DO MUNDO. A ARTE É UMA FORMA DE CRIAR MUNDOS ATRAVÉS DE UMA ESCRITURA QUE REVELA OS ESPAÇOS COMO SUPORTE ARTÍSTICO ONDE OS PRÓPRIOS ACONTECIMENTOS QUE SE DÃO NELE JÁ CONDUZEM A UMA POÉTICA. USANDO COMO REFERENCIAS TEÓRICAS BACHELARD, GATTARI, SARTRE, WALTER BENJAMIM ALÉM DE ALGUNS AUTORES QUE PERCEBEM A RUA, O ESPAÇO PUBLICO, COMO SUPORTE DE FRUIÇÃO ARTÍSTICA. A CIDADE, ABORDADA DE FORMA POÉTICA E SUBJETIVA. A RUA E O COTIDIANO URBANO E A ARTE-EDUCAÇÃO CONDUZEM A UM PENSAMENTO E OLHAR INTENSO EDENSO SOBRE OS ESPAÇOS QUE UM CORPO PERCORRE. AS IMAGENS DA CIDADE (ESPECIFICAMENTE BELÉM; CENTRO E PERIFERIA) E AS IMAGENS DO COTIDIANO (COTIDIANO URBANO E COTIDIANO ESCOLAR) ATUAM COMO DISPOSITIVOS DE SUBJETIVAÇÃO SEGUNDO AS PERSPECTIVAS TEÓRICAS ABORDADAS NESTA PESQUISA.

Este estudo tem como objetivo investigar o cacuri numa dupla perspectiva revelada nas narrativas de habitantes das ilhas de Abaetetuba e sua utilização como cenografia Amazônica. A metodologia da pesquisa fundamentou-se na História oral para entender a dinâmica da pesca de Cacuris, analizando os dados em diálogo constante com os estudos culturais e a forma arquitetural do cacrui a partir da teoria da forma, principalmente na obra de Wassily Kandinsky, associando a estética do curral a espacialidades cênicas de priencípio esférico, cuja culminância alcança a criação do projeto cenográfico do teatro Cacuri. O trabalho constata que pelas dificuldades que pescadores de cacuris enfrentam para continuar operando com essa arte de pesca tradicional na Amazônia, pois gerações v~em deixando de praticá-las, o campo cênico ao rpopriar-se da potencialidade de suas formas, transforma-se em arma de luta contra o esquecimento da memória deste saber-fazer local.

Este trabalho apresenta uma cartografia de quatro processos criativos atorais vivenciados pelo pesquisador que foi elaborada com o objetivo de compreender qual o aprendizado adquirido sobre a arte de ator e como foi construído a partir dessa prática. Com base na noção de memória como reinvenção do vivido e no conceito amazônico de dibubuísmo dilatados também como metodologia, e a partir de referencial teórico sobre as ações psicofísicas como base para o trabalho do ator, foi feita uma análise crítica de técnicas, procedimentos e métodos de criação aplicados ou elaborados nesses processos, o que resultou na reinvenção destes a partir de um olhar atual. O resultado desta pesquisa amplia a visão do pesquisador sobre o ator, ao compreender a mente dilatada do atuante como fonte de uma partitura fluida de ações psicofísicas, gerando um conhecimento que poderá ser aplicado em futuras atuações, direções de outros atores e práticas pedagógicas como professor de interpretação e teoria do teatro, além de contribuir para os estudos sobre a arte do ator.

Este  trabalho  consiste  em  pesquisa  por  meio  da  qual  se  pretende  analisar  a
influência das bandas de música na formação profissional do instrumentista de sopro
atuante  em  Belém  do  Pará.  As  bandas  de música  são  abundantes  no  Estado  do
Pará  e,  sobretudo  em  Belém,  há  um  grande  número  de  instrumentistas  de  sopro
oriundos  desses  organismos  musicais.  Elas  estão  presentes  em  instituições
militares, escolas,  igrejas, entre outros. Os músicos de sopro são a grande maioria
nas  bandas  e  também  o  foco  deste  trabalho,  cujo  objetivo  é  analisar  quais  as
influências desses conjuntos sobre os instrumentistas e quais os efeitos na formação
e no decorrer da carreira, analisando  também o contexto social e histórico em que  
estão inseridos. É traçado um breve perfil histórico e social sobre bandas de música,
especialmente em Belém, para entender melhor o perfil de  instrumentistas que  têm
origem nas bandas, os quais, hoje, se encontram em carreiras musicais distintas da
carreira  de  músico  de  banda  ou  continuam  atuando  nelas.  A  investigação  foi
realizada  por  meio  de  pesquisa  bibliográfica,  aplicação  de  questionários  e
entrevistas. Os  resultados  da  pesquisa  devem  contribuir  para  os  estudos  sobre  a
banda de música como um espaço de profissionalização.

A festa dedicada a São Cosme e a São Damião, comemorada no dia 27 de setembro, em
Belém do Pará, acontece de acordo com preceitos provenientes de uma tradição afroreligiosa
constituída de ritos, crenças e narrativas míticas, que permeiam o imaginário dos
adeptos e devotos dos santos gêmeos. É o axé dos terreiros de Mina e do “povo de santo”
(ou “povo santo”), da consonância dos corpos, das vozes várias, tudo dilatado, fruído,
líquido, inebriante e, ao mesmo tempo, híbrido, sincretizado, transculturalizado. É uma
festa! O Tambor de Mina é uma manifestação afro-indígena praticada no estado do Pará,
na qual são cultuados voduns, orixás, caboclos, encantados, nobres, reis, rainhas e erês.
Nesse universo ritualístico, insere-se o centenário Terreiro de Mina Dois Irmãos, no qual é
pesquisada a espetacularidade – noção epistemológica fundamental da Etnocenologia,
ciência que estuda as Práticas e os Comportamentos Humanos Espetaculares Organizados
(PCHEO) – da Festa de São Cosme e São Damião e do comportamento de alguns erês. A
espetacularidade designa um tipo de interação humana, eventual ou habitual mais
extraordinária, que incide de maneira particular no modo de ser, de se comportar e de se
apresentar de forma distinta do dia a dia, em determinadas manifestações da cultura. O
trabalho apresenta descrição e reflexão sobre os diversos momentos da festa, suas
personagens, ações e interação, inclusive com o público de convidados.

O presente estudo configura-se como um exercício poético gerado a partir do caminhar, desenvolvido no km 03 da Rodovia BR-316, situado no município de Ananindeua, Região Metropolitana de Belém-PA. Busca subsídios metodológicos na Teoria da Deriva (IS) para ressaltar a cidade como um espaço de micro-resistências, contribuindo para o desvelamento de outras possibilidades de percepção do espaço urbano.

A Artemídia emerge como campo de estudos, leva em conta intercâmbios culturais e artísticos na contemporaneidade da Arte. Hibridação de conceitos e práticas se ressalta nas interpenetrações de avanços na Arte, Ciência e Tecnologia. Objetiva-se estudar as relações de hibridação nas obras de Artemídia da artista brasileira Giselle Beiguelman. Analisar a ubiquidade, os espaços híbridos, nomadismo e intermedialidade nos fluxos das teleintervenções e propostas metalinguísticas da artista. Dessa forma, abordamos a emulação da ação sistêmica da natureza; a metalinguagem de códigos do impresso e do digital; a intermedialidade dos objetos híbridos de sons, imagens e palavras; interfaces interativas. Discutimos espaços híbridos nas propostas interativas com tecnologias nomádicas. A noção de fluxo é aplicada às relações de hibridação encontradas nas obras. Apresentam propostas metalinguísticas na Internet e teleintervenções. As propostas metalinguísticas empregam morfogêneses e intermedialidades para desenvolver híbridos do impresso e do digital, e expandir o sentido do livro no ciberespaço, reciclando os códigos do livro no/com o digital. As teleintervenções produzem espaços híbridos, conectam ruas, galerias de arte e websites, através de dispositivos nomádicos. Essas obras atuam no contexto de ubiquidade e de ampliação da interação em situações de trânsito entre espaços. Os desvios nas lógicas de programação proporcionam relações de hibridação. As propostas estéticas colocam os fluxos em primeiro plano. O papel da artista se faz programadora de interfaces e de eventos. Emerge a relação sistêmica da obra com o interator.

Este  trabalho se constitui em uma  leitura artístico-estético-crítica da cidade de Barcarena na
busca  de  uma  compreensão  do  seu  espaço  urbano. Ela  se  vale  de  três momentos:  a  cidade
histórica, a cidade imagem e a cidade estética, buscando em uma leitura com Mumford,Argan,
Guimarães,  Lynch,  Rossi,  Deleuze,Guattari,  Calvino  o  modo  comoela  se  instaura  na
história.Esta leitura  aponta  como  essa  urbe  se  encontra  hoje, mas  ao mesmo  tempo  do  que
projeta  no modo  específico  de  vê-la  daí  a  ideia  de  uma  cartografia  de  seus  espaços  numa
escritura entontecida.

Neste trabalho apresentamos uma trajetória possível para a construção do artistacurador,
figura atuante no campo da arte contemporânea e com ação peculiar na
cena artística paraense. Para tanto, traçamos uma trajetória a partir das primeiras
propostas daquilo que hoje concebemos como curadoria, desde os colecionadores
de curiosidades até o surgimento dos primeiros Museus. A partir de entrevistas
coletadas em fonte primária associadas à pesquisa bibliográfica produzimos
documentos vivos da História da Arte Paraense, nos quais delineamos fatos
históricos da cena regional, identificando as ações de montagem de exposições e
personagens que se destacaram na cena artística do contexto do século XIX aos
dias atuais. Na cena contemporânea destacamos as ações empreendidas por
curadores nacionais e regionais, que revelaram o fazer do artista-curador como uma
das classificações possíveis para o campo artístico contemporâneo de Belém do
Pará, onde o fazer do artista e o fazer curatorial se intensificam e se completam no
pensamento e no fazer do personagem-foco: o artista que produz e cura.

Esta pesquisa tem como objeto de estudo os processos empreendidos pelo
fotógrafo e educador Miguel Chikaoka, que impulsionou em Belém, a partir da
década de 1980, por meio das fotoatividades, um intenso movimento de arte e vida
na cena da fotografia paraense, onde desenvolveu concomitantemente um peculiar
método de ensino da fotografia, que se expande ao não delimitar-se apenas como
exercício estético, plástico, visual, mas como mola ativadora de experiências
sensíveis modificadoras, caminho às práticas da liberdade.

O  presente  trabalho  revela  dois  processos  de  experimentações  com  a
imagem  através  da  fotografia:  o  primeiro  direcionado  a  uma  turma  de  alunos  da
Educação  de  Jovens  e  Adultos  (EJA)  de  uma  Escola  Pública  de  Belém/PA,  e  o
segundo direcionado a um grupo de  jovens de uma comunidade do Bairro da Terra
Firme  da  periferia  de  Belém/PA.  Buscando  deflagrar  novas  interpretações  e
subjetividades  a  partir  de  experimentações  com  a  fotografia  em  seus  múltiplos
aspectos, apontamos nossas lentes para além de uma produção técnica, na direção
de uma percepção que adentre o que se vê daqueles que constroem a sua própria
identidade. Todo o processo vivenciado esteve preocupado em desenvolver o senso
estético  dos  alunos  e  principalmente  em  reeducar  o  olhar  a  uma  postura  mais
sensível,  atenta  aos  detalhes  do  dia-a-dia  e  crítica,  partindo  dos  princípios  da
observação, experimentação e pesquisa. Optamos por este  tipo de abordagem por
acreditar que a fotografia, dada toda uma trajetória imagética, histórica e conceitual,
dentro e fora de um contexto escolar, pode contribuir para a formação dos indivíduos
na sociedade. 

O objeto desta pesquisa constitui-se na aplicação da arte marcial judô na prática psicofísica do
ator/bailarino. Neste sentido, considero a hipótese apresentada de que o  judô  inclui  técnicas
úteis  para  o  treinamento  do  ator/bailarino  observadas  pela  lente  da  Antropologia  Teatral.
Portanto,  dissertarei  sobre minha  pesquisa  do  judô  tanto  em  seus  atributos  técnicos,  quanto
filosóficos,  a  fim  de  se  encontrarem  elementos  que  possam  enriquecer  o  estado  “pré-
expressivo”  dos  sujeitos  envolvidos  –  atores/bailarinos  –,  a  partir  da  construção  do  “Kata
Pessoal”,  termo  cuja  definição  implica  procedimentos  metodológicos  do  treinamento  e
deduções empiricamente atestadas nesta pesquisa. Portanto, esta proposta  incorpora campos
teóricos e práticos distintos, quais sejam o Judô e o Teatro, contendo como foco os princípios
e atributos do primeiro, e a abordagem antropológica, do segundo.
Minha experiência enquanto professora de judô foi tomada como referência para o estudo, por
constituir  âmbito  filosófico  e  prático  sobre  os  fundamentos  do  judô.  Quanto  aos
procedimentos metodológicos  levados  a  cabo,  optou-se  por  uma  abordagem  qualitativa,  de
caráter descritivo e hipotético-dedutivo em que  foi  realizado um  levantamento bibliográfico.
Houve, também, pesquisa de campo, envolvendo entrevistas e depoimentos, e um  laboratório
experimental de treinamento psicofísico. Para aplicação deste treinamento, foi selecionado um
conjunto de técnicas do judô a partir de princípios como: “equilíbrio de luxo (ou precário)”
2, “energia”  3, “oposição” 4,  “corpo-decidido” 5,  e “dilatação” 6 .  

Este estudo aborda a dimensão poética we estética presentes em corpos de travestis que trabalham e trasitam no Bairro do reduto na cidade de Belém do Pará.

Nesta dissertação, proponho experimentar o experimentável nos deslocamentos possíveis de uma pesquisa atravessada por vivencias e outros acontecimentos na dimensão ordinária da experiência estética. Os assuntos aqui abordados tratam de questões relativas às práticas do fazer criativo vivenciado no cotidiano da cidade. Proposições de numa abordagem rizomática no víeis deleuze-guattariano sobre os aspectos referentes aos processos artísticos que ocorrem em paralelo aos mecanismos de agenciamento coletivo. Aproprio-me do sentido de escritura disseminado por Jacques Derrida, como estratégia para trafegar por sobre as tramas que envolvem as situações cotidianas na temporalidade própria do fazer.

O tema proposto é um estudo da representação do corpo masculino e as características do erotismo na fotografia contemporãqnea paraense. para o estudo foram escolhidas obras dos artistas Sinval Garcia (série "Automatic Men")e Orlando Maneschy (série "Homens e Sangue") produzidas nas décadas de 1990 e 2000.

Esta  dissertação  tem  como  objeto  de  estudo  a  relação  entre  arte,  televisão  e  indústria
cultural  propondo  uma  crítica  dos  conceitos  de  cultura  de massa  e  indústria  cultural  e  uma
análise do objeto empírico, a microssérie Capitu. Os pressupostos  teóricos partem dos Estudos
Culturais, da Estética e da Teoria Crítica Frankfurtiana para propor uma perspectiva diferente ao
objeto  de  estudo,  que  normalmente  é  encarado  a  partir  de  pré-conceitos  comuns  da
hierarquização cultural que coloca a arte em um pedestal e vê qualquer tipo de trânsito cultural
como uma espécie de deformação do cânone.

O  objetivo  com  este  estudo  é  compreender  a  dinâmica  da  educação  musical  na  Unidade
Educacional Especializada  José Álvares de Azevedo  (UEES  JAA),  situando a música e  sua
dimensão  criativa  no  Atendimento  Educacional  Especializado  (AEE)  na  concepção  de
professores  e  de  alunos  com  Deficiência  Visual,  na  perspectiva  da  educação  inclusiva.  A
UEES JAA localiza-se no Estado do Pará, uma referência no AEE de alunos com Deficiência
Visual. Segundo dados oficiais da Secretaria de Estado de Educação (SEDUC), em 2009, esta
instituição  atendeu  cerca  de  347  alunos  provindos  da  Região Metropolitana  de  Belém. Os
docentes e  técnicos da unidade atuaram em várias ações:  (a) no atendimento de alunos com
Deficiência Visual;  (b)  na  formação  de  educadores  da  Rede  Estadual  de  Ensino;  e  (c)  na
organização  de  Jornadas  Pedagógicas  envolvendo  a  sociedade  para  discussão  de  temas
relacionados  à  arte.  Referindo-se  à  arte,  inclui-se  a música  como  importante  elemento  no
processo  de  ensino-aprendizagem  de  seus  alunos.  Embora  se  constate  inicialmente  estas
práticas  de  trabalho  com  música,  verifica-se  que  no  campo  da  sistematização  e  produção
científica destas práticas há uma lacuna, dada a riqueza das experiências e especificidades de
sua  atuação.   Em  se  tratando  da  busca  dos  processos  criativos  dos  alunos  com Deficiência
Visual por  intermédio da música, percebe-se que a Unidade apresenta muitas possibilidades
de  estudo  e  de  produção  de  conhecimento.  Considerando  a  percepção  complexa  dos
fenômenos  a  serem  estudados,  os  pesquisadores  utilizaram  uma  abordagem  Qualitativa,
estruturada  em  torno  de  um  Estudo  de  Caso.  Como  técnica  de  pesquisa,  foi  utilizada  a
documentação  indireta,  através  da  pesquisa  bibliográfica  e  pesquisa  documental.  A
documentação direta baseou-se na (a) observação direta intensiva por intermédio de  técnicas
de observação, e (b) roteiro de entrevista semi-estruturada. A análise dos dados revelou que:
(a) A UEES JAA vem passando por um processo de mudança em sua forma de organização
como  tentativa  de  adequar-se  ao  processo  de  normalização  do  AEE.  Esta  mudança,  em
andamento,  tem  no  centro  de  sua  concepção  a  perspectiva  inclusiva  na  qual  o  conceito  de
inclusão  social  tem um papel  significativo e a  inclusão escolar apresenta-se em processo de
desenvolvimento  crescente  sendo  que  sua  consolidação  demanda  a  superação  de  desafios
ainda presentes na dinâmica  institucional,  sobretudo na  relação com o ensino  regular;  (b) O
Coral Cantarte, como campo de atuação musical, afirma-se como  fazendo parte do conjunto
de  atividades  ofertadas  aos  alunos  com Deficiência Visual, manifestando  uma  organização
pedagógica  específica  que  busca  considerar  as  necessidades  educacionais  especiais  dos
educandos,  valorizando  formas  de  abordagem multi  sensorial,  processos  de memorização  e
repetição e repertório de baixa complexidade técnica como princípios norteadores do processo
de  ensino-aprendizagem;  (c) A  dimensão  criativa  da música,  por meio  da  composição,  do
improviso  e da  inovação musical manifesta-se de  forma diferenciada na  prática  pedagógica
musical, compondo um quadro geral de ausências e presenças, possibilidades e perspectivas.
Neste sentido, a criação musical não compõe o leque de objetivos educacionais propostos para
o Canto Coral, sendo a natureza criativa da música o principal agente desencadeador de sua
tímida manifestação. Desta  forma, produz-se conhecimento de uma experiência educacional
que contribui para o enriquecimento da  relação da música com o processo de construção da
inclusão de alunos com Deficiência Visual.

O presente  trabalho  fala  sobre Wilson Fonseca, um dos compositores mais
importantes da nossa região amazônica, devido a sua trajetória e dedicação de uma vida
inteira  a  favor  da música  e  da  nossa  cultura,  sendo  uma  referência  não  somente  no
campo  musical,  mas  também  na  memória  e  resgate  da  história  e  cultura  santarena.
Crendices e lendas amazônicas para canto e piano, temática abordada nessa pesquisa, é
apenas uma das várias faces a qual o autor retratou em sua extensa produção musical.

Os retábulos constituem um bem que integram a arte e a arquitetura, e inicialmente utilizados como instrumento pedagógico de propagação da fé cristã atingiram seu apogeu no período da Contra reforma. Esses modelos foram trazidos da Europa para as colônias e em Belém existem exemplares que se destacam pos suas características insólitas. Com a mudança na liturgia proposta pelo Concílio Vaticano II, perderema sua função original, masa como exemplares reveladores da condição histórica, artística e religiosa de uma época e que apresentam uma evolução em sua composição e forma, evidenciam os fazeres e saberes que propiciaram a feitura desses retábulos com a mão de obra local. Este trabalho tem por objetivo analisar, a apartir das tipologias de cinco retábulos da Belém do Século XVIII, as infuências ibero-italianas na produção artística e arquitetônica com ênfase nos processos de mestiçagens dos encontros culturais ocorridos entre colonizadores, religiosos, técnicos (com destaque para o arquiteto bolonhês Antonio Landi), indígenas e negros.

 
O presente trabalho se propõe a fazer uma investigação acerca da influência do cinema
nas  montagens  dos  espetáculos  teatrais  de  Saulo  Sisnando,  seja  pela  utilização  de
projeções, como ocorreu na Peça-Filme popPORN – sete vidas e infinitas possibilidades
de  corações  partidos  ou  pela  maneira  como  o  corte  cinematográfico  se  agregou  à
encenação  da  Peça-Filme  Cartas  para  Ninguém.    Esta  dissertação  também  pretende
demonstrar passo a passo os procedimentos de inserção de técnicas cinematográficas na
Peça-Filme  O  misterioso  desaparecimento  de  Deborah  Rope  (construída  em
concomitância com esta dissertação), discutindo a possibilidade de uma hibridização tal
que vai além (embora também faça uso) da utilização de recursos audiovisuais, como off
e  projeções  de  vídeos  e  filmes,  mas  apoderando-se  cenicamente  de  conceitos
tipicamente  cinematográficos  como  edição,  montagem,  closes,  fades,  cortes,  planos,
contra planos, sequências, enquadramentos, etc., a ponto de atingir um “efeito cinema”,
característica indispensável na poética das peças-filme. Este trabalho pretende analisar a
Peça-Filme  o  misterioso  desaparecimento  de  Deborah  Rope  desde  a  construção
dramatúrgica até a sua execução no palco, quando, à luz da Teoria Realista do Cinema
de André Bazin, a peça-filme analisada pelo prisma da montagem e da plasticidade da
imagem.

 
Paulino Lins de Vasconcelos Chaves (1883-1948) saiu de Belém para estudar
na  Alemanha  e  no  seu  retorno  à  capital  paraense  realizou  diversas  atividades
musicais antes de partir para o Rio de Janeiro, onde atuou até o final da vida como
professor  de  Piano  no  Instituto  Nacional  de  Música.  O  problema  desta  pesquisa
consiste em compreender tanto as especificidades da sua produção musical quanto
o diálogo de sua produção com o contexto de Belém. O objetivo geral é investigar as
relações entre a produção composicional de Paulino Chaves e seu entorno histórico,
social e musical em Belém no final do século XIX e início do século XX. Pretendeu-
se  também refletir sobre a  formação e atuação musical do compositor; analisar sua
produção  por  época  e  estilo,  sobretudo  após  o  seu  retorno  da  Alemanha,
contextualizando  histórica,  social  e  culturalmente  em  Belém  na  época  em  que
Paulino  Chaves  atuou  na  cidade;  e  realizar  análise  musical  comparativa
relacionando os procedimentos  composicionais empregados por Paulino Chaves e
aspectos da  tradição musical européia da época.   Para  isso, a pesquisa dispõe de
três  ferramentas  de  coleta  de  dados,  que  são:  (1)  levantamento  documental  a
respeito do compositor e seu entorno cultural; (2) análise dos documentos referentes
à  repercussão  das  obras  do  compositor  na  época;  (3)  análise musical  buscando
observar  os  procedimentos  composicionais  derivados  da  formação  na  Alemanha,
utilizados  por  Paulino  Chaves.  O  trabalho  conta  como  referencial  teórico-
metodológico:  (1)  a  análise musical  apresentada  nos  trabalhos  de Charles Rosen
(1987; 2000), Schoenberg (1996), Carvalho (2002) e Noda (2009); (2) a abordagem
estético-sócio-cultural  em  Enrico  Fubini  (2008),  Jorge  Coli  (2005),  Nobert  Elias
(1995)  e  Starobinski  (2001);  (3)  a  perspectiva  biográfico-musical  sobre  Paulino
Chaves, em Salles (1970; 1980; 1983; 1985; 1995; 2005; 2007) e Tourinho (2010); e
(4) a abrangência histórica (social e musical/artístico) nacional (Brasil) e local (Belém
-  PA),  em  Daou  (2004),  Dudeque  (2005),  Sarges  (2000),  Vermes  (2004;  2007),
Vieira (2001), Volpe (1995), Figueiredo (2001), entre outros.